Boletines de prensa

MUSEO RAYO
Exposiciones Anteriores



 

2019


Adriana Marmorek

 

Presentamos por primera vez el trabajo de Adriana Marmorek en esta exhibición individual para revelar los intereses de su obra que giran alrededor de la mujer, sus sentimientos, pérdidas y sufrimiento. Su obra es un proceso cambiante que incluye la convocatoria pública, la recolección de objetos, la quema de los mismos. Ritualiza situaciones evocando alegorías dramáticas que se refieren al exorcismo y el duelo.
Adriana Marmorek nació en Bogotá en 1969, ciudad donde actualmente vive y trabaja. Estudió comunicación social en la Universidad Javeriana y artes plásticas en la Universidad Nacional de Colombia, ambas en Bogotá. Ha realizado hasta el momento veinte exposiciones individuales en Quito, Bogotá, Nueva York, Medellín, Viena, Cartagena y Washington. Así mismo ha participado en muestras grupales desde el año 2000 en ciudades como Nueva York, Cali, Bogotá, Cartagena, Buenos Aires, Bruselas, Medellin, Lecce, La Habana, Viena, Bregenz, Ruse, Wichita, Miami, Wisconsin, Boston y Madrid.
Las obras de Adriana Marmorek que conforman la exhibición incluyen objetos y videos, así como también tarjetas que el público puede escribir, invitando así a una actividad participativa. Su arte está compuesto, inspirado y materializado a partir del recuerdo de los demás. Y para eso el amor y el desamor son los detonantes que sesgan el deseo. Esta actividad está consignada en obras como Reliquia, Osario de amores y los videos de quemas, siendo el más emblemático el que enseña un vestido de novia incinerándose.
Las anécdotas de vida de los otros parece ser el insumo principal para la obra de Adriana Marmorek, quien desde una perspectiva femenina empodera a otras mujeres para que compartan sentimientos y pasiones privadas. Este es un proyecto en permanente transformación que lleva seis años gestándose, transformándose y enriqueciéndose. 
La propuesta de Adriana Marmorek es inseparable de la participación de los demás para existir, Si bien logra un aliento poético y determina alegorías en torno a la pérdida, también persuade sobre la fragilidad de la condición humana y sus sentimientos. El vestido de novia que se convierte en cenizas es inseparable de la idea crítica en torno al matrimonio y a la condición de la mujer dentro de él.

 

 

Karen Lamassonne


Presentamos en esta ocasión la exhibición individual compuesta por obra gráfica y acuarelas de Karen Lamassonne, una artista multifacética que ha trabajado no solamente la pintura, sino el cine, la fotografía y el video. De padre argentino y madre colombiana, ha vivido en su ciudad natal Nueva York y también en Bogotá, París, Cali, Roma y Atlanta donde actualmente ha fijado su residencia y taller.

Karen Lamassonne nació en Nueva York en 1954. Hizo su primera exhibición individual en 1974 y esta es la treceava muestra en solitario. Desde 1976 participa en exposiciones colectivas, en 2017 hizo parte de la exhibición Mujeres Radicales de América Latina que estuvo en Los Ángeles, Nueva York y Sao Paulo.

Esta es la primera vez que exhibimos el trabajo interiorista y autobiográfico de Lamassonne en este museo. Para la ocasión se ha reunido trabajos elaborados entre los años 1976 y 1981, época de nutrida producción. Revindicamos aquí las obras hechas sobre papel tan cercanas a la colección de este museo con un acervo esencialmente de dibujo y grabado.

La obra de Karen Lamassonne registra ante todo objetos y ambientes de su entorno. Representa no solo lo que ve sino lo que la rodea. Esto da como resultado unas representaciones de su entorno privado, tratadas con gran simplicidad y sin artilugios. Su figuración realista en este sentido no solo hace un levantamiento de su entorno, sino que se erige como un diario íntimo.

Las imágenes son un recorrido por los lugares habitados y vividos: la cocina y la biblioteca del apartamento en París, rincones y espejos capturados en Bogotá, baños producidos en Cali. Seguramente ese interés por el interiorismo la llevó a participar como directora artística de películas materializando sus ideas a través de las imágenes en movimiento.

La propuesta de Karen Lamassonne es reposada y sincera. Reconstruye los argumentos con fluidez y tacto en el color consiguiendo composiciones que hablan de calma y tranquilidad.

 

 

DARÍO ORTIZ

 

Presentamos por primera vez una exhibición de pinturas del artista Darío Ortiz nacido en Ibagué en 1968 y quien comenzó a exhibir desde inicios de la década de los ochenta del siglo pasado. Autodidacta, ha podido desarrollar asombrosas habilidades y destrezas para construir una pintura que recree el mundo contemporáneo pero que parece estar referida a la historia del arte, especialmente al período Barroco del siglo XVII.

Darío Ortiz, aparte de pintor ha sido un entusiasta coleccionista de arte colombiano y en su ciudad natal fundó el Museo de Arte del Tolima. Ha realizado exhibiciones individuales desde 1988 en distintas capitales como Bogotá, París, Weitra, Alano, Viena, Caracas, Miami, Medellín, Guayaquil, Quito, Cuenca, Shengzhou, Buenos Aires, Santo Domingo, Guanajuato, Toluca, Ciudad de México y Mérida. Así mismo desde 1986 comenzó a participar en muestras colectivas en más de doscientos lugares de distintos continentes. Este año participará en la Bienal de Venecia en el pabellón de San Marino.

La presente exhibición enseña obras realizadas entre los años 2005 al 2018, ejemplificando muchos de los intereses argumentales, composicionales y de virtuosismo que caracterizan su producción. Se podrán ver lienzos como: Fábula de los hermanos, Espalda, Clave italiana y Ultramar francés, La joven del bluyín roto, Los pretendientes, Academia de Dibujo, El moralista y sus hijas y Suite Florentería. En ellas se explora composiciones estudiadas donde los modelos adoptan posturas que, si bien recuerdan la pintura histórica, por sus atuendos y fisonomías nos trasladan a la actualidad.

El realismo es indudablemente el tono dominante en su estilo, pero en las diferentes escenas logradas se presenta una cierta intriga por saber el verdadero destino de los retratados quienes acuden al llamado del pintor para posar y hacer parte de argumentos que no están exentos de teatralidad.

Los argumentos tratados en su técnica impecable desean también motivar al espectador y producir inquietantes reflexiones en cuanto las verdaderas intenciones de los que realmente sucede en el cubo escénico. La intriga que suscitan los personajes y sus actitudes se convierten en uno de los aspectos atractivos de estas obras donde el despliegue de imitación en las telas, el manejo de la luz y los volúmenes producen asombro en el observador.

Darío Ortiz desafía con sus obras muchas de las teorías del arte contemporáneo y propone a su manera seguir manejando los valores de la tradición de la pintura y defendiendo el parecido y la reconstrucción como un ejercicio de empoderamiento.

 

MARIO VÉLEZ

Presentamos por primera vez en este museo el trabajo del artista antioqueño Mario Vélez, uno de los pintores colombianos más importantes surgido en la última década del siglo pasado. Ofrecemos en esta ocasión ejemplos de varias de sus series pictóricas donde los grandes formatos, el color, la composición, ejemplifican obras aparentemente abstractas pero que dejan ver sin embargo formas que gravitan en el espacio y que se plantean como alegorías con acentos metafísicos.
Su escolaridad comprende no solo la Universidad Nacional de Colombia en Medellín sino su estancia en Viena donde estudió en la Universidad de Artes Plásticas e igualmente en Berlín donde cursó una maestría en pintura en la Universidad de esa capital. Su obra comenzó a mostrarse en exhibiciones colectivas desde 1989 y su primera exposición individual se llevó a cabo al año siguiente. Sus propuestas se han podido ver en Milán, Medellín, Viena, Berlín, Oregón, Munich, México, Miami, Tokio, Los Ángeles, Washington, Perugia, Panamá, Bogotá, Zurich y Nueva York.
Varios intereses han motivado al artista en el planteamiento de sus argumentos y en la realización de su obra. Entre ellos debemos considerar su curiosidad por el arte prehispánico, igualmente su fascinación por los expresionismos históricos alemanes de la modernidad, igualmente su acercamiento e identificación con la pintura norteamericana de expresionismo abstracto, en particular la escuela de Nueva York. Pero estos referentes no han hecho más que enriquecer su propuesta llevándola a producir una obra imaginativa y propositiva.
Su pintura enseña un mundo astral anhelante, sugiere constelaciones en perpetuo movimiento, pero sin embargo no conoce limitaciones interpretativas. En la presente exhibición nos concentramos básicamente en dos series: Eterna Primavera de la cual ofrecemos media docena de lienzos en gran formato donde formas ovoides parecen gravitar en atmósferas multicromáticas. La variación sobre un tema alude también a partituras en este caso generando contrapuntos coloridos y formales. Estas pinturas al óleo y acrílico fueron realizadas durante el 2011 y 2012.
El otro conjunto presenta pinturas que tienen nombres individuales como: Contrastes, Gravedad, Visión binocular, Rotación o Conciencia dimensional. No es casual que este grupo de cuadros formen parte de su serie Atlas, donde se alude al ser mitológico que sostiene el mundo refiriendo así a lo que su pintura quiere recrear y donde está contenido el movimiento de las masas, la gravitación de las formas al tiempo que el espacio infinito y el agujero negro. La serie es del 2016.
Están presentes en la exhibición dos objetos escultóricos del 2015 elaborados en cuarzo y resina que se plantean como formas en tensión. Las formas ovoides se titulan Fuera de los límites y Muestral. Mario Vélez nació en Medellín en 1968. Vive y trabaja en su ciudad natal.

 

DIEGO MONTOYA

 

La programación de este museo desea ser incluyente y diversa, pero siempre amparada en presentar obras que produzcan pensamiento y que ilustren distintos momentos de la propuesta artística. Uno de los objetivos es poder mostrar no solamente el arte colombiano de distintos períodos de la historia, sino presentar el arte regional. Dentro de ese rublo artistas de Roldanillo quienes en diferentes momentos estuvieron vinculados al museo y así mismo lo han visto crecer. Hoy presentamos la exhibición individual de pinturas de Diego Montoya quien ha fijado su residencia en Zacatecas y ha producido allí esta serie de pinturas que ilustran sobre su propuesta más reciente.

Diego Montoya es autodidacta y desde el comienzo de su incursión en la pintura le interesó la geometría y la abstracción como una práctica a seguir. Su obra ha evolucionado y ahora se ha tornado más dinámica en sus composiciones de variado colorido y diversos tonos planos. Las líneas curvas se van entrelazando generando las composiciones que en esta ocasión se proyectan sobre lienzos que se ensamblan en distintos formatos y hacen que las composiciones parezcan desbordarse.
Su pintura se realiza en acrílico sobre lienzo. Sus composiciones de formas ondulantes se resuelven con colores preponderantemente luminosos, aunque en algunas obras aparezca también el negro y café. Los lienzos irregulares se proyectan en el espacio y algunos situados sobre la diagonal sugieren un particular dinamismo.

Él ha titulado esta serie Curvismo para acentuar de alguna manera las peculiares formas dominantes de sus lienzos. Él ha dominado la técnica para proponer contornos duros o precisos, ausente de sombras, y en cambio en intrincadas composiciones. Su obra es anti anecdótica y está referenciada a la pintura misma. La celebración del color y las líneas curvas y festivas parecen ser su principal motivación.

Diego Montoya nació en Roldanillo en 1972. Realizó su primera exhibición en el 2001 y ese mismo año comenzó a participar en muestras grupales. Ha podido mostrar su obra no solo en Colombia y México sino en Francia, Estados Unidos y Ecuador.

 

CARLOS JACANAMIJOY

 


Carlos Jacanamijoy es uno de los pintores colombianos más destacados aparecidos en la última década del siglo XX. Su argumentación se ha centrado en la naturaleza haciendo reinterpretaciones simbólicas de la selva nacional. A las variaciones cromáticas se le suman la captura y variaciones de la luz que se evidencias en sus representaciones.
El artista nació en Santiago Putumayo en el seno de una importante familia de la comunidad Inga. Realizó estudios en la Universidad de la Sabana en Bogotá, en la Universidad de Nariño en Pasto y en la Universidad de la Salle. Obtuvo su título de maestro en artes plásticas en la Universidad de Colombia.


No solo la dedicación y perseverancia en la producción de su obra lo ayudaron a posicionarse. También colaboró la especial condición de pertenecer a una etnia indígena en la década en que se incrementaron las posiciones en torno a la inclusión y a la diversidad. A todo esto, se agregó que el argumento escogido hace continuas referencias al paisaje selvático, pero también a mitos, espejismos, resplandores y distintos elementos que contienen la flora, pero también los juegos interiores relacionados con la magia y la revelación.


La pintura de Jacanamijoy es sugestiva y provoca múltiples lecturas ofreciéndole al espectador la posibilidad de la libre interpretación. Su figuración en ningún momento pretende reconstruir con realismo los elementos del paisaje representado, al contrario, se propuesta desea sugestionar al espectador ofreciéndole fantasía, oportunidades de imaginar y posibilidades de adentrarse en formas y cromatismos misteriosos y sugestivos.


En 1994 realiza su primera exhibición individual en el Museo La Tertulia de Cali y desde allí ha podido realizar una carrera ininterrumpida que le ha permitido mostrar sus trabajos en distintas geografías, el Museo Smithsonian de Nueva York y Washington, la Casa de América en Madrid, el Palacio de los Trabajadores en Beijing, el Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra, así como en los museos colombianos.


Esta es la primera vez que se celebra una exposición de obra en gran formato del artista en este museo. La anterior del 2009 fue de pinturas sobre lienzo y papel de pequeño formato realizadas cuando el artista vivía en Nueva York. Las grandes telas presentes generan un espacio envolvente que celebran la inventiva y la imaginación como recurso sensible. La pintura de Jacanamijoy es ultra barroca, distribuyendo y esparciendo juegos de luces y reinventando un paisaje emocional.


El artista vive y trabaja en Bogotá, ciudad donde celebró una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en el 2013 y donde tiene su estudio.

 

 

DONNA CONLON - JONATHAN HARKER


Con el ánimo de continuar presentando el arte latinoamericano de distintos momentos de su historia y de diferentes territorios, tenemos en esta ocasión dos artistas provenientes de Panamá. Es la primera vez que mostramos creadores de este país vecino.


Donna Conlon y Jonathan Harker mostraron por primera vez su trabajo colaborativo en video en el 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas presentado en Medellín en el 2013. Estos dos artistas han podido proyectar sus obras en importantes escenarios internacionales como el Instituto de Arte Contemporáneo de Toronto, el Museo del Barrio en Nueva York, la 8° Bienal de Mercosur en Porto Alegre, la XXXI Bienal de Pontevedra, la X Bienal de La Habana y el Palais du Tokyo en París, además de exhibiciones en Centroamérica: Guatemala, Costa Rica y Panamá.


Donna Conlon nació en Atlanta en 1966, estudió biología y escultura y se dio a conocer en la Bienal de Venecia del 2005. Jonathan Harker nació en Quito en 1975, se licenció en literatura, filosofía, cine y video en los Estados Unidos. Participó en la Bienal de Venecia del 2007. Trabajan en forma colaborativa desde el 2006 cada uno aportando experiencias de sus prácticas individuales, pero al final dotando sus resultados de ironía y humor para conseguir una reflexión crítica a conflictos sobre todo de orden ecológico, pero también considerando la poesía.


El video arte ha ocupado la atención de nuestro programa de exhibiciones y estamos muy complacidos de presentar una vez más esta tendencia del arte contemporáneo.


La exhibición gira en torno a obras que los artistas han concebido pensando en el consumismo y la acumulación de residuos. Los videos se concentran en imágenes puntuales que emanan permanente crítica pero que también se plantean lúdicas ante las denuncias que hacen.


En esta ocasión se han escogido piezas de distintos momentos de su producción con una preocupación evidente por el medio ambiente. Están presentes trabajos fechados desde el 2005 hasta el 2017. El gesto de sacar infinitamente bolsas de plástico de un mismo contenedor en este ejercicio performático registrando en imágenes que duran más de cinco minutos titulado Más me dan. El mar de botellas verdes, la propuesta titulada Estación Seca. Las bolsas de desechos de plásticos que el viento lleva hasta una gran reja que desaparecerá bajo esta basura en la pieza Brisas de Verano. Las hormigas que transportan billetes de dólares carga de ironía la obra El Basurero. Un gran tapete de pasto sirve de escondite a distintos desechos en la propuesta Bajo la Alfombra. Y, por último, una botella de plástico que es utilizada para contener líquidos es arrastrada por la corriente de agua en un trayecto que parece no tener fin en el video Voz a la deriva.

 

 

VICKY NEUMANN

 

Hemos presentado varios ejemplos de pintores colombianos surgidos en esta última década del siglo XX. Hoy queremos ampliar ese horizonte exhibiendo de forma individual el trabajo del Vicky Neumann, nacida en Barranquilla en 1963. Ella realizó estudios en el decenio de los ochenta de pintura, escultura y grabado no solo en la ciudad natal sino en Arlington, Roma y París. Comenzó a participar en exhibiciones grupales desde 1987, año en que igualmente realizó su primera exhibición individual.

La expresión de una pintura libre manifestada en trazos fuertes de colorido espeso es uno de los intereses de la artista, así como también los trasfondos figurativos donde se pueden observar desde escenas cotidianas a reconocidas obras maestras de la historia del arte: dos pintores del barroco italiano como Caravaggio y Cavarozzi y el español Goya. Borrar y tachar, subrayar y eclipsar parecen ser los móviles de una pintura vigorosa y emocional que no busca necesariamente prerrogativas en la representación.

 

Con esta exhibición son veinticinco las muestras individuales que ha realizado la artista tanto en París, Caracas, Madrid, Lima, Barranquilla, Cartagena, Manizales y Bogotá. Así mismo su participación en muestras grupales es muy nutrida incluyendo salones nacionales y ferias de arte.

Las obras de Vicky Neumann todas regularmente tiene títulos, pero éstos más que ilustrar una situación determinada parecen conducirnos más bien a su enfrentamiento entre el argumento concebido y la solución anárquica con que la pintura y sus amplias zonas de color se dirigen para bloquear lo que la totalidad de la mirada podría abarcar.

La artista ha declarado sobre su producción: "Tenía que encontrar otra manera de aproximarme a lo concreto, poner los pies en la tierra apropiándome de objetos que me proporcionan placer en sí mismos por sus colores, su materia, su finalidad y el encanto de su banalidad. Este trabajo es seguramente una manera de aferrarme a la vida, a lo que se va quedando atrás, pero en el fondo sigue siendo la misma búsqueda de color, de enfrentar miedos, ascos, de correr riesgos, de reivindicar lo desechado, empuercar lo aceptado y, en fin, hacer lo que me da la gana "aquí dentro de esta lamparita", como dice el genio de Aladino".

La pintura de Vicky Neumann habla de lo que cambia y se destruye, todo a gran velocidad, pero también de la negación de las imágenes muchas veces obsoletas, es su manera de cuestionar su entorno, pero también de advertir sobre la inmediatez y el caos. La artista está radicada en Bogotá.

 

 

EDGAR NEGRET

 


La escultura abstracta en Colombia ha tenido una gran acogida por artistas que la han practicado desde el segundo lustro del siglo XX hasta hoy. El pionero indiscutible fue Edgar Negret, nacido en Popayán en 1920. Al inicio de su carrera que comenzó con sus estudios en la Escuela de Bellas Artes en Cali en 1938, su obra acogió distintos materiales como yeso, luego cerámica, láminas de metal y alambre. En 1944 conoce en su ciudad natal al escultor vasco Jorge Oteiza quien lo informó sobre las tendencias de la escultura moderna.

Al iniciarse la década de los años cincuenta Negret vive en Europa durante cinco años. Su estancia lo llevó a París, Barcelona, Madrid y Mallorca, en esta última ciudad comenzó a hacer obras que semejaban máquinas. Éstas serán el génesis de sus famosos Aparatos Mágicos realizados en Nueva York de 1955 a 1963. Por primera vez emplea el aluminio como material dominante, pintando su superficie de colores mate: azul, rojo, negro, blanco. Utiliza por primera vez tuercas y tornillos, elementos que no solamente sirven para unir las piezas, sino que van marcando puntos de tensión. Pero los Aparatos Mágicos, algunos de pedestal y otros en pared, estaban construidos mediante angulaciones, aunque también presentaban curvas y círculos. Luego de quince años de ausencia regresa a Colombia en 1963 y su obra se transforma al poder curvar las láminas de metal y darles un aspecto más aéreo. Diseña piezas modulares que se ensamblan y genera una escultura proyectada elegantemente en espacio. En ese año participó en el XV Salón Nacional y ganó el premio por su obra Vigilante Celeste. En 1967 volvió a obtener en un certamen similar el gran premio por su escultura Cabo Kennedy.

Negret en la sexta década del siglo XX no solo logró consolidar un leguaje propio que lo hacía ser un artista único y el más destacado escultor de formas ensambladas, sino que pudo estar en los grandes escenarios internacionales de arte como la Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel, La Bienal de Sao Paulo, además de exhibiciones en América, Europa y Asia.

Si bien la escultura de Negret tiene una apariencia arquitectónica e ingenieril, como lo confirman títulos como puente, edificio, estructura. Así mismo a finales del siglo XX su interés se dirigió a las culturas precolombinas tanto del Perú como de Centroamérica. De esta serie tenemos varios ejemplos en la presente exhibición.

Negret ganó el gran premio de escultura en la XXX Bienal de Venecia de 1968. Recibió la Cruz de Boyacá, máxima distinción del Gobierno de Colombia, igualmente fue objeto de varias exhibiciones retrospectivas que consagraron su nombre y carrera.

Es la primera vez que presentamos el trabajo de Negret en forma individual, aunque ha estado formando parte en varias exposiciones colectivas y poseemos una escultura de gran tamaño que se exhibe permanentemente en los jardines. El artista murió en Bogotá en 2012.

 


2018


LEONORA CARRINGTON

 


Leonora Carrington estuvo ligada al surrealismo histórico desde que a los veinte años se relacionó con el artista del dadá y surrealista Max Ernst con quien entabló una relación sentimental que culminó en la convivencia de un año en Saint-Martin-d'Ardèche, casa de campo que adquirieron en 1938. Luego Ernst fue declarado enemigo por el régimen de Vichy y trasladado al campo de concentración de Les Milles, a causa de esto Leonora sufrió un gran desequilibrio emocional. Huyó a España y fue internada en el hospital psiquiátrico de Santander. Este período de reclusión marcó la vida y obra de la artista quien finalmente huyó del manicomio y se trasladó a Portugal donde encontró refugio en la Embajada de México donde la ayudaron a emigrar. Tiempo después ella se haría ciudadana mexicana e hizo parte de la nómina de pintoras fasc

 

 


2017


Nadín Ospina (Esculturas)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, Uno de nuestros objetivos es mostrar el arte hecho en Colombia de distintos momentos de la historia. Es así como hemos presentado obras precolombinas, del período colonial, del siglo XX, la modernidad y la contemporaneidad. En esa línea de intención presentamos por primera vez en este museo la obra del artista Nadín Ospina. Quien irrumpió en el arte nacional en la década de los ochentas, un decenio de gran efervescencia marcado por los post-conceptualistas, las instalaciones, la fotografía artística, la práctica del video y los performances. También por el regreso a una pintura de nuevo expresionista que se relacionó con la transvanguardia. En esa década se habló de hibridación, de cita, de recreación y de apropiación como ejercicios que ayudaron a la propuesta creativa. Se reformó la idea de nacional, de identidad, de memoria histórica y de tradición. Esa revisión facilitó la desmitifación del pasado al tiempo que generó un presente crítico. Muchas de estas actitudes marcaron la producción del Nadín Ospina. Su trabajo encontró en los recursos tridimensionales un gran renglón para producir esculturas, objetos e instalaciones. Se inspiró en la fauna vernácula pero también en la mítica. Acudió a muchos de los íconos más populares del comunismo como el repertorio de los Simpson y las imágenes de Walt Disney. Citó con humor e ironía al repertorio precolombino de joyas de oro, cerámica y escultura en piedra para diseñar objetos tanto provocadores como transgresores.

 

Marco Mojica (Dibujos y Pinturas)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, La pintura y el dibujo son el vehículo predilecto de Marco Mojica. Quien a través de una técnica impecable reconstruye realidades que se subvierten al ser repensadas con humor e ironía. El artista que estudió Artes Plásticas en la Universidad del Atlántico comenzó a ser incluido en muestras colectivas a partir de 1996 y desde el 2004 celebra exhibiciones individuales. Él pertenece a la generación del fin del siglo pasado que han propuesto diversos interrogantes en torno a la circulación, exhibición, difusión y comercialización del objeto artístico. Acuñando argumentos puntuales que se refieren primordialmente a la historia del Arte.

Esta es la primera vez que se muestra su trabajo en este museo. Se han escogido para la exposición un conjunto de dibujos y pinturas elaboradas desde el 2003 hasta el 2015. En ellas pueden ver representaciones de trabajos de otros artistas hegemónicos citados para formular alguna clase de pregunta. Mojica actúa sobre un particular archivo de imágenes cultas que se redireccionan al ser ejecutadas nuevamente y ser sometidas al ejercicio dibujístico y pictórico. Él superpone categorías de pensamiento y provoca un diálogo a varias bandas a partir de elementos de factura ilusionista.

 

Carlos Zerpa (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, Continuando con nuestro interés de presentar el arte latinoamericano, esta vez traemos la pintura La Mujer Ilustrada de América del artista venezolano Carlos Zerpa. Un activo protagonista de las artes visuales en su país que no solo hace pinturas sino objetos, instalaciones, dibujos y performances. Usando esos múltiples medios como un ejercicio ultra barroco donde se dan cita los fetiches de la cultura popular, los instrumentos de la magia y las representaciones religiosas tanto oficiales como las no aceptadas por el santoral. En los trabajos coloridos se pueden ver imágenes del Sagrado Corazón, la Mano Poderosa, pero también a protagonistas de la devoción popular como María Lionza o San Gregorio Hernández.

Esta pintura en gran formato y de impactante colorido produce una peculiar impresión en el espectador. Una mujer tatuada, con escudo, manilla con taches, togada y con un puñal en la mano cabalga sobre un gran cerdo morado. Esta peculiar amazona se encuentra próxima a varias de las insignias de la pasión de Cristo como la columna, el látigo, el divino rostro y el gallo de la negación. Se puede ver parcialmente en un extremo una calavera. El fondo es una noche estrellada con constelaciones incluidas y una cenefa de hojas amarillas enmarca a la manera de arco la parte superior de la composición.

 

Álvaro Barrios (Pinturas)
Se inauguró el pasado 11 de Noviembre de 2017, En la década de los años sesenta del siglo pasado la cultura colombiana se vio enriquecida por distintos protagonistas que cuestionaron las definiciones y el propio desempeño de la artisticidad. Este decenio es el del Nadaísmo en la literatura y las artes escénicas y visuales al tiempo que distintas personalidades redefinieron la forma de hacer arte. Recordemos las personalidades contrastadas y radicales de Bernardo Salcedo, Feliza Bursztyn, Pedro Alcántara o Beatriz González. A este grupo radical de transgresores pertenece Álvaro Barrios quien nació en la costa atlántica en la ciudad de Barranquilla en 1945.

Los estudios los realizó en Barranquilla, Perugia y Venecia. Muy temprano en los años sesenta irrumpió como dibujante y fue ponderado por la crítica Marta Traba. Sus dibujos se tornaron en objetos tridimensionales y el conceptualismo lo sedujo alimentando sus ideas. Ideó instalaciones y se valió de textos para evocar la historia del arte con suspicacia y humor. Se interesó en la multiplicación masiva de sus imágenes en series que se conocen como los Grabados Populares. Ha evocado distintas iconografías convirtiéndolas en ficciones poéticas defendiendo su poder no solo de ser mago sino médium. Ha criticado a través de sus distintos discursos el devenir de la práctica artística y del mercado del arte, poniendo en cuestión lo consagrado y tratando de traspasar las líneas rojas de lo establecido.

 

Tomás Ochoa (Pinturas)
Se inauguró el pasado 9 de Septiembre de 2017, El arte del ecuatoriano Tomás Ochoa entrelaza la historia con la contemporaneidad. Presentamos sus fotografías, intervenidas por procesos innovadores que lo ubican en el arte contemporáneo, en trípticos de gran formato que dan la vuelta de los módulos donde expone. Su obra logra hacernos conscientes de una visión ancestral que es amenazada por la cultura del siglo XXI. La “Línea negra”, a la que se refiere esta exposición la trazaron los indígenas arhuacos para indicar los límites entre sus tierras ancestrales en la Sierra Nevada de Santa Marta y el mundo moderno del “Hermano menor”. Las fotos en blanco y negro de lugares silvestres y puros recuerdan las primeras tomadas por antropólogos en sus exploraciones del siglo XIX. Éstas son a la vez misteriosas y dicientes. Nos hablan de un antes y establecen una especie de barrera transparente a nuestros ojos invasores. Al intervenirlas, quemándolas con pólvora (la que también traza una línea negra antes de estallar), Ochoa lleva a cabo una ceremonia sagrada y simbólica equivalente a la de los Mamos y que también nos hace pensar en la destrucción que amenaza toda una historia y una manera de vivir. Es poesía del tiempo y la memoria escrita sobre un espejo invisible e invertido en que nos miramos a los ojos de nuestro pasado.

 

Eduardo Carvajal (Fotografías)
Se inauguró el pasado 9 de Septiembre de 2017, En la exposición de fotografías de Eduardo Carvajal también se trata de retratos. Aquí vemos a un personaje icónico de los 70s, el escritor y cineasta, Andrés Caicedo. A diferencia de los retratos pintados, lo vemos en acción desafiante y burletero, siempre iconoclasta. Además, estas fotos son tomas relacionadas con una película de Mayolo en que Andrés participaba. Caicedo era quizás tan vanguardista, tan audaz y tan fuera de serie como Buñuel al principio de su carrera. A diferencia de Buñuel, Andrés murió joven, suicidándose en el año 1977 antes de cumplir los 30 años. Las fotos son momentos vitales de un ser cuya muerte significa el dolor y la disonancia de su generación, incapaz de adaptarse a lo tradicional. Caicedo ha vuelto a ser ídolo para nuevas generaciones y estas fotos entonces parecen ser un retorno al futuro.

 

Ricardo Acevedo Berna (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 9 de Septiembre de 2017, La obra huésped representa un retrato masculino de un rival y contemporáneo de Garay, Ricardo Acevedo Bernal. Se trata de Alberto Urdaneta que no nos mira como lo hacen las mujeres. Sus ojos no revelan sus anhelos ni sus debilidades. Los colores son sombríos, su rostro se delinea con ángulos fuertes y dominantes y la textura recia del pelo y la barba proclaman la fortaleza, el heroísmo estoico, la rectitud y la decisión—en fin, la hombría de un varón de la época. Así lo vemos como él quería ser visto en el futuro lejano que es nuestro siglo.

 

Ana María Rueda (Pinturas)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,La artista ibaguereña, activa en la plástica colombiana desde los 70 y que ha incursionado en diferentes medios como la escultura, la instalación y la fotografía nos presenta una serie de pinturas al óleo sobre tela de los 90 que la identifican con el simbolismo de la Transvanguardia colombiana. Su tema es la naturaleza cuyo misterio expresa con trazos y áreas densas de colores ocres, azules y rojizos sugerentes y significativos pero apagados y humildes como en la pintura zen. Son árboles como setas, flores, semillas en una especie de bruma o tiniebla. Está el estuche de semillas de una amapola. Estos trazos y signos sugieren un más allá misterioso y una cercanía a nuestra alma y las esencias naturales. Hay también una sensación de pérdida de tristeza que nos recuerda también lo japonés.

 

Elsa Zambrano (Ensamblajes)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,Esta artista bogotana nos ofrece sus “Ensamblajes”, los que, como las casas de muñecas nos permiten observar toda una vida. Esta vida es la de la historia del arte, de las obras icónicas de los grandes museos en ciudades lejanas, pero también es mirar por el ojo de la artista que, como la niña que juega con su casa, interpreta, manipula, disfruta de hacer yuxtaposiciones diferentes con los elementos, de, por ejemplo “Las Meninas”, de Velázquez. Unas muñequitas salen de la postal que representa el cuadro presentándonoslo como en un proscenio. Tanto las postales como las figuritas de porcelana dan fe de un trayecto recorrido por la artista. Son sus testigos oculares y sus cómplices. Parece ser un punto de vista femenino y también completamente personal. Nos divierte y nos hace pensar en los viajes, en el arte y su historia en nuestra historia propia. Son a la vez cápsulas del tiempo-el tiempo de la artista y de los artistas que evoca.

 

María Angélica Medina (Textiles)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,Nos tiende el hilo que nos lleva hacia adentro del tejido de la vida y nos hace entrar hasta en los laberintos de Rayo. Tejer, arte de mujer, Aracné. La Madre de Whistler, Anantse. María Angélica Medina ha convertido sus tejidos usados en obras de arte, mostradas en cajas de vidrio. Los dobla, los re-ovilla, los concentra, los renace. Mostramos el gran tejido que produjo como performance en una exposición. Es un camino de pasos recogidos, es el hilo esperando ser liberado y vuelto ovillo o madeja otra vez. La diosa del tejido nos sonríe desde su tela de araña.

 

Liliana Porter (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,Entre las cajas de Elsa Zambrano se encuentra una de la argentina LILIANA PORTER, artista conceptual que expuso en el Museo con videoarte, instalaciones, dibujos, “un juego perpetuo con la ironía y el humor”, según Miguel González. Su caja alude no al arte sino a la literatura, a esa misteriosa léxico-ilógica obra Alicia en el país de las Maravillas de Lewis Carroll. En la caja, hay un atado de fragmentos de imágenes, de palabras, de objetos. Contenido y continente son, como las obras de Zambrano una cápsula de un tiempo que nunca existió sino en la imaginación de Alicia- Liliana.

Omar Rayo (Pinturas)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,“Geometría del tejido”, pinturas al acrílico. Como suele ocurrir en los Museos, las exposiciones se espejean. Presentamos pinturas de Rayo de diferentes épocas en que la geometría es producida por un entramado de cintas que él en algún momento expuso con el título “Urdimbre germinal”. Vemos que sus cintas se entrelazan produciendo diseños como textiles. Los vemos evolucionar desde los 60s cuando las rayas blancas y negras creaban efectos ópticos hasta las últimas obras del siglo XXI, los “Mateo’s Toy” y “Corteza del Arco Iris” en los que el tejido es lúdico. Para hacer juego con el tejido re-ovillado de María Angélica Medina, exploramos en esta muestra de Rayo el símbolo del ovillo en pinturas donde podemos pensar que es una matriz que envuelve la sombra o el aire, un símbolo potente de lo femenino. Del ovillo nace el tejido, de la “Crisálida del arrebol” nacen los colores. Rayo tejedor, Rayo Aracné. Rayo Kumo (araña en japonés).

 

Omar Rayo (Intaglios)
Se inauguró el pasado 15 de julio de 2017,“Nudobilia” intaglios. En el Museo presentamos esta gran muestra de la serie hecha en 1972 en su taller en Nueva York. Aparentemente abstractos, estos “nudos ciegos”, nacieron de los primeros experimentos del artista con objetos pasados por el tórculo. Entre ellos estaban “Lazos para atar las alas de un ángel”, y otras cuerdas e hilos reales vueltos intaglios. El nudo es hijo del hilo que sale del ovillo. Los Nudobilia son nudos imposibles de desatar y la progresión de la serie parece ser un Arte de Atar. Angulosos, sencillos o complejos, nos obligan a “seguir el hilo” de su atadura. Una serie, soberbia, sobria de Rayo en su mejor momento como grabador.

 

Christo Javacheff (Documentos fotográficos)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,El Museo Rayo exhibe con gran orgullo 15 obras gráficas, que señalan como documentos la realización de proyectos tanto en el espacio urbano como en el paisaje de este gran artista clasificado por la crítica en el grupo de los nuevos realistas. Christo ha acostumbrado a su público a esperar de él megaobras, proyectando sus trabajos en territorios abiertos teniendo como característica principal la utilización de amplios espacios paisajísticos. Ha sobrevivido por décadas y se ha especializado en proyectos superlativos, es la figura más popular de esta tendencia sobrepasándola y logrando penetrar en la memoria colectiva más allá de los circuitos del arte especializado.

 

Norman Mejía (Pinturas)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,El Museo Rayo presenta 22 obras de su trabajo más contestario y feroz que marcan el ímpetu de su estilo peculiar, prestados directamente a su viuda quien tiene a su cuidado el acervo de este gran artista colombiano.

 

Pedro Alcántara (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,Nada más oportuno que la obra de Pedro Alcántara para dialogar con las pinturas de Norman Mejía, los dibujos de Alcántara son un referente obligado en la producción del arte colombiano en el siglo XX y su obra neofigurativa es un cometario oportuno que desde el arte emanó entorno a una sociedad en conflicto.


2016


Hernando del Villar (Pinturas)
El pasado 05 de noviembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas; Hernando del Villar nació en Santa Marta en 1944. Desde 1966 comenzó a participar en exhibiciones colectivas y temáticas y desde 1969 celebró muestras individuales de sus trabajos. Logró consolidar un estilo peculiar interesándose sobre todo en el paisaje. Sus trabajos priorizaron las formas rotundas e identificables y solucionaron sus argumentos a través de líneas blancas demarcantes que encerraban colores contrapuntísticos resultado de singulares osadías cromáticas. Las obras así resueltas no dejaban indiferente al espectador, al contrario invitaron a participar en compañía de argumentos de fácil comprensión siempre propuestos por el artista.

 

Manolo Vellojín (Pinturas)
El pasado 05 de noviembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas;Vellojín siempre trabajaba la geometría como un recurso evocador y cálido, repensando el color y las composiciones exactas y controladas. Su propuesta artística se relaciona con la tradición geométrica que ha representado una vertiente en al arte nacional. Pensemos en Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Omar Rayo, Carlos Rojas, Fanny Sanín, John Castles o Ronny Vayda, para recordar ejemplos pertinentes que han abordado el rigor de las formas. Solo que la pintura de Manolo Vellojín escogió el mundo religioso y fúnebre para construir sus argumentos silenciosos y de economía de formas y elementos, logrando una obra reposada y sugerente capaz de conmover por su simplicidad y elegancia.

 

Tomás Ochoa (Obra Huésped)
En esta ocasión tenemos la oportunidad de estudiar una peculiar pintura que usa la fotografía como referente y que además utiliza la pólvora quemada como elemento materializador y significante. Su autor el ecuatoriano Tomás Ochoa nacido en Cuenca en 1969. De la generación que emergió en su país desde la última década del siglo XX. Eso ha hecho que su obra esté permeada e impactada por los estudios culturales, los desplazamientos, el concepto de post colonial, las teorías literarias y filosóficas que han enriquecido su trabajo dotándolo de un soporte conceptual ejemplar para el arte latinoamericano.

 

Fernando Maza (Obra Huésped)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Escultura (Obra Huésped);El arte producido por creadores de Argentina es uno de los más apreciados e influyentes en Latinoamérica. Buenos Aires es el epicentro de esas actividades y hoy sus museos, galerías y la Feria de Arte se han convertido en escenarios privilegiados no solamente para promocionar y difundir el arte nacional sino el de otras latitudes. Fernando Maza nació en Buenos Aires en 1936. Desde 1957 comenzó a exhibir en muestras colectivas en distintas ciudades argentinas. Desde 1960 a 1973 vive en Nueva York. Luego viaja a Londres y desde 1977 vive y trabaja en París. Un destino también muy apetecido por críticos y artistas no solo de Argentina sino de América Latina.

 

Norberto León Rios (Grabados)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo obra gráfica;Presentamos la serie grabados – esculturas de Norberto León Ríos, un conjunto por él titulado Teatro Humano. Efectivamente los cuerpos desnudos en distintas posiciones parecen debatirse ansiosamente y tratan de escapar de los espacios asignados donde están atrapados. Los cuerpos convulsos desean ser también alegorías sobre la existencia y la condición humana. Norberto León Ríos nació en la Tulia, Valle, no lejos de Roldanillo, realizó sus estudios de arte en el Instituto Popular de Cultura de Cali, ciudad donde comienza a participar en exposiciones desde 1984. Desde 1999 vive en España, primero en Santiago de Compostela y luego en Sevilla desde el 2001 donde tiene su taller de obra gráfica “Norler Grabados”.

 

Fernando de Szyszlo (Pinturas)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo pinturas; Fernando De Szyszlo es uno de los artistas latinoamericanos más destacados del siglo XX y el más importante creador peruano en la historia reciente. Su propuesta de abstracción simbólica hizo parte del conjunto de propuestas que se activaron en el arte continental con ánimo renovador a partir de la Segunda Guerra Mundial. En las ciudades suramericanas surgieron reflexiones en distintas direcciones destinadas a renovar el lenguaje visual y a transformar las percepciones que se tenían hasta el momento de la pintura y escultura. De Szyszlo hizo parte de este contingente y sobresalió en la adhesión al abstraccionismo que desde finales de los años cuarenta ha practicado hasta el presente.

 

Claes Oldenburg (Múltiples)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, esculturas, objetos, dibujos y gráficas; El Pop Art se convirtió con razón en una de las actividades más fascinantes en la década del sesenta del siglo pasado. Aunque nació en Londres fue en Estados Unidos, tanto en la costa oeste como en Nueva York donde su difusión y popularización alcanzó su definitiva consagración. Claes Oldenburg nació en Estocolmo en 1929, hijo de un diplomático sueco, siendo niño se trasladó a Nueva York y después vivió en Chicago donde estudió y se graduó en Arte. Luego se matriculó en la Universidad de Yale donde estuvo de 1946 a 1950. Retornó a Chicago y se incorporó al Art Institute hasta 1954. En 1953 se nacionalizó como estadounidense. 1956 retornó a Nueva York y allí entró en contacto con nuevos artistas como Jim Dine, Red Grooms y Allan Kaprow, este último autor de los Happenings que incorporaban acciones de corte teatral y que ofrecían una alternativa al dominante estilo del expresionismo abstracto.

 

Eugène Carrière (Obra Huésped)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una pintura en el programa de Obra Huésped; Presentamos en esta ocasión una pintura francesa del siglo XIX perteneciente al acervo del Museo Nacional de Colombia en Bogotá. La obra fue adquirida en 1928 con motivo de la “Primera exposición oficial de pintura francesa en Colombia” que se llevó a cabo en el Círculo de Bellas Artes de Bogotá. Para ese entonces Eugène Carrière ya había fallecido. Su deceso se produjo en París a causa de un cáncer de garganta en 1906.

 

Fanny Sanín (Pinturas)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una sala dedicada a la pintura; La obra de Fanny Sanín es indispensable en la pintura abstracta colombiana y latinoamericana. Después de practicar formas emocionales y relacionarlas con el expresionismo contenido su propuesta se concentró en la obra abstracta geométrica dando al color un protagonismo expresivo y a las composiciones una tensión evocadora singular.

 

Erika Diettes (Fotografía)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo tres salas dedicadas a la fotografía; Su obra en consecuencia habla de memoria y dolor, dos elementos que ella trata con sutileza y una poética retadora. Su trabajo no tiene sangre ni imágenes expresionistas. Un gran silencio parece apoderarse de los rostros de las víctimas o de los objetos que una vez les pertenecieron.

 

Julian Schanabel (Obra Huésped)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una pintura como obra húesped; Schnabel nació en Nueva York en 1951, además de pintor es director de cine y sus tres películas  han sido muy ponderadas en festivales como los de Cannes, Venecia así como también en los César y los Globos de Oro. Esas cintas son: Basquiat, Antes de que anochezca y La Escafandra y la Mariposa. Como pintor se dio a conocer por sus obras de platos rotos que causaron gran controversia. Su obra suele clasificarse como “mala pintura” perteneciente al neo-expresionismo transvanguardista a partir de los años setenta y ochenta del siglo pasado.

 

Luis Fernando Zapata (Esculturas)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Luis Fernando Zapata, un artista colombiano nacido en Girardota, Antioquia, en 1951. Estudió arquitectura en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín y Bellas Artes y Diseño en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. Su carera se inició en 1976 año de su primera participación en una muestra colectiva. Desde 1985 realizó exhibiciones individuales.

 

Cultura Malagana (Esculturas)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; La Cultura Malagana se concentra sobre todo en la alfarería, una modalidad que aquel cacicazgo practicó con gran destreza convirtiéndola junto con la orfebrería en sus mayores producciones artísticas. Sus cerámicas son pulidas y finas. Los argumentos que abordan no solo recrean el mundo animal sino que enseñan representaciones antropomorfas incluidas el interés por la sexualidad. Muchas piezas todavía enseñan su cromatismo donde aparece el terracota y el crema como colores predilectos.

 

Carlos Rojas (Esculturas)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Carlos Rojas, nacido en Facatativá, Cundinamarca, Colombia, en 1933. Él tuvo una gran escolaridad en las universidades Javeriana y Nacional de Bogotá y luego en la Escuela de Bellas Artes y Diseño de Roma. Vivió en Europa y Estados Unidos y a su regreso fue profesor en las universidades de los Andes, Jorge Tadeo Lozano y Nacional. Exhibió individualmente desde 1957.

 

Cuatro Fotógrafos Contemporáneos (Fotografías)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Fotografías; Las obras de estos cuatro fotógrafos (Ananké Asseff, Germán Gómez, Marcos López, Vik Muniz) apuntan a distintas direcciones para materializar estéticas que preocupan y cuestionan la imagen que nos es más contemporánea.

 

Natalia Arias (Obra Huésped)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Fotografías; La artista nació en Brighton, Inglaterra, en 1977. Reside en Bogotá y vive y trabaja en Miami. Exhibe individualmente desde el 2005, hasta el momento ha celebrado siete exhibiciones en solitario y participado en más de medio centenar de muestras grupales desde el 2001.

 

Helias Heim (Esculturas)
El pasado 23 de Enero de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Heim nació en Cali en 1966. Realizó su primera exhibición individual en Colombia en 1991, obtuvo luego reconocimiento tanto en el Salón Regional como en el Nacional y logró representar a Colombia en las bienales de Venecia y Sao Paulo.  Siempre haciendo  alusión directa a los lugares expositivos, interfiriendo  el espacio para problematizar en torno a él.  Sus aparatos mecánicos lograron imponerse y marcar la diferencia con la escultura nacional que se practicaba buscando un concepto expandido de la misma.

 

Doris Salcedo (Obra Huésped)
El pasado 23 de Enero de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Obra Gráfica; Presentamos las cuatro obras gráficas que se editaron con motivo de la exhibición de la obra Shibboleth en la Tate Moderm de Londres. Una alegoría monumental y conmovedora que hablaba de la división de los mundos irreconciliables, de la discriminación, del territorio de los elegidos y del universo de los marginados. Esta propuesta de Doris Salcedo, nacida en Bogotá en 1968, entraba así a formar parte de sus trabajos a gran escala interviniendo la arquitectura como han sido la acción en el Palacio de Justicia en Bogotá, las sillas acumuladas en el vacio entre edificios de la Bienal de Estambul y la intervención en el interior del Castillo di Rivoli cerca de Turín.


2015


Ever Astudillo ( Obra Huésped)
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; La escultura abstracta tan practicada en el arte colombiano tradicionalmente en metal como en los casos de Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Feliza Bursztyn o John Castles quienes se enfrentaron a distintos materiales como aluminios, hierro y chatarra como agentes para abordar problemas espaciales, composicionales que hablaban no solamente de rigor y equilibrio sino de formas anárquicas y contestatarias. Ahora la podemos ver ejercida desde la piedra tallada.

 

Miguel Castillo ( Escultura )
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas;La escultura abstracta tan practicada en el arte colombiano tradicionalmente en metal como en los casos de Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Feliza Bursztyn o John Castles quienes se enfrentaron a distintos materiales como aluminios, hierro y chatarra como agentes para abordar problemas espaciales, composicionales que hablaban no solamente de rigor y equilibrio sino de formas anárquicas y contestatarias. Ahora la podemos ver ejercida desde la piedra tallada.

 

Alberto De Michele( Video-Exposición )
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Video-Exposición; Alberto De Michele nación en Venecia en 1980 pero se trasladó a vivir a Amsterdam donde se nacionalizó holandés. Su trabajo se concentra en indagar argumentos que podríamos considerarse políticamente incorrectos y que se ocupan de los protagonistas del ampa. Sujetos que pagan grandes condenas o que andan sueltos o en fuga. Muestra así mismo una cara muy activa y militante de una sociedad que se mueve en los bajos fondos pero que es inevitable en la conformación de una sociedad sometida a múltiples actividades. La delincuencia ocupa un renglón privilegiado en las tabulaciones de las actividades públicas, mal haríamos en disimular dicha presencia y no es ajeno o extraño este fenómeno para argumentar a través del arte.

 

Paisajes ( Exposición del Museo Nacional de Colombia )
El pasado 11 de Julio de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas; La conciencia de la existencia de la naturaleza y su entorno es un anhelo que se ha materializado a través de distintas civilizaciones. Podemos observar algunos elementos en las descripciones esencialistas de los egipcios. Pero en la pintura romana el paisaje se convirtió en un argumento central y para representarlo había incluso diversos estilos, como lo podemos verificar en los murales pompeyanos. Cuando el Giotto se concentra en sus dos proyectos mayores, en Asís y en Padua, el paisaje ya aparece como un elemento indispensable y enmarca las escenas al aire libre con profusión de detalles.

 

Feliza Bursztyn ( Escultura )
El pasado 11 de Julio de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Nuestro curador, Miguel González, ha seleccionado una variedad de obras escultóricas que incluyen instalaciones motorizadas, de esta artista a quien él considera "una de las artistas más influyentes en el arte colombiano de las últimas décadas".

 

Olga De Amaral ( Telas )
El pasado 14 de Marzo de 2015, se inauguró en el Museo Rayo; Una artista que Miguel González, quien hizo la selección de esta exposición espléndida de tapices, considera "visionaria", quien eleva la "experiencia del tapiz" a "niveles místicos y poéticos nunca conseguidos por un artista contemporáneo".

 

Leonel Góngora ( Pinturas, Dibujos, Grabados )
El pasado 14 de Marzo de 2015, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, dibujos y grabados; La exhibición se concentra en su producción pictórica, dibujística y gráfica, incluido el libro Los siete pecados capitales que el artista grabó y que apareció en 1982. La muestra es una de las más grandes que se ha celebrado sobre su trabajo y está conformada por setenta piezas de distintos períodos.

 

Fernando de Szyszlo (Obra Huésped )
La pintura está realizada en gran formato y tipifica la producción de De Szyszlo desde el punto de vista cromático y formal. Es una abstracción que transmite una vitalidad adquirida de sus indagaciones en los elementos preincaicos así como en la poesía quechua, dando como resultado un lienzo no solo emblemático sino hermético.

 

Ana Mercedes Hoyos ( Pinturas, Esculturas, Grabados )
El pasado 17 de Enero de 2015, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, dibujos y gráficas inspiradas en las procesiones de San Basilio, un acercamiento a los lazos posteriores de los vestidos de niñas con Ana Mercedes Hoyos.

 

Arte y el Mundial (Carteles)
En la exhibición de Arte y el Mundial se pueden ver carteles del surafricano Kentridge y de la pareja Allora Calzadilla, además del japonés Kawashima, el norteamericano residente en Brasil, Wiley con el retrato de un afro descendiente: Randerson Romualdo Cordeiro. Así mismo podremos observar obras de artistas del país anfitrión como Costi, Oiwa, Recife, Senise y el grafitero Nunca.

 

Fernando Botero (Obra Huésped)
En la obra de Fernando Botero encontramos retratos, temas religiosos, paisajes, bodegones, series dedicadas a la tauromaquia, a la violencia, a la Pasión de Cristo y al erotismo. El tema clerical le ha llamado especialmente la atención representado santos y prelados, además de distintos íconos del cristianismo y sus rituales.


2014


Leo Matiz, Fotografías - Bodegones, colección del Museo Nacional de Colombia
El 17 de mayo se inauguró en el Museo Rayo dos exposiciones itinerantes que provenian del Museo Nacional de Colombia: "Bodegones", pinturas de maestros colombianos e internacionales, y "Leo Matiz", fotografías realizadas en Colombia.

 

Colección de arte "Avianca" en el Museo Rayo
El sábado 15 de marzo el Museo Rayo abrió sus puertas a una exposición deslumbrante de pintura, dibujo, textiles, escultura y grabado, la "Colección de Arte Avianca" de la que es depositario el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

 

XXXIII Aniversario de la fundación del Museo Rayo - Artes de Asia
Estampas Japonesas - Takashi Murakami - Omar Rayo y Japón - Carteles Maoístas - Omar Rayo y China - Estamapas populares de la India - Omikuji, Omar Rayo museo del Intaglio.


2013


Miro y Dalí, Gráficas y esculturas - Victor Vasarely, Gráficas
Exposiciones inauguradas el 23 de noviembre del 2013, cerrando el ciclo de exposiciones de ese año. La serie de gráficas de Miró y las esculturas, películas y obras seriadas de Dalí vuelven a través de sus opuestos planteamientos a introducirnos en las entrañas del Surrealismo. Por otro lado, Vasarely y Bach unidos por una idea donde el rigor y la geometría son el motivo para la evocación, la invitación a la espiritualidad y la consecución de un equilibrio mediante el ejercicio de la sensibilidad.

 

Liliana Porter - Graficas y videos
La propuesta siempre inquietante y poética de Liliana Porter, con razón se la ha relacionado con la construcción literaria de su compatriota Jorge Luis Borges, maestro de los enigmas y de la imaginación como ejercicio que reivindica el poder de los juegos mentales.

 

Artístas argentinos - Colección del Museo Rayo
Las distintas direcciones estéticas y conceptuales que animaron a estos diversos creadores de diferentes generaciones a materializar sus obras, con el papel como soporte, evidencian la capacidad inventiva y la multiplicidad referencial que animaron la producción central en este lapso de tiempo, capítulo indispensable no solo al interior del arte argentino sino del latinoamericano.

 

Niki de Saint Phalle - Esculturas y grafica
El universo de Niki de Saint Phalle esta en la obra del imaginario infantil, lo que hace que no solo este pensando en homenajes voluntarios a Matisse si no en la lluvia, los pequeños monstruos o el tarot para volcarlos a su inconfundible estilo tan suspicaz como optimista y desmitificador.