Boletines de prensa

MUSEO RAYO
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2018


IGNACIO GÓNEZ JARAMILLO


En la primera mitad del siglo XX varios artistas con propuestas innovadoras apostaron por ideas modernas y escribieron así la historia de revoluciones conceptuales y formales. Entre ellas es indispensable la personalidad de Ignacio Gómez Jaramillo (1910-1970), pintor, dibujante, grabador y muralista. Gracias a él se introdujeron las ideas esencialistas y geometrizantes que se identificaron con Cézanne. Así mismo su interés se concentró en ideas críticas e izquierdistas, así como en la crítica e Historia del Arte. Muchos de sus escritos salieron publicados en el libro Anotaciones de un pintor (1987) de la serie autores antioqueños.
Vivió en España al inicio de los años treinta. También en París donde complementó sus estudios en la Grande Chaumiere. En 1934 regresa a Colombia. Recibe el respaldo de la crítica más progresistas: Rafael Maya, Jorge Zalamea, Gilberto Owen. En 1936 viaja a México y se relaciona con el muralismo de ese país que en ese momento era el punto de mira del arte latinoamericano. Al año siguiente exhibe en el Palacio de Bellas Artes de esa capital. El poeta Luis Cardozo y Aragón elogia su producción.
En 1938 el gobierno de Colombia le encarga dos murales para el Capitolio. El artista pinta sendos temas polémicos: La liberación de los esclavos y La Insurrección de los Comuneros. Diez años después de encarnizadas polémicas las obras deciden cubrirse. En 1949 el artista demanda al estado por los daños morales causados.
En 1940 gana el primer premio en pintura en el Salón de Artistas Colombianos que Jorge Eliecer Gaitán había promovido. La obra galardonada fue Madre del Pintor, ejecutada el año anterior. Trabajo que hoy tenemos la fortuna de tener presente en esta exhibición. La distinción fue consagratoria para su autor, además de una señal oportuna de distinguir la modernidad ante un tema usual.
En 1944 se publica el libro El Arte en Colombia: Ignacio Gómez Jaramillo del poeta mexicano Gilberto Owen. En 1950 el gobierno mexicano le concede el Águila Azteca, máxima distinción de ese país.
Ignacio Gómez Jaramillo es contemporáneo del Pedro Nel Gómez, Débora Arango, Carlos Correa, Luis Alberto Acuña, Rómulo Rozo y algunos otros. Le tocó presenciar la generación de relevo encabezada por Obregón y Negret y alcanzó a conocer la siguiente de los artistas que despegaron en los años sesenta. Se enfrentó a Marta Traba por su diferencia de opinión y su obra entró en crisis existencial y estética hacía el final de su vida. Su último cuadro fue totalmente abstracto.
Esta exhibición se concentra en obras de los años treinta al sesenta ejemplificando los tres temas reiterados en la obra del artista: retratos, desnudos y murales.
Se han exhibido en varias ocasiones obras de este autor en exposiciones temáticas y colectivas, esta es la primera vez que se presenta su obra en forma individual.

GABRIEL SILVA


Esta es la primera vez que ponemos en consideración la obra de Gabriel Silva (Bogotá, 1955), en este museo. La intensa serie de pinturas tituladas Cosmografías ilustran muy bien las preocupaciones actuales del artista en cuanto a factura, cromatismo y sobre todo el universo onírico e imaginativo que es una constante en esta producción producto de la ensoñación, generando realidades sensitivas.

Silva estudió publicidad en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, dibujo y pintura en Camden Town, Instituto de Arte de Londres y grabado en el taller "La Taille Douce" en París. Expone individualmente desde el 2012 y participa en exhibiciones colectivas desde 1992.

Ha realizado hasta el momento seis exposiciones individuales y ha participado en importantes muestras colectivas en París, Atenas, Bruselas, Maracaibo, Medellín y Bogotá. Trabaja la cerámica y la jardinería intuitiva paralelamente a la pintura y es docente en la Universidad Javeriana de Bogotá desde 1999.

Su propuesta está compuesta por pinturas en gran formato que se resuelven mediante el accidente controlado, la explosión de color como un recurso expresivo, la figuración minuciosa narrativa o las sombras de personajes. Sus argumentos parecen estar motivados por el sueño, el deseo e incluso la pesadilla. Paisajes que se tornan humanos, fantasmas que emergen o se sepultan en cromatismos vigorosos, donde todo parece fluir y estar en permanente transformación.

La obra de Gabriel Silva puede señalar acertadamente uno de los caminos de la pintura colombiana que se dirige a seducir y extraer escenarios imaginativos, paisajes interiores y viajes imaginarios.

Las pinturas en su conjunto van creando un espacio envolvente con imágenes en contrapunto que enfocan, se acercan y se alejan ofreciendo una sensación calidoscópica. Silva busca un espectador que se deje permear por las sensaciones, que se deje interceptar por las emociones de un universo sugerido.

 

RUBY RUMIÉ "FOTOGRAFÍAS"


Los estudios culturales le han dado un renovado impulso a las artes visuales, dotándolas de sentido, obligándolas a mirar el entorno y a centrar precedentes en cuanto a la mirada crítica. Dentro de esa actitud se han incrementado los estudios de género y estos han desembocado escudriñando y advirtiendo sobre la condición de la mujer y la discriminación de estos en el ámbito doméstico y en los distintos campos laborales.

La observación de la mujer en desempeños marginales parece ser el interés mayor en los argumentos que invita a discutir Ruby Rumié (Cartagena de Indias, 1958). Estos trabajos son el resultado de un trabajo de campo que incluye no solamente el conocimiento de determinada problemática sino la negociación con las protagonistas que se convierten en el principal insumo visual en las obras.

En esta ocasión presentamos tres proyectos fechados en el 2009, 2014 y 2016. El primero de ellos es Lugar Común donde empleadas domésticas y su señora se igualan mediante la camiseta blanca y el fondo neutro. Es un trabajo colaborativo con Justine Graham, donde en el transcurso de dos años se contactaron a cien mujeres entre 19 y 95 años que evidencian a través de esta instalación fotográfica el cuestionamiento al vínculo laboral, altera la idea que tenemos del retrato y sacude los estereotipos sociales neutralizando la identidad de los roles registrados.

La violencia de género es el eje para la investigación sobre mujeres maltratadas. Rumié propone un ejercicio terapéutico y de sanación. El luto simbólico como salida para redimir el dolor y ayudar al duelo. De ese deseo nace Hálito Divino con 100 mujeres invitadas a depositar la energía de su aliento en un ritual liberador y con una gran carga simbólica. Las vasijas blancas como objetos votivos que contienen sentimientos desgarrados.

El tercer proyecto presente en esta exhibición se titula Tejiendo Calle, donde se capturan imágenes de mujeres de setenta años que trabajan como vendedoras ambulantes en la ciudad de Cartagena. Ellas ofrecen frutas y portan en su cabeza palanganas donde se concentran sus productos. Para este proyecto se retratan sin ese aditamento y vestidas de blanco, a fin de despojarlas de los elementos "exóticos" con que regularmente se las identifica y en cambio devolviéndoles la dignidad como personas.

El trabajo de Ruby Rumié se concentra en ofrecernos esencialmente cuerpos que con sus presencias en el orden social piramidal cuestionan su propia condición y se preguntan sobre el desempeño donde han sido abocados. Invitan al espectador a la interpretación, reflexión y distintas maneras de comunicación.

CECILIA ORDÓÑEZ "CERÁMICAS"


Queremos acercar a nuestro público una vez más al arte de la cerámica. Un ejercicio ancestral que les hemos ilustrado espléndidamente con las piezas antropomorfas y zoomorfas de la cultura Malagana. También ha estado presente con las obras de Beatriz Daza o con la exposición antológica de Piry de Patiño. Hoy presentamos el trabajo de Cecilia Ordóñez (Pamplona, 1949), una de las artistas más destacadas en su campo con que cuenta el país.

De sólida escolaridad, estudió esmaltes en París, cerámica en la Universidad Nacional en Bogotá y obtuvo una maestría en artes en la Universidad de Iowa. Desde 1976 celebra exhibiciones individuales. A lo largo de su carrera se ha hecho acreedora a distintos reconocimientos en eventos competitivos al tiempo que se le han otorgado becas de estudio. Sus obras están hechas a totalidad por la artista que las fabrica con sus propias manos. Las somete a altas temperaturas en el horno y le aplica elementos para su coloración. Cecilia Ordóñez cree y confía en los procesos personales de elaboración y composición, y defiende la posibilidad del autor de decidir sobre el destino de cada una de las piezas apoyado en la destreza, técnica y en el ejercicio del gusto.

La obra de Cecilia Ordóñez pretende continuar con una tradición ancestral, pero proponiendo formas contemporáneas. Si bien se inspiran en la naturaleza vegetal y animal o en el paisaje mismo, su trabajo no reconstruye de manera realista los argumentos que trata, sino que reinventa versiones imaginativas que buscan poetizar los contenidos.

Las montañas, los humedales, los fósiles, los corales, las hormigas, van haciendo presencia en su obra junto con algas, celosías, rocas, que ejemplifican un amplio espectro argumental pero que en realidad abstraen la forma y transfiguran los referentes para volverlos ejemplos evocadores que invitan a una aventura imaginativa.

En el universo de la cerámica la técnica, el acabado, el resultado final después de las altas temperaturas a que son sometidas cada una de las piezas es importante. Dominar cada uno de los pasos en un oficio que lo suministra la vocación y la experiencia, estas dos cualidades son las que han asistido a nuestra artista a través de una carrera de más de cuarenta años.

Las obras aquí presentes han sido elaboradas en distintos momentos de este nuevo milenio, desde el 2002 hasta el año pasado. Su cerámica escultórica se apoya en la imaginación y también en la certidumbre de que es un trabajo que ofrece superficies táctiles expresivas, sugestivas y que invitan a ir más allá de la contemplación. Su producción desea así mismo ser un agente de espiritualidad y de evocación emocional en sintonía con de los argumentos que se insinúan.

OMAR RAYO - GEOMETRÍA INMAMENTE (INTAGLIO)


Como parte de la exposición Geometría inmanente, presentamos una retrospectiva del grabado de Rayo desde 1960 a 1970. El descubrimiento del intaglio produjo una revolución en la mente del artista.  En 1959, estando en México estudiaba las técnicas tradicionales donde el intaglio es un producto segundario de la matriz que deja su huella sobre el revés de la hoja de papel.  Al pasar objetos reales por el tórculo una noche en el taller, Rayo halló la clave de su futura obra.  Esta historia está detallada en la Sala del Intaglio mostrando cuerdas, puntillas, tijeras impresas directamente al papel evidenciando el salto enorme que dio Rayo al reinventar en 1960 una técnica que lo definió como artista.

 

Los primeros intaglios tienen títulos poéticos como "Cuerdas para atar las alas de un ángel." La poesía no estaba sólo en las palabras sino en el mismo proceso.  El intaglio es el revés de una huella-- un imposible-- y en toda la obra de Rayo, podemos ver su interés por la paradoja, el "oxímoron" visual.  Otro aspecto de esta poética es el amor por el papel y el contacto sensual al acariciar esa superficie que Rayo compara a los placeres del amor, visible especialmente en sus grabados eróticos y las "Féminas".  Podemos ver cómo el papel deviene su propio tema--la piel de la huella.

 

A principios de los 60, Rayo pasó de imprimir objetos reales a crear planchas, primero metálicas y después de cartón; de imprimir con tórculo, a tallar con sus propias manos.  Los primeros temas eran los que se pueden ver en las pinturas y dibujos de Vía Sur: paisajes, personajes, animales, objetos.  Vemos en las pinturas una geometrización y abstracción de las formas que responde a la visión de Rayo de la geometría inmanente en la realidad.  Captó imágenes geométricas de la arquitectura, la escultura y las telas precolombinas que entran al imaginario de los intaglios con las calaveras y sandías mexicanas.  Sin embargo, los títulos de estos grabados hablan de "formas," y "composiciones" con una voluntad de abstracción que corresponde a las "pinturas sin sombra," casi abstractas de colores planos de la misma época.


Alrededor de 1963, ya en Nueva York, representa otra vez objetos, impresos con mayor relieve sobre papel d'Arches. Estos objetos trasladados a planchas coincidían con el movimiento Pop inglés y norteamericano.  Hay tijeras, agujas, ropa doblada y más importante que nada, cosas de papel como cajas, pajaritos, barcos, sobres.  En estos, el doblez produce la geometría. El relieve blanco sobre blanco sintetiza y depura la imagen y lo vuelve geométrico, concentrándonos en su belleza.  En la misma época el doblez en la pintura se creaba con el sombreado y en el grabado el doblez escondía y revelaba niveles.  En la pintura Rayo exploraba de forma obsesiva la representación de la tercera dimensión y el volumen, añadiendo objetos reales a las telas, y convirtiendo los pañuelos, cometas, sobres y ringletes de los intaglios en geometría abstracta.  En los últimos años de los 60, aparecen origamis y lotos en grabado y pintura.  Ésta transforma la cinta de papel de los intaglios en grandes telas irregulares donde forma y fondo se unen. Así que, en las dos exposiciones, podemos ver cómo el dibujo y la pintura temprana le dieron vida al grabado que luego inspiró nuevas geometrías dinámicas y vibrantes en la pintura.

 

 

OMAR RAYO - GEOMETRÍA INMANENTE (Pinturas)


Para los 90 años del nacimiento de Omar Rayo, ofrecemos la retrospectiva Geometría inmanente.   Hasta julio de 2018 presentamos obra de 1948 hasta 1978.  La exploración de las obras tempranas revela una predisposición para la geometría aún cuando Rayo dibujaba, pintaba y grababa sujetos figurativos.  Esto se basaba en su capacidad de observar en la naturaleza y los seres que la habitan las geometrías subyacentes.  Rayo nunca fue un geométrico puro, sino que descubría en todo, su estructura inmanente.  Por ello su obra es una visión de lo más allá y lo más adentro de lo material.

 

En 1948, Omar Rayo ya se destacaba en Colombia como caricaturista. Creó un estilo original, el Maderismo, construyendo los rostros de sus personajes con tablas de madera dibujadas de una forma realista y creando una semblanza que asombraba por su veracidad e ingenio.  Después, a partir de 1954, desarrolló un estilo surrealista que él denominó Bejuquismo.  Construía figuras humanas con elementos de la naturaleza, raíces y lianas sinuosas.  Pero Rayo no resistió el impulso de geometrizar y entre los cuerpos sin rostro encontramos espacios ovalados, circulares, y rectangulares repetidos, que dan a los personajes una coherencia formal secretamente geométrica.

 

En Via Sur, nombre que él le dio a las obras elaboradas en un viaje por Suramérica entre 1954 y 1958, encuentra el hilo conductor de su obra futura --figuras humanas, flora, fauna y paisajes cada vez más abstractos.  Gato precolombino es un diseño zoomorfo como los de las telas paracas--enigmático y radiante por ser gato y ser signo.  En aquel momento Rayo se dio cuenta del sentido sagrado y transformativo de la geometría.  Igualmente percibió la conexión entre lo antiguo y lo contemporáneo al tomar contacto con los artistas geométricos y sus escuelas en Uruguay, Chile y Argentina.

 

En México, 1959-60, donde se encontró con el Muralismo y sus practicantes, con la generación de La Ruptura, parte de la que optó por la abstracción, y con las grandes civilizaciones precolombinas, se afirmó en la geometría.  El aprendizaje del grabado y el descubrimiento de la técnica del intaglio hizo que se concentrara tanto en la geometría del objeto concreto como en lo concreto de las formas abstractas.  Sintetizaba las formas de Vía Sur, abstrayendo los bodegones y paisajes e incursionando en la composición de pinturas de colores planos fuertes y primarios (Pintura sin sombra) que parecen abstractas pero que llevan títulos poéticos alusivos a momentos, sitios y cosas particulares.

 

En Nueva York en los 60s produjo un gran número de pinturas y halló varias constantes de su estilo.  Representaba cintas dobladas donde el doblez se crea con el sombreado.  Se encontró con el arte Pop que reflejaba su exploración del objeto en el grabado, y con el Óptico en la yuxtaposición de colores vibrantes o el uso de franjas blancas y negras. Descubrió los shape canvases y transformó sus telas irregulares en seres voladores que llevaban nombres de ángeles o en tótems con nombres indígenas. A estas, les agregaba rodillos y otros objetos para intensificar la ilusión óptica de volumen y jugar con la percepción del espectador.


La pintura central de esta exposición, Ascensión (1970), prestada por el MAMBO, une varias tendencias.    Es un cuadro irregular que sugiere una cometa y que lleva una larga cola sin bastidor pintada de colores de la gama rojo a amarillo que termina enrollándose.  Rayo llamaba "poesía concreta" el juego conceptual de poner al lado de la obra una escalera real.  Presentaba esta y otras pinturas conceptuales en las bienales del momento paralelamente a otras que denominaba, Pintura Modular Transformable de las que mostramos un prototipo del 69, Tren tres.  Los 70 vieron otro cambio fundamental en la pintura de Omar Rayo que fueron los cuadros voluminosos como la serie Saratoy donde la tercera dimensión representada en trampantojo constituye el argumento principal. Crea la ilusión de tactilidad que no deja de ser geométrica y que sugiere objetos imposibles de otra dimensión. En Geometría inmanente se puede percibir el proceso creativo de un artista que penetró lo visible con su ojo de alquimista hasta llegar a la oculta geometría de lo imposible.

 


 

ADRIANA DUQUE


La fotografía ha ocupado un importante lugar en la programación de este museo. No solo hemos incluido fotógrafos latinoamericanos en nuestra programación sino muestras individuales de muchos de los principales fotógrafos colombianos. Entre las últimas recordamos la de Ruven Afanador y Leo Matiz.

En esta ocasión presentamos por primera vez la obra de la artista colombiana Adriana Duque (Manizales, 1968) quien estudió Artes Plásticas en la Universidad de Caldas y luego se especializó en Barcelona en fotografía digital. Su carrera en realidad se inicia con este mileno y se ha concentrado en el retrato, pero también ha propuesto paisajes, todo de un clima de quietud y silencio que es donde parece estar más cómodo su trabajo.

La presente exhibición está conformada por una docena de retratos en gran formato, tanto de personajes cuyo rostro esta capturado en primer plano como otros ofrecidos de cuerpo entero. Todos parecen emerger de la penumbra para revelar sus facciones iluminadas. Naturalmente esto remite al claro-oscuro del Barroco. Sobre todo, hace pensar en la pintura flamenca, y en el caso de los interiores, donde la fuente de luz proviene de una ventana recuerda los íntimos recintos holandeses de Jan Vermeer de Delf. Evidentemente la fotografía de Adriana Duque hace referencia a la historia de la pintura y desea por lo tanto tener la carga emocional, el talante sicológico y la expresión ensimismada con que son capturados los personajes.

A excepción de El Geógrafo, donde se puede ver un muchacho al lado del globo terráqueo, todos los demás retratos pertenecen a mujeres, algunas realizando una labor como La Lechera y La Guitarrista u otras simplemente posando, pensando no solo en ser capturadas sino en ser contempladas. Las obras pertenecen básicamente a cuatro series: Antropología de una Obsesión, Retratos Negros, Íconos y Renacimiento, fechadas en el 2011, 2013 y 2014 respectivamente.
Los personajes de Adriana Duque se plantean como solitarios y habitantes nocturnos, un estado emocional que revelan la placidez de sus rostros y las miradas de expresión tranquila. Las imágenes que finalmente captura son el resultado de una puesta en escena donde se controla siempre la luz y se escogen los recintos arquitectónicos y los objetos. Sus obras son el resultado de una minuciosa planeación para lograr el ambiente y el instante perfecto. La artista vive y trabaja en Bogotá.


 

 

 

PEPE TOLEDO


En esta su primera exhibición individual en el Museo se han escogido piezas recientes de su serie Envolventes que ofrecen la destreza en el uso del material y generan espacios sugestivos que el observador podrá advertir al desplazarse alrededor de cada una de las obras.

A pesar de que las esculturas están realizadas en hierro, un material que se resiste a ser maleable y que además es fuerte y pesado, las estructuras de Toledo se ven etéreas, proyectadas con facilidad en el espacio, parecen livianas y se plantean como dibujos en el espacio. Pero este resultado no solo se debe a las soluciones formales de sus propuestas, sino que también reside en los colores con que son revestidas. El hierro se oculta y el cromatismo vivaz parece secundar a formas serpenteantes y ágiles que gravitan sin peso.

Pepe Toledo (Medellín, 1953) ha venido trabajando intensamente en sus esculturas y celebrando exhibiciones individuales en distintas instituciones como el Museo de Arte Moderno de Cartagena de Indias, el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, el Museo de Arte del Tolima en Ibagué, el Museo de Arte del Quindío en Armenia, la Biblioteca del Caribe en Barranquilla y la Casa Proartes en Cali. Así mismo su propuesta ha estado en diferentes ferias de arte como la de Barcú en Bogotá, ARTCali, ARTMed en Medellín, Pinta Miami y P.A.R.C. en Lima.

Las obras apreciadas en su conjunto se ofrecen como una instalación multicolor capaz de sugestionar al espectador con trabajos de distintos formatos, aunque en todos los casos estos parecen ofrecer su carácter monumental. Acorde con la idea del artista quien ha declarado: "El proceso de crear y darle vida a un pedazo de hierro es una aventura donde dejo correr mi imaginación, en donde mi mano se transforma en un vehículo sometido al poder del lápiz que viaja para crear formas. Es un proceso en donde acaricio el metal viejo y oxidado, que en su principio fue fuego y, luego, lámina triste y vacía, para darle color y vida".

Las paredes negras de las salas del museo y las bases de las obras del mismo tono hacen parecer las esculturas suspendidas. El resultado es una constelación de formas que sugieren una policromía en el espacio. Pepe Toledo vive y trabaja en Cali.

 

 

DESNUDOS - "COLECCIÓN MUSEO LA TERTULIA"


El dibujo es una disciplina muy a fin con este museo ya que parte de las estampas de su colección pertenecen a esta modalidad. En la historia del arte usualmente los dibujos corresponden a estudios preliminares para pinturas, esculturas, mobiliario, artes decorativas y vestuario. Estos apuntes y bosquejos, muchos de los cuales han llegado hasta nosotros a través de los siglos, nos enseñan las ideas iniciales y las primeras emociones para desarrollar proyectos. Son documentos indispensables para ilustrar el génesis de importantes obras.

Sin embargo, muchos artistas hicieron del dibujo un fin en sí mismo. Recordemos el maravilloso ejemplar de Leonardo da Vinci donde se puede ver a Santa Ana, La Virgen, el Niño y San Juan o los exquisitos de Alberto Durero. El dibujo gracias a sus ejecutantes ha trazado su propia trayectoria dentro de la historia del Arte.

Presentamos en esta ocasión dibujos de desnudos tanto masculinos como femeninos. En la interpretación de artistas colombianos de tres generaciones que acusaron la presencia de la modernidad, las propuestas neofigurativas y expresionistas, como también el realismo fotográfico. Todas las obras pertenecen a la colección del Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali.

De Enrique Grau (1920-2004) presentamos su sugestivo dibujo titulado Pigmalión y Galatea. Es una ilustración libre de este mito clásico que narra el destino del Rey de Chipre que desea una mujer perfecta y concibe una estatua de marfil de la cual se enamora. En una de las celebraciones en honor a Venus éste pidió a la diosa que le diera vida a la escultura. Su deseo fue concedido y Pigmalión pudo casarse con Galatea. Tuvieron incluso una hija. Pero el feliz esposo ofendió a Afrodita y ésta convirtió nuevamente en estatua a Galatea mientras hacía el amor con Pigmalión, quien quedó aprisionado con su sexo y brazos. Grau dibuja al Rey como un adolescente emotivo que toca las piernas de su estatua.

Luis Caballero (1943-1995), Pedro Alcántara (1942) y Álvaro Barrios (1945) pertenecen a la generación de los artistas colombianos que apostaron por el dibujo como un fin en sí mismo y apelaron a distintas formas de figuración. El trabajo de Caballero hace parte de su serie Dibujos Anecdóticos en el cual el cuerpo humano ocupó el centro de su argumentación. Los tres personajes que se observan en el cuadro hablan de pasión, pero también de agonía. Los cuerpos convulsos se proyectan en el espacio como protagonistas de un drama. La obra de Pedro Alcántara se erige como emblemática de la violencia y la muerte. Sus representaciones de cuerpos no solo aluden al mundo físico sino moral. Las dos figuras dibujadas en tinta china no solo están desnudas sino despellejadas, lo cual resulta doblemente conmovedor. Álvaro Barrios evoca la historia del arte usando de fondo una reproducción litográfica del artista académico Francisco Antonio Cano donde éste representó un paisaje pintado en 1892, luego lo interviene mediante el dibujo y el collage con obras de períodos distintos para hacerlas parecer una ensoñación, las dos corresponden a la serie Los 50 Caminos de la Vida y sus títulos individuales son Pasión y Revelación.

Los realismos a partir de lo fotográfico están representados aquí por Darío Morales (1944-1988), Oscar Muñoz (1951) y Ever Astudillo (1948-2015). Esta tendencia que influyó en el cine, la narrativa literaria, la fotografía misma, se concentró en el mundo urbano. Tenemos aquí la esposa del artista en el escorzo frontal de Darío Morales, la obra ganadora del premio en dibujo en uno de los eventos gráficos internacionales que se hicieron en Cali al inicio de la década de los setenta. La Mujer en la ventana de Oscar Muñoz es una obra temprana donde se puede verificar su destreza en el dibujo y el detenimiento en los detalles arquitectónicos y de utilería. El trabajo de Ever Astudillo ostenta un saludable joven musculado que está en actitud contemplativa y que invita a hacer lo propio con su presencia.

Como se sabe el desnudo ha sido a lo largo de la historia un género y un argumento indispensable y al parecer inagotable. Al considerar estas distintas opciones de interpretación y propuesta queremos acercar una vez más al observador no solo a sus destacados resultados sino subrayar la importancia de los autores, artistas indispensables en el arte colombiano.

 

 

WILLIAM KENTRIDGE


Presentamos por primera vez un artista africano que se desempeña dentro del arte contemporáneo. Cuya presencia y proyección en el ámbito internacional del momento ha sido de gran impacto. Provocada por las reflexiones que sobre las ideas políticas hace su obra y por llevar a cabo a través de múltiples medios: dibujo, animación, dirección de arte, escenografías y proyectos para ópera y teatro, una intención crítica destinada a evocar las catástrofes existenciales de un país polarizado como Suráfrica.

William Kentridge nació en Johannesburgo en 1955. En 1976 se graduó en Política y Estudios Africanos en la Universidad de Witwaterstrand. Posteriormente estudió en la Johannesburg Art Fundation, donde enseñó grabados dos años después. Durante 1981 y por dos años estudió mimo y teatro en la Ecole Jacques Lecoq de París. Ha trabajado en el teatro como actor, diseñador y director. Desde 1979 exhibe individualmente continuando con exposiciones de dibujo y grabado durante la siguiente década.

En 1989 realizó su primer trabajo de animación titulado “Johannesburgo la segunda gran ciudad después de París”, de la serie dibujos para proyectar, la cual tenemos el privilegio de exhibir en esta exposición. En esta obra la técnica que va a caracterizar sus animaciones aparece por primera vez. Se trata de dibujar en la misma hoja distintos episodios superpuestos para así conservar las diferentes huellas de su trazo. Junto a la obra mencionada se podrán apreciar otras proyecciones como “Mine” de 1991, “Félix en el exilio” de 1994 e “Historia de la queja principal” de 1996. Las animaciones de Kentridge están motivadas por los conflictos políticos que en Suráfrica estuvieron signados por apartheid, una práctica racista y discriminatoria. En varias de sus animaciones aparecen dos personajes que parecen protagonizar sus historias: Soho Eckstein y Félix Tritlebaum, cuyas existencias transcurren en la era pre-democrática de su país.

Paralelamente a las animaciones presentamos un grupo de grabados estereoscópicos que ilustran la destreza de Kentridge con las artes gráficas y al mismo tiempo su interés por el movimiento y las imágenes sugestivas.

La obra de Kentridge no es solamente una forma de abordar el dibujo y la gráfica de una manera preciosista, imaginativa y locuaz, sino un trabajo contestatario, comprometido con una realidad política y al mismo tiempo pleno de compasión y de un halo potente de poesía viceral.

En 1992 realiza su primer proyecto teatral. Con una compañía de muñecos monta Woyzeck, combinando el trabajo de los títeres con la animación.

En la última década del siglo XX fue su definitiva consagración internacional. Documenta X en Kassel (1997), 24 Bienal de Sao Paulo (1998), Bienal de Venecia (1999) y exposiciones individuales en Londres, Nueva York y Sidney.

En el 2017 obtuvo el premio Princesa de Asturias de las Artes, en el acta del mismo se lo describía como uno de los artistas más complejos e innovadores de la escena contemporánea. William Kentridge vive y trabaja en su ciudad natal.


 

 

MODERNIDADES - ARTE COLOMBIANO MUSEO DE ARTE DEL TOLIMA


El Museo de Arte del Tolima se inauguró en su capital Ibagué en el año 2003 y se sumó así a las instituciones artísticas en las distintas ciudades de Colombia. Su valiosa colección se ha alimentado básicamente de tres fuentes, la colección Departamental de Arte creada en la década del sesenta por la gobernación, la colección Ortiz–Salazar con importantes trabajos desde el siglo XIX, cerámica prehispánica y siglo XX y la colección de la Corporación MAT que reúne obras donadas durante los años en que el museo ha desarrollado su actividad.

En esta ocasión tenemos el privilegio de albergar una importante selección de su significativo acervo. Hemos escogido en primer lugar un grupo de nueve artistas que son tolimenses y que han desempeñado un importante papel en el desarrollo de las artes plásticas de la región y otros que han tenido una proyección nacional de gran estima. Ellos son Julio Fajardo (Honda 1910, Ibagué 1979), Jorge Elías Triana (San Bernardo 1920, Cartagena 1997), Mario Lafond (Ibagué 1942 – 1999), Antonio Camacho Rugeles (Ibagué 1945, Bogotá 1985), Fernando Davis (Honda 1939, Bogotá 1993), Carlos Granada (Honda 1933, Bogotá 2015), Edilberto Cardona (Venadillo 1940), Arcadio González (Armero 1932), Darío Ortiz (Ibagué 1968). El Museo conserva estas obras en su patrimonio y al hacerlo está documentando el importante legado visual de los artistas de esta región del país. Tienen en común que dan cuenta de distintas preocupaciones figurativas que incluyen el retrato, las narraciones históricas y las representaciones expresionistas y líricas de la condición humana.

El otro conjunto de la exhibición es un recorrido por el arte colombiano desde el siglo XIX que se inicia con José María Espinosa (1776–1883), Pantaleón Mendoza (1855-1910), Ricardo Moros Urbina (1865-1942), Francisco Antonio Cano (1865-1935), Jesús María Zamora (1871-1948), Ricardo Borrero Álvarez (1874-1931), Delio Ramírez (1882-1968), Miguel Díaz Vargas (1886-1956), León Cano, Luis Alberto Acuña (1904-1994), Ignacio Gómez Jaramillo (1910-1970), ilustrando el tránsito de la academia a la modernidad, incluyendo el interés por el retrato y el paisaje.

Una tercera fase de la exhibición son los artistas de la segunda mitad del siglo XX representados por Guillermo Wiedemann (1905-1969), Cecilia Porras (1920-1971), Armando Villegas (1926-2013), Emma Reyes (1919-2003), Alberto Gutiérrez (1935), Marco Ospina (1912-1983), Julio Castillo (1921), Luciano Jaramillo (1938-1984), Eduardo Ramírez Villamizar (1923-2004) y Manuel Hernández (1928-2014), las preocupaciones de estos artistas se centraron en practicar una figuración simbolista, estilización y geometrización de elementos y abstracción tanto informalista como de geometría pura.

Algunos artistas de esta selección nunca han mostrado sus obras en nuestro museo y estamos muy complacidos de que lo hagan por primera vez.

Esta exhibición no hubiera podido realizarse sin el concurso de las directivas del Museo de Arte del Tolima quienes desde el primer momento les entusiasmó la idea de mandar una importante selección de sus obras para una estancia en el Museo Rayo. Sumamos así al museo de Ibagué a las instituciones similares con las cuales tenemos intercambios y permanente colaboración.

Los museos son memoria, historia y patrimonio, una de sus funciones y la vocación central parece ser la difusión y conservación. Con esta exhibición estamos cumpliendo con este propósito de compartir nuestros comunes intereses.

 

 

PULSIONES, COLECCIÓN PROYECTO BACHUÉ.

Un grupo de treinta colombianos contemporáneos conforman esta exhibición donde se puede observar distintas formas de materializar, pero todas animadas por el clima de violencia y muerte que ha caracterizado buena parte de la sociedad en el territorio nacional. Los distintos grupos armados han producido desolación y malestar. Han intercambiado ataques y degradado el conflicto no sólo con los enfrentamientos bélicos sino a través del tráfico de drogas, el secuestro y el ataque a la infraestructura y los recursos naturales. Esto ha producido un país cuyos habitantes han conocido la zozobra y el duelo.

Las obras aquí reunidas desde sus distintas poéticas, certidumbres o incertidumbres, han escogido el sendero de la resistencia y la exhibición de diferentes formas de dolor para materializar. En ese sentido tenemos la presencia de documentos, objetos, instalaciones, fotografías y videos dispuestos a ilustrar y documentar aspectos no sólo de una violencia física sino moral, apostando a producir un arte con mirada crítica, cuestionador y totalmente inconforme. Las distintas mediaciones formales para generar reflexiones conceptuales se elaboran desde el modo político, opinando, cuestionando y discutiendo sobre los alcances del arte y su significado.

Todas las obras expuestas pertenecen a una colección. En este punto queremos destacar la importancia del coleccionismo consecuente y pertinente. En este caso haciendo claridad sobre objetivos que evidencian su intención de construir una mirada crítica y contener obras y autores que han colocado el centro de su argumentación en el conflicto colombiano.

Si bien el deseo es que ese conflicto se aplaque y la serie de negociaciones con los distintos grupos armados se vuelvan exitosas, es importante señalar la respuesta inaplazable de los artistas a esta situación anormal y perturbadora instalada en la sociedad colombiana. El vigor de esta colección es el clamor de distintas voces que proponen imágenes significantes alrededor del fenómeno.

Las distintas propuestas exhibidas se presentan a partir de una selección de obras que hacen parte del Proyecto Bachué, una organización que está interesada en el estudio, investigación, coleccionismo, conservación y difusión del arte moderno y contemporáneo nacional. Lejos de ser un grupo de obras con nombres conocidos y prestigiosos solamente, la colección ha buscado generar un cuerpo de trabajos correspondientes al desarrollo del arte en el país bajo una óptica donde los cuestionamientos y la impugnación de los significados tengan cabida. La colección no quiere ser neutral, ni esteticista, desea ser un agente que produzca interrogantes y que problematice.

Presentamos aquí un nutrido y sustancioso grupo de artistas y sus obras de las últimas generaciones incluyendo igualmente representantes anteriores como José Alejandro Restrepo, Rosemberg Sandoval, José Horacio Martínez, Juan Fernando Herrán, Juan Manuel Echavarría, Francois Bucher o Alberto Baraya. Todos aportando por un arte de cuestionamiento entendido como un ejercicio no solamente estético sino de responsabilidad social.

Con esta exposición queremos acercar al público a trabajos de corte político a la vez que contemporáneos, ilustrando una fase de la producción nacional tan álgida como aguerrida y militante. Muchos de los expositores se presentan por primera vez en este museo y estamos especialmente complacidos de poder albergarlos.

 

 


2017


Nadín Ospina (Esculturas)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, Uno de nuestros objetivos es mostrar el arte hecho en Colombia de distintos momentos de la historia. Es así como hemos presentado obras precolombinas, del período colonial, del siglo XX, la modernidad y la contemporaneidad. En esa línea de intención presentamos por primera vez en este museo la obra del artista Nadín Ospina. Quien irrumpió en el arte nacional en la década de los ochentas, un decenio de gran efervescencia marcado por los post-conceptualistas, las instalaciones, la fotografía artística, la práctica del video y los performances. También por el regreso a una pintura de nuevo expresionista que se relacionó con la transvanguardia. En esa década se habló de hibridación, de cita, de recreación y de apropiación como ejercicios que ayudaron a la propuesta creativa. Se reformó la idea de nacional, de identidad, de memoria histórica y de tradición. Esa revisión facilitó la desmitifación del pasado al tiempo que generó un presente crítico. Muchas de estas actitudes marcaron la producción del Nadín Ospina. Su trabajo encontró en los recursos tridimensionales un gran renglón para producir esculturas, objetos e instalaciones. Se inspiró en la fauna vernácula pero también en la mítica. Acudió a muchos de los íconos más populares del comunismo como el repertorio de los Simpson y las imágenes de Walt Disney. Citó con humor e ironía al repertorio precolombino de joyas de oro, cerámica y escultura en piedra para diseñar objetos tanto provocadores como transgresores.

 

Marco Mojica (Dibujos y Pinturas)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, La pintura y el dibujo son el vehículo predilecto de Marco Mojica. Quien a través de una técnica impecable reconstruye realidades que se subvierten al ser repensadas con humor e ironía. El artista que estudió Artes Plásticas en la Universidad del Atlántico comenzó a ser incluido en muestras colectivas a partir de 1996 y desde el 2004 celebra exhibiciones individuales. Él pertenece a la generación del fin del siglo pasado que han propuesto diversos interrogantes en torno a la circulación, exhibición, difusión y comercialización del objeto artístico. Acuñando argumentos puntuales que se refieren primordialmente a la historia del Arte.

Esta es la primera vez que se muestra su trabajo en este museo. Se han escogido para la exposición un conjunto de dibujos y pinturas elaboradas desde el 2003 hasta el 2015. En ellas pueden ver representaciones de trabajos de otros artistas hegemónicos citados para formular alguna clase de pregunta. Mojica actúa sobre un particular archivo de imágenes cultas que se redireccionan al ser ejecutadas nuevamente y ser sometidas al ejercicio dibujístico y pictórico. Él superpone categorías de pensamiento y provoca un diálogo a varias bandas a partir de elementos de factura ilusionista.

 

Carlos Zerpa (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, Continuando con nuestro interés de presentar el arte latinoamericano, esta vez traemos la pintura La Mujer Ilustrada de América del artista venezolano Carlos Zerpa. Un activo protagonista de las artes visuales en su país que no solo hace pinturas sino objetos, instalaciones, dibujos y performances. Usando esos múltiples medios como un ejercicio ultra barroco donde se dan cita los fetiches de la cultura popular, los instrumentos de la magia y las representaciones religiosas tanto oficiales como las no aceptadas por el santoral. En los trabajos coloridos se pueden ver imágenes del Sagrado Corazón, la Mano Poderosa, pero también a protagonistas de la devoción popular como María Lionza o San Gregorio Hernández.

Esta pintura en gran formato y de impactante colorido produce una peculiar impresión en el espectador. Una mujer tatuada, con escudo, manilla con taches, togada y con un puñal en la mano cabalga sobre un gran cerdo morado. Esta peculiar amazona se encuentra próxima a varias de las insignias de la pasión de Cristo como la columna, el látigo, el divino rostro y el gallo de la negación. Se puede ver parcialmente en un extremo una calavera. El fondo es una noche estrellada con constelaciones incluidas y una cenefa de hojas amarillas enmarca a la manera de arco la parte superior de la composición.

 

Álvaro Barrios (Pinturas)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, En la década de los años sesenta del siglo pasado la cultura colombiana se vio enriquecida por distintos protagonistas que cuestionaron las definiciones y el propio desempeño de la artisticidad. Este decenio es el del Nadaísmo en la literatura y las artes escénicas y visuales al tiempo que distintas personalidades redefinieron la forma de hacer arte. Recordemos las personalidades contrastadas y radicales de Bernardo Salcedo, Feliza Bursztyn, Pedro Alcántara o Beatriz González. A este grupo radical de transgresores pertenece Álvaro Barrios quien nació en la costa atlántica en la ciudad de Barranquilla en 1945.

Los estudios los realizó en Barranquilla, Perugia y Venecia. Muy temprano en los años sesenta irrumpió como dibujante y fue ponderado por la crítica Marta Traba. Sus dibujos se tornaron en objetos tridimensionales y el conceptualismo lo sedujo alimentando sus ideas. Ideó instalaciones y se valió de textos para evocar la historia del arte con suspicacia y humor. Se interesó en la multiplicación masiva de sus imágenes en series que se conocen como los Grabados Populares. Ha evocado distintas iconografías convirtiéndolas en ficciones poéticas defendiendo su poder no solo de ser mago sino médium. Ha criticado a través de sus distintos discursos el devenir de la práctica artística y del mercado del arte, poniendo en cuestión lo consagrado y tratando de traspasar las líneas rojas de lo establecido.

 

Tomás Ochoa (Pinturas)
Se inauguró el pasado 9 de Septiembre de 2017, El arte del ecuatoriano Tomás Ochoa entrelaza la historia con la contemporaneidad. Presentamos sus fotografías, intervenidas por procesos innovadores que lo ubican en el arte contemporáneo, en trípticos de gran formato que dan la vuelta de los módulos donde expone. Su obra logra hacernos conscientes de una visión ancestral que es amenazada por la cultura del siglo XXI. La “Línea negra”, a la que se refiere esta exposición la trazaron los indígenas arhuacos para indicar los límites entre sus tierras ancestrales en la Sierra Nevada de Santa Marta y el mundo moderno del “Hermano menor”. Las fotos en blanco y negro de lugares silvestres y puros recuerdan las primeras tomadas por antropólogos en sus exploraciones del siglo XIX. Éstas son a la vez misteriosas y dicientes. Nos hablan de un antes y establecen una especie de barrera transparente a nuestros ojos invasores. Al intervenirlas, quemándolas con pólvora (la que también traza una línea negra antes de estallar), Ochoa lleva a cabo una ceremonia sagrada y simbólica equivalente a la de los Mamos y que también nos hace pensar en la destrucción que amenaza toda una historia y una manera de vivir. Es poesía del tiempo y la memoria escrita sobre un espejo invisible e invertido en que nos miramos a los ojos de nuestro pasado.

 

Eduardo Carvajal (Fotografías)
Se inauguró el pasado 9 de Septiembre de 2017, En la exposición de fotografías de Eduardo Carvajal también se trata de retratos. Aquí vemos a un personaje icónico de los 70s, el escritor y cineasta, Andrés Caicedo. A diferencia de los retratos pintados, lo vemos en acción desafiante y burletero, siempre iconoclasta. Además, estas fotos son tomas relacionadas con una película de Mayolo en que Andrés participaba. Caicedo era quizás tan vanguardista, tan audaz y tan fuera de serie como Buñuel al principio de su carrera. A diferencia de Buñuel, Andrés murió joven, suicidándose en el año 1977 antes de cumplir los 30 años. Las fotos son momentos vitales de un ser cuya muerte significa el dolor y la disonancia de su generación, incapaz de adaptarse a lo tradicional. Caicedo ha vuelto a ser ídolo para nuevas generaciones y estas fotos entonces parecen ser un retorno al futuro.

 

Ricardo Acevedo Berna (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 9 de Septiembre de 2017, La obra huésped representa un retrato masculino de un rival y contemporáneo de Garay, Ricardo Acevedo Bernal. Se trata de Alberto Urdaneta que no nos mira como lo hacen las mujeres. Sus ojos no revelan sus anhelos ni sus debilidades. Los colores son sombríos, su rostro se delinea con ángulos fuertes y dominantes y la textura recia del pelo y la barba proclaman la fortaleza, el heroísmo estoico, la rectitud y la decisión—en fin, la hombría de un varón de la época. Así lo vemos como él quería ser visto en el futuro lejano que es nuestro siglo.

 

Ana María Rueda (Pinturas)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,La artista ibaguereña, activa en la plástica colombiana desde los 70 y que ha incursionado en diferentes medios como la escultura, la instalación y la fotografía nos presenta una serie de pinturas al óleo sobre tela de los 90 que la identifican con el simbolismo de la Transvanguardia colombiana. Su tema es la naturaleza cuyo misterio expresa con trazos y áreas densas de colores ocres, azules y rojizos sugerentes y significativos pero apagados y humildes como en la pintura zen. Son árboles como setas, flores, semillas en una especie de bruma o tiniebla. Está el estuche de semillas de una amapola. Estos trazos y signos sugieren un más allá misterioso y una cercanía a nuestra alma y las esencias naturales. Hay también una sensación de pérdida de tristeza que nos recuerda también lo japonés.

 

Elsa Zambrano (Ensamblajes)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,Esta artista bogotana nos ofrece sus “Ensamblajes”, los que, como las casas de muñecas nos permiten observar toda una vida. Esta vida es la de la historia del arte, de las obras icónicas de los grandes museos en ciudades lejanas, pero también es mirar por el ojo de la artista que, como la niña que juega con su casa, interpreta, manipula, disfruta de hacer yuxtaposiciones diferentes con los elementos, de, por ejemplo “Las Meninas”, de Velázquez. Unas muñequitas salen de la postal que representa el cuadro presentándonoslo como en un proscenio. Tanto las postales como las figuritas de porcelana dan fe de un trayecto recorrido por la artista. Son sus testigos oculares y sus cómplices. Parece ser un punto de vista femenino y también completamente personal. Nos divierte y nos hace pensar en los viajes, en el arte y su historia en nuestra historia propia. Son a la vez cápsulas del tiempo-el tiempo de la artista y de los artistas que evoca.

 

María Angélica Medina (Textiles)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,Nos tiende el hilo que nos lleva hacia adentro del tejido de la vida y nos hace entrar hasta en los laberintos de Rayo. Tejer, arte de mujer, Aracné. La Madre de Whistler, Anantse. María Angélica Medina ha convertido sus tejidos usados en obras de arte, mostradas en cajas de vidrio. Los dobla, los re-ovilla, los concentra, los renace. Mostramos el gran tejido que produjo como performance en una exposición. Es un camino de pasos recogidos, es el hilo esperando ser liberado y vuelto ovillo o madeja otra vez. La diosa del tejido nos sonríe desde su tela de araña.

 

Liliana Porter (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,Entre las cajas de Elsa Zambrano se encuentra una de la argentina LILIANA PORTER, artista conceptual que expuso en el Museo con videoarte, instalaciones, dibujos, “un juego perpetuo con la ironía y el humor”, según Miguel González. Su caja alude no al arte sino a la literatura, a esa misteriosa léxico-ilógica obra Alicia en el país de las Maravillas de Lewis Carroll. En la caja, hay un atado de fragmentos de imágenes, de palabras, de objetos. Contenido y continente son, como las obras de Zambrano una cápsula de un tiempo que nunca existió sino en la imaginación de Alicia- Liliana.

Omar Rayo (Pinturas)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,“Geometría del tejido”, pinturas al acrílico. Como suele ocurrir en los Museos, las exposiciones se espejean. Presentamos pinturas de Rayo de diferentes épocas en que la geometría es producida por un entramado de cintas que él en algún momento expuso con el título “Urdimbre germinal”. Vemos que sus cintas se entrelazan produciendo diseños como textiles. Los vemos evolucionar desde los 60s cuando las rayas blancas y negras creaban efectos ópticos hasta las últimas obras del siglo XXI, los “Mateo’s Toy” y “Corteza del Arco Iris” en los que el tejido es lúdico. Para hacer juego con el tejido re-ovillado de María Angélica Medina, exploramos en esta muestra de Rayo el símbolo del ovillo en pinturas donde podemos pensar que es una matriz que envuelve la sombra o el aire, un símbolo potente de lo femenino. Del ovillo nace el tejido, de la “Crisálida del arrebol” nacen los colores. Rayo tejedor, Rayo Aracné. Rayo Kumo (araña en japonés).

 

Omar Rayo (Intaglios)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,“Nudobilia” intaglios. En el Museo presentamos esta gran muestra de la serie hecha en 1972 en su taller en Nueva York. Aparentemente abstractos, estos “nudos ciegos”, nacieron de los primeros experimentos del artista con objetos pasados por el tórculo. Entre ellos estaban “Lazos para atar las alas de un ángel”, y otras cuerdas e hilos reales vueltos intaglios. El nudo es hijo del hilo que sale del ovillo. Los Nudobilia son nudos imposibles de desatar y la progresión de la serie parece ser un Arte de Atar. Angulosos, sencillos o complejos, nos obligan a “seguir el hilo” de su atadura. Una serie, soberbia, sobria de Rayo en su mejor momento como grabador.

 

Christo Javacheff (Documentos fotográficos)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,El Museo Rayo exhibe con gran orgullo 15 obras gráficas, que señalan como documentos la realización de proyectos tanto en el espacio urbano como en el paisaje de este gran artista clasificado por la crítica en el grupo de los nuevos realistas. Christo ha acostumbrado a su público a esperar de él megaobras, proyectando sus trabajos en territorios abiertos teniendo como característica principal la utilización de amplios espacios paisajísticos. Ha sobrevivido por décadas y se ha especializado en proyectos superlativos, es la figura más popular de esta tendencia sobrepasándola y logrando penetrar en la memoria colectiva más allá de los circuitos del arte especializado.

 

Norman Mejía (Pinturas)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,El Museo Rayo presenta 22 obras de su trabajo más contestario y feroz que marcan el ímpetu de su estilo peculiar, prestados directamente a su viuda quien tiene a su cuidado el acervo de este gran artista colombiano.

 

Pedro Alcántara (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,Nada más oportuno que la obra de Pedro Alcántara para dialogar con las pinturas de Norman Mejía, los dibujos de Alcántara son un referente obligado en la producción del arte colombiano en el siglo XX y su obra neofigurativa es un cometario oportuno que desde el arte emanó entorno a una sociedad en conflicto.


2016


Hernando del Villar (Pinturas)
El pasado 05 de noviembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas; Hernando del Villar nació en Santa Marta en 1944. Desde 1966 comenzó a participar en exhibiciones colectivas y temáticas y desde 1969 celebró muestras individuales de sus trabajos. Logró consolidar un estilo peculiar interesándose sobre todo en el paisaje. Sus trabajos priorizaron las formas rotundas e identificables y solucionaron sus argumentos a través de líneas blancas demarcantes que encerraban colores contrapuntísticos resultado de singulares osadías cromáticas. Las obras así resueltas no dejaban indiferente al espectador, al contrario invitaron a participar en compañía de argumentos de fácil comprensión siempre propuestos por el artista.

 

Manolo Vellojín (Pinturas)
El pasado 05 de noviembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas;Vellojín siempre trabajaba la geometría como un recurso evocador y cálido, repensando el color y las composiciones exactas y controladas. Su propuesta artística se relaciona con la tradición geométrica que ha representado una vertiente en al arte nacional. Pensemos en Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Omar Rayo, Carlos Rojas, Fanny Sanín, John Castles o Ronny Vayda, para recordar ejemplos pertinentes que han abordado el rigor de las formas. Solo que la pintura de Manolo Vellojín escogió el mundo religioso y fúnebre para construir sus argumentos silenciosos y de economía de formas y elementos, logrando una obra reposada y sugerente capaz de conmover por su simplicidad y elegancia.

 

Tomás Ochoa (Obra Huésped)
En esta ocasión tenemos la oportunidad de estudiar una peculiar pintura que usa la fotografía como referente y que además utiliza la pólvora quemada como elemento materializador y significante. Su autor el ecuatoriano Tomás Ochoa nacido en Cuenca en 1969. De la generación que emergió en su país desde la última década del siglo XX. Eso ha hecho que su obra esté permeada e impactada por los estudios culturales, los desplazamientos, el concepto de post colonial, las teorías literarias y filosóficas que han enriquecido su trabajo dotándolo de un soporte conceptual ejemplar para el arte latinoamericano.

 

Fernando Maza (Obra Huésped)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Escultura (Obra Huésped);El arte producido por creadores de Argentina es uno de los más apreciados e influyentes en Latinoamérica. Buenos Aires es el epicentro de esas actividades y hoy sus museos, galerías y la Feria de Arte se han convertido en escenarios privilegiados no solamente para promocionar y difundir el arte nacional sino el de otras latitudes. Fernando Maza nació en Buenos Aires en 1936. Desde 1957 comenzó a exhibir en muestras colectivas en distintas ciudades argentinas. Desde 1960 a 1973 vive en Nueva York. Luego viaja a Londres y desde 1977 vive y trabaja en París. Un destino también muy apetecido por críticos y artistas no solo de Argentina sino de América Latina.

 

Norberto León Rios (Grabados)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo obra gráfica;Presentamos la serie grabados – esculturas de Norberto León Ríos, un conjunto por él titulado Teatro Humano. Efectivamente los cuerpos desnudos en distintas posiciones parecen debatirse ansiosamente y tratan de escapar de los espacios asignados donde están atrapados. Los cuerpos convulsos desean ser también alegorías sobre la existencia y la condición humana. Norberto León Ríos nació en la Tulia, Valle, no lejos de Roldanillo, realizó sus estudios de arte en el Instituto Popular de Cultura de Cali, ciudad donde comienza a participar en exposiciones desde 1984. Desde 1999 vive en España, primero en Santiago de Compostela y luego en Sevilla desde el 2001 donde tiene su taller de obra gráfica “Norler Grabados”.

 

Fernando de Szyszlo (Pinturas)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo pinturas; Fernando De Szyszlo es uno de los artistas latinoamericanos más destacados del siglo XX y el más importante creador peruano en la historia reciente. Su propuesta de abstracción simbólica hizo parte del conjunto de propuestas que se activaron en el arte continental con ánimo renovador a partir de la Segunda Guerra Mundial. En las ciudades suramericanas surgieron reflexiones en distintas direcciones destinadas a renovar el lenguaje visual y a transformar las percepciones que se tenían hasta el momento de la pintura y escultura. De Szyszlo hizo parte de este contingente y sobresalió en la adhesión al abstraccionismo que desde finales de los años cuarenta ha practicado hasta el presente.

 

Claes Oldenburg (Múltiples)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, esculturas, objetos, dibujos y gráficas; El Pop Art se convirtió con razón en una de las actividades más fascinantes en la década del sesenta del siglo pasado. Aunque nació en Londres fue en Estados Unidos, tanto en la costa oeste como en Nueva York donde su difusión y popularización alcanzó su definitiva consagración. Claes Oldenburg nació en Estocolmo en 1929, hijo de un diplomático sueco, siendo niño se trasladó a Nueva York y después vivió en Chicago donde estudió y se graduó en Arte. Luego se matriculó en la Universidad de Yale donde estuvo de 1946 a 1950. Retornó a Chicago y se incorporó al Art Institute hasta 1954. En 1953 se nacionalizó como estadounidense. 1956 retornó a Nueva York y allí entró en contacto con nuevos artistas como Jim Dine, Red Grooms y Allan Kaprow, este último autor de los Happenings que incorporaban acciones de corte teatral y que ofrecían una alternativa al dominante estilo del expresionismo abstracto.

 

Eugène Carrière (Obra Huésped)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una pintura en el programa de Obra Huésped; Presentamos en esta ocasión una pintura francesa del siglo XIX perteneciente al acervo del Museo Nacional de Colombia en Bogotá. La obra fue adquirida en 1928 con motivo de la “Primera exposición oficial de pintura francesa en Colombia” que se llevó a cabo en el Círculo de Bellas Artes de Bogotá. Para ese entonces Eugène Carrière ya había fallecido. Su deceso se produjo en París a causa de un cáncer de garganta en 1906.

 

Fanny Sanín (Pinturas)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una sala dedicada a la pintura; La obra de Fanny Sanín es indispensable en la pintura abstracta colombiana y latinoamericana. Después de practicar formas emocionales y relacionarlas con el expresionismo contenido su propuesta se concentró en la obra abstracta geométrica dando al color un protagonismo expresivo y a las composiciones una tensión evocadora singular.

 

Erika Diettes (Fotografía)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo tres salas dedicadas a la fotografía; Su obra en consecuencia habla de memoria y dolor, dos elementos que ella trata con sutileza y una poética retadora. Su trabajo no tiene sangre ni imágenes expresionistas. Un gran silencio parece apoderarse de los rostros de las víctimas o de los objetos que una vez les pertenecieron.

 

Julian Schanabel (Obra Huésped)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una pintura como obra húesped; Schnabel nació en Nueva York en 1951, además de pintor es director de cine y sus tres películas  han sido muy ponderadas en festivales como los de Cannes, Venecia así como también en los César y los Globos de Oro. Esas cintas son: Basquiat, Antes de que anochezca y La Escafandra y la Mariposa. Como pintor se dio a conocer por sus obras de platos rotos que causaron gran controversia. Su obra suele clasificarse como “mala pintura” perteneciente al neo-expresionismo transvanguardista a partir de los años setenta y ochenta del siglo pasado.

 

Luis Fernando Zapata (Esculturas)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Luis Fernando Zapata, un artista colombiano nacido en Girardota, Antioquia, en 1951. Estudió arquitectura en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín y Bellas Artes y Diseño en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. Su carera se inició en 1976 año de su primera participación en una muestra colectiva. Desde 1985 realizó exhibiciones individuales.

 

Cultura Malagana (Esculturas)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; La Cultura Malagana se concentra sobre todo en la alfarería, una modalidad que aquel cacicazgo practicó con gran destreza convirtiéndola junto con la orfebrería en sus mayores producciones artísticas. Sus cerámicas son pulidas y finas. Los argumentos que abordan no solo recrean el mundo animal sino que enseñan representaciones antropomorfas incluidas el interés por la sexualidad. Muchas piezas todavía enseñan su cromatismo donde aparece el terracota y el crema como colores predilectos.

 

Carlos Rojas (Esculturas)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Carlos Rojas, nacido en Facatativá, Cundinamarca, Colombia, en 1933. Él tuvo una gran escolaridad en las universidades Javeriana y Nacional de Bogotá y luego en la Escuela de Bellas Artes y Diseño de Roma. Vivió en Europa y Estados Unidos y a su regreso fue profesor en las universidades de los Andes, Jorge Tadeo Lozano y Nacional. Exhibió individualmente desde 1957.

 

Cuatro Fotógrafos Contemporáneos (Fotografías)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Fotografías; Las obras de estos cuatro fotógrafos (Ananké Asseff, Germán Gómez, Marcos López, Vik Muniz) apuntan a distintas direcciones para materializar estéticas que preocupan y cuestionan la imagen que nos es más contemporánea.

 

Natalia Arias (Obra Huésped)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Fotografías; La artista nació en Brighton, Inglaterra, en 1977. Reside en Bogotá y vive y trabaja en Miami. Exhibe individualmente desde el 2005, hasta el momento ha celebrado siete exhibiciones en solitario y participado en más de medio centenar de muestras grupales desde el 2001.

 

Helias Heim (Esculturas)
El pasado 23 de Enero de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Heim nació en Cali en 1966. Realizó su primera exhibición individual en Colombia en 1991, obtuvo luego reconocimiento tanto en el Salón Regional como en el Nacional y logró representar a Colombia en las bienales de Venecia y Sao Paulo.  Siempre haciendo  alusión directa a los lugares expositivos, interfiriendo  el espacio para problematizar en torno a él.  Sus aparatos mecánicos lograron imponerse y marcar la diferencia con la escultura nacional que se practicaba buscando un concepto expandido de la misma.

 

Doris Salcedo (Obra Huésped)
El pasado 23 de Enero de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Obra Gráfica; Presentamos las cuatro obras gráficas que se editaron con motivo de la exhibición de la obra Shibboleth en la Tate Moderm de Londres. Una alegoría monumental y conmovedora que hablaba de la división de los mundos irreconciliables, de la discriminación, del territorio de los elegidos y del universo de los marginados. Esta propuesta de Doris Salcedo, nacida en Bogotá en 1968, entraba así a formar parte de sus trabajos a gran escala interviniendo la arquitectura como han sido la acción en el Palacio de Justicia en Bogotá, las sillas acumuladas en el vacio entre edificios de la Bienal de Estambul y la intervención en el interior del Castillo di Rivoli cerca de Turín.


2015


Ever Astudillo ( Obra Huésped)
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; La escultura abstracta tan practicada en el arte colombiano tradicionalmente en metal como en los casos de Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Feliza Bursztyn o John Castles quienes se enfrentaron a distintos materiales como aluminios, hierro y chatarra como agentes para abordar problemas espaciales, composicionales que hablaban no solamente de rigor y equilibrio sino de formas anárquicas y contestatarias. Ahora la podemos ver ejercida desde la piedra tallada.

 

Miguel Castillo ( Escultura )
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas;La escultura abstracta tan practicada en el arte colombiano tradicionalmente en metal como en los casos de Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Feliza Bursztyn o John Castles quienes se enfrentaron a distintos materiales como aluminios, hierro y chatarra como agentes para abordar problemas espaciales, composicionales que hablaban no solamente de rigor y equilibrio sino de formas anárquicas y contestatarias. Ahora la podemos ver ejercida desde la piedra tallada.

 

Alberto De Michele( Video-Exposición )
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Video-Exposición; Alberto De Michele nación en Venecia en 1980 pero se trasladó a vivir a Amsterdam donde se nacionalizó holandés. Su trabajo se concentra en indagar argumentos que podríamos considerarse políticamente incorrectos y que se ocupan de los protagonistas del ampa. Sujetos que pagan grandes condenas o que andan sueltos o en fuga. Muestra así mismo una cara muy activa y militante de una sociedad que se mueve en los bajos fondos pero que es inevitable en la conformación de una sociedad sometida a múltiples actividades. La delincuencia ocupa un renglón privilegiado en las tabulaciones de las actividades públicas, mal haríamos en disimular dicha presencia y no es ajeno o extraño este fenómeno para argumentar a través del arte.

 

Paisajes ( Exposición del Museo Nacional de Colombia )
El pasado 11 de Julio de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas; La conciencia de la existencia de la naturaleza y su entorno es un anhelo que se ha materializado a través de distintas civilizaciones. Podemos observar algunos elementos en las descripciones esencialistas de los egipcios. Pero en la pintura romana el paisaje se convirtió en un argumento central y para representarlo había incluso diversos estilos, como lo podemos verificar en los murales pompeyanos. Cuando el Giotto se concentra en sus dos proyectos mayores, en Asís y en Padua, el paisaje ya aparece como un elemento indispensable y enmarca las escenas al aire libre con profusión de detalles.

 

Feliza Bursztyn ( Escultura )
El pasado 11 de Julio de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Nuestro curador, Miguel González, ha seleccionado una variedad de obras escultóricas que incluyen instalaciones motorizadas, de esta artista a quien él considera "una de las artistas más influyentes en el arte colombiano de las últimas décadas".

 

Olga De Amaral ( Telas )
El pasado 14 de Marzo de 2015, se inauguró en el Museo Rayo; Una artista que Miguel González, quien hizo la selección de esta exposición espléndida de tapices, considera "visionaria", quien eleva la "experiencia del tapiz" a "niveles místicos y poéticos nunca conseguidos por un artista contemporáneo".

 

Leonel Góngora ( Pinturas, Dibujos, Grabados )
El pasado 14 de Marzo de 2015, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, dibujos y grabados; La exhibición se concentra en su producción pictórica, dibujística y gráfica, incluido el libro Los siete pecados capitales que el artista grabó y que apareció en 1982. La muestra es una de las más grandes que se ha celebrado sobre su trabajo y está conformada por setenta piezas de distintos períodos.

 

Fernando de Szyszlo (Obra Huésped )
La pintura está realizada en gran formato y tipifica la producción de De Szyszlo desde el punto de vista cromático y formal. Es una abstracción que transmite una vitalidad adquirida de sus indagaciones en los elementos preincaicos así como en la poesía quechua, dando como resultado un lienzo no solo emblemático sino hermético.

 

Ana Mercedes Hoyos ( Pinturas, Esculturas, Grabados )
El pasado 17 de Enero de 2015, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, dibujos y gráficas inspiradas en las procesiones de San Basilio, un acercamiento a los lazos posteriores de los vestidos de niñas con Ana Mercedes Hoyos.

 

Arte y el Mundial (Carteles)
En la exhibición de Arte y el Mundial se pueden ver carteles del surafricano Kentridge y de la pareja Allora Calzadilla, además del japonés Kawashima, el norteamericano residente en Brasil, Wiley con el retrato de un afro descendiente: Randerson Romualdo Cordeiro. Así mismo podremos observar obras de artistas del país anfitrión como Costi, Oiwa, Recife, Senise y el grafitero Nunca.

 

Fernando Botero (Obra Huésped)
En la obra de Fernando Botero encontramos retratos, temas religiosos, paisajes, bodegones, series dedicadas a la tauromaquia, a la violencia, a la Pasión de Cristo y al erotismo. El tema clerical le ha llamado especialmente la atención representado santos y prelados, además de distintos íconos del cristianismo y sus rituales.


2014


Leo Matiz, Fotografías - Bodegones, colección del Museo Nacional de Colombia
El 17 de mayo se inauguró en el Museo Rayo dos exposiciones itinerantes que provenian del Museo Nacional de Colombia: "Bodegones", pinturas de maestros colombianos e internacionales, y "Leo Matiz", fotografías realizadas en Colombia.

 

Colección de arte "Avianca" en el Museo Rayo
El sábado 15 de marzo el Museo Rayo abrió sus puertas a una exposición deslumbrante de pintura, dibujo, textiles, escultura y grabado, la "Colección de Arte Avianca" de la que es depositario el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

 

XXXIII Aniversario de la fundación del Museo Rayo - Artes de Asia
Estampas Japonesas - Takashi Murakami - Omar Rayo y Japón - Carteles Maoístas - Omar Rayo y China - Estamapas populares de la India - Omikuji, Omar Rayo museo del Intaglio.


2013


Miro y Dalí, Gráficas y esculturas - Victor Vasarely, Gráficas
Exposiciones inauguradas el 23 de noviembre del 2013, cerrando el ciclo de exposiciones de ese año. La serie de gráficas de Miró y las esculturas, películas y obras seriadas de Dalí vuelven a través de sus opuestos planteamientos a introducirnos en las entrañas del Surrealismo. Por otro lado, Vasarely y Bach unidos por una idea donde el rigor y la geometría son el motivo para la evocación, la invitación a la espiritualidad y la consecución de un equilibrio mediante el ejercicio de la sensibilidad.

 

Liliana Porter - Graficas y videos
La propuesta siempre inquietante y poética de Liliana Porter, con razón se la ha relacionado con la construcción literaria de su compatriota Jorge Luis Borges, maestro de los enigmas y de la imaginación como ejercicio que reivindica el poder de los juegos mentales.

 

Artístas argentinos - Colección del Museo Rayo
Las distintas direcciones estéticas y conceptuales que animaron a estos diversos creadores de diferentes generaciones a materializar sus obras, con el papel como soporte, evidencian la capacidad inventiva y la multiplicidad referencial que animaron la producción central en este lapso de tiempo, capítulo indispensable no solo al interior del arte argentino sino del latinoamericano.

 

Niki de Saint Phalle - Esculturas y grafica
El universo de Niki de Saint Phalle esta en la obra del imaginario infantil, lo que hace que no solo este pensando en homenajes voluntarios a Matisse si no en la lluvia, los pequeños monstruos o el tarot para volcarlos a su inconfundible estilo tan suspicaz como optimista y desmitificador.