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MUSEO RAYO
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2020


Francisco de Goya

Los caprichos

 

Francisco de Goya y Lucientes es uno de los artistas más polifacéticos y prolíficos de la historia del arte. Vivió en los grandes cambios operados entre la segunda mitad del siglo XVIII y las primera décadas del siglo siguiente. Pudo ser un pintor que se movía en distintas tendencias aportando en todas: costumbrista, cortesano, neoclásico y romántico. Se anticipó a si mismo a los postulados de épocas futuras y con razón los expresionistas y surrealistas lo consideran un referente y precursor.

Igual que Velásquez pudo convertirse en un pintor de corte y desarrollar su trabajo en Madrid. Aunque había nacido en Fuendetodos, provincia de Zaragoza en 1746. El ímpetu de la obra de Goya tuvo muchos referentes y argumentos, fue pintor religioso, de retratos, de costumbres, al tiempo expresó sus opiniones políticas y sociales, e influido por la era de la Ilustración fue crítico mordaz de sus contemporáneos.

Pero toda la carrera deslumbrante como pintor no fue su √ļnica caracter√≠stica. Se convirti√≥ gracias a sus series de grabados en uno de los oficiantes m√°s importantes en este g√©nero solo comparable con Durero en el Renacimiento, Rembrandt en el Barroco y Picasso en la Modernidad. Las series donde Goya se manifiesta como maestro del grabado en su orden son Los Caprichos, Los Desastres de la guerra, La Tauromaquia y Los Disparates.

Presentamos en esta ocasión una selección de cincuenta y seis Caprichos de los ochenta existentes. En ellos se puede observar el tono satírico con que el autor aborda temas que caricaturizan a la aristocracia y el clero. Su espíritu es contrario al fanatismo religioso, las supersticiones, la inquisición. A cambio se manifiestan aspiraciones por unas leyes más justas y por renovar los sistemas educativos. Las estampas se realizaron con técnicas mixtas de grabado en metal que incluyen aguafuerte, aguatinta y punta seca.

Los caprichos se editaron por primera vez en 1799. El artista retiró la edición por temor a la Santa Inquisición y solamente estuvieron a la venta catorce días. En 1803, para salvar el conjunto decidió entregar los doscientos cuarenta ejemplares disponibles al rey Carlos IV junto con las planchas con destino a la Real Calcografía, donde actualmente se conservan, a cambio de una pensión vitalicia para su hijo.

Los Caprichos han inspirado a distintas generaciones de artistas y son un vívido testimonio crítico sobre la sociedad humana, no solo la de su tiempo, sino la de cualquier geografía y circunstancia. Su capacidad para conmover, advertir, poner en tela de juicio e interrogar sigue intacta. Eso hace que su personalidad y mensaje nos sea muy próximo. Goya padeció sordera y finalmente retirado murió en Burdeos, Francia, en 1828.

 

 

La transformación del paisaje

COLECCI√ďN PROYECTO BACHU√Č

 

Para conmemorar los treinta y nueve a√Īos de este museo presentamos en esta ocasi√≥n la muy completa colecci√≥n de paisaje colombiano del Proyecto Bachu√© de Bogot√°. El paisaje es tal vez una de las mayores fortalezas de esta pinacoteca. La exhibici√≥n abarca desde finales del siglo XIX con artistas como el norteamericano Frederic Edwin Church, el italiano Giovanni Ferroni y el espa√Īol Luis de Llanos con obras donde todos representan casualmente im√°genes del R√≠o Magdalena.

Est√°n presentes representantes de la academia como Ricardo Acevedo Bernal, Francisco Antonio Cano, Roberto P√°ramo, as√≠ como los practicantes del paisaje contemplativo Ricardo Borrero √Ālvarez, Ricardo G√≥mez Campuzano, Jes√ļs Mar√≠a Zamora. Tambi√©n el introductor de las ideas impresionistas y post impresionistas Andr√©s de Santa Mar√≠a.

Entre los modernos que apuntaron nuevas versiones de lo nacional est√°n Luis Alberto Acu√Īa, Gonzalo Ariza, Ignacio G√≥mez Jaramillo, Alipio Jaramillo, Marco Ospina, Jorge El√≠as Triana, Sergio Trujillo Magnenat. Est√°n representados tambi√©n la generaci√≥n siguiente: Alejandro Obreg√≥n, David Manzur, Eduardo Ram√≠rez Villamizar, Guillermo Wiedemann. Y un grupo m√°s reciente donde se pueden ver obras de Beatriz Daza, Ana Mercedes Hoyos, Juan Antonio Roda, Cecilia Porras, Carlos Rojas, Augusto Rivera, Antonio Barrera, Ethel Gilmour, Hernando del Villar.

Conforman esta exhibici√≥n as√≠ mismo las obras de Segundo Agelvis, Gustavo Arcila, Pierre Daguet, Miguel D√≠az Vargas, F√≠dolo Alfonso Gonz√°lez Camargo, Dar√≠o Jim√©nez, Erwin Kraus, No√© Le√≥n, Coroliano Leudo, Domingo Moreno Otero, Luis N√ļ√Īez Borda, Eugenio Pe√Īa, Adolfo Samper, Blanca Sinisterra y Rafael Tavera.

El paisaje revela la conciencia sobre la existencia de la naturaleza que los artistas tienen para convertir este aspecto en el centro de sus argumentaciones. Las motivaciones son de distinto orden, desde el anhelo de documentar y capturar la belleza hasta el compromiso por generar una conciencia de lo nacional. Aunque los artistas de √ļltima generaci√≥n a partir de Obreg√≥n el deseo de experimentar materiales, est√©ticas y formatos los llevaron a repensar lo paisaj√≠stico mediante la estilizaci√≥n, geometrizaci√≥n y abstracci√≥n, produciendo obras cuyo resultado final no era un paisaje en si mismo sino un medio para la reflexi√≥n y cuestionamiento.

El paisaje a trav√©s de los tiempos ha demostrado ser un g√©nero indispensable a lo largo de la historia. Su capacidad de se√Īalar, recrear, enfatizar y documentar ha sido su carta de presentaci√≥n m√°s eficaz.

Casual o ir√≥nicamente el paisaje, su conservaci√≥n y preservaci√≥n ahora est√° en el ojo del hurac√°n, cuando estamos viendo los dram√°ticos resultados del calentamiento global. Ya esos nevados se est√°n descongelando, los r√≠os reducen su caudal o se contaminan, el bosque tropical disminuye y la selva se incendia. Esperamos que la pintura que representa paisajes no se vaya a convertir en el √ļnico testimonio de la existencia de √©stos.

 

 



2019


 

 

 

 

OMAR RAYO

HUMOR RAYO


El humor es esencia tanto de la obra de Omar Rayo como de su personalidad.¬† En sus conversaciones y entrevistas respond√≠a con frases rel√°mpago d√°ndole vuelta a la pregunta.¬† Su admiraci√≥n por el caricaturista, Ricardo Rend√≥n lo llev√≥ al Caf√© Autom√°tico y a una amistad con Le√≥n de Greiff el gran poeta calamburista.¬† La iniciaci√≥n de Rayo al estudio de las Artes Pl√°sticas fue un curso por correspondencia de Dibujo Cl√°sico y Caricatura en la Escuela Zier de Buenos Aires.¬† As√≠, su talento para el dibujo se ve claramente en sus primeros retratos a l√°piz.¬† Su habilidad para capturar la esencia de las formas y las figuras se manifiesta en las caricaturas para peri√≥dicos y revistas en los 40.¬† Pero antes les hab√≠a ofrecido a los personajes de Roldanillo encontrados en la calle, sus propios rostros transformados por “El ojo que r√≠e”, t√≠tulo de una exposici√≥n en que particip√≥ en Paris.¬† Sus ojos enormes siempre percib√≠an, en todo, la gracia, la contradicci√≥n, la correlaci√≥n ins√≥lita que desencadena la risa.

Esta exposici√≥n pretende mostrar el sentido del humor de Rayo desde su obra m√°s temprana, planteando que toda su producci√≥n hasta la m√°s reciente lo comparte.¬† A√ļn retratos como el de Bertha Singerman muestran rasgos de humor. En el Maderismo de los √ļltimos a√Īos 40 desarroll√≥ su propio estilo y construy√≥ rostros dibujando tablas de madera (Stalin).¬† El Bejuquismo tambi√©n nos envuelve en lianas y ra√≠ces que forman caras y cuerpos (Pablo Neruda).¬† En toda su obra figurativa se encuentran elementos caricaturescos producidos por la l√≠nea mordaz, cada vez m√°s geom√©trica.¬† En las obras de V√≠a Sur figuras humanas, animales y paisajes revelan su esencia (Gato malo). Se ve el eco del Bejuquismo en las l√≠neas fluidas de los cuerpos sinuosos de las F√©minas y Er√≥ticos. Desde el principio, el sentido del humor de Rayo manifiesta un maridaje entre lo abstracto y lo concreto, desafi√°ndonos a adivinar el origen de sus trucos de mago.¬† La corriente l√ļdica viene de muy temprano en sus dibujos, monotipias y pinturas de ni√Īos, que se construyen con formas el√≠pticas o triangulares (Ni√Īo dormido), algunos juegan con baleros, pajaritos de papel o montan en patineta.¬† Parecen ni√Īos reales, pero son geom√©tricos y en eso reside su gracia.¬†

En los 60, entre M√©xico y Nueva York, nuestro artista experiment√≥ con diversas propuestas pl√°sticas. En el Pop Art encontr√≥ el eco de los bodegones tempranos y los intaglios en cuya blancura inicial se encuentra la s√≠ntesis de su forma.¬† Sus pinturas llamadas abstractas son en realidad cintas dobladas o tejidas que se van extendiendo en lienzos irregulares donde, liberadas del cuadrado, vuelan como aviones de papel (La patinadora).¬† El papel recortado o en origami es tema de acr√≠licos donde el doblez sombreado define el estilo rayesco. As√≠ como las rayas vibrantes del Op (A hill Called Sabika), el juego del trampantojo producido por las sombras convierte una forma en un objeto quiz√°s juguete o puzle (Los juguetes de Mateo).¬† Para introducirnos en este juego, el artista agregaba objetos reales como rodillos y perillas (Hadiririon), dando la impresi√≥m que la cinta es real.¬† Las perillas en pinturas con nombre de √°ngel los transforman en construcciones enigm√°ticas con gavetas secretas. Una Criatura abisal lleva tent√°culos hechos de tiras de tela. Rayo nos enga√Īa tambi√©n con realistas pa√Īuelos ondulantes (Ola Zen) y formas acolchonadas agreg√°ndoles “ombligos “de sombra para recalcar su mullidez.

En los 70 construy√≥ un lenguaje acerca de lo modular expresado en una teor√≠a para construir cuadros con “m√≥dulos” repetidos y combinados de diferentes maneras.¬†¬† Cuando presentaba “Lluvia”, pon√≠a a su pie, en un juego conceptual, un paraguas abierto. En el nuevo milenio, una mesa de madera con botellas de diferentes colores se introduce debajo de una obra multicolor de la serie “Corteza del Arco Iris”.¬† Rayo llamaba “Poes√≠a visual” estas yuxtaposiciones.¬†¬† En t√≠tulos como Cilindromes, vemos el cruce entre la palabra y la imagen. Quiz√°s esta sea la clave del “Humor Rayo” ‚Äďla poes√≠a que se asoma como un espejismo entre las formas tan concretas como abstractas.

 

 

 

OMAR RAYO

HUMOR RAYO

Omar Rayo descubrió el intaglio cuando ya tenía el sentido del humor completamente desarrollado. Su obra de los 40 y 50 daba evidencia de su habilidad por la caricatura.  Cuando llegó a México en el 59 aplicó el imaginario de su viaje por Suramérica a sus primeros aguafuertes, puntasecas, aguatintas y mezzotintas. 

El descubrimiento de las posibilidades del intaglio ocurri√≥ de noche en el taller de La Esmeralda, en M√©xico. Se le hab√≠an olvidado a Rayo sus planchas de cobre y cinc.¬† Entonces se le ocurri√≥ pasar unos objetos por el t√≥rculo a ver qu√© pasaba y ocurri√≥ el momento “¬°Eureka!”¬† Los objetos, el rev√©s de su huella en relieve adquirieron un aura de misterio diferente.¬† Puntillas, cuerdas anudadas, gasa para limpiar la plancha, se volvieron protagonistas.¬† Se percib√≠a su belleza intr√≠nseca, sus posibilidades como peque√Īos dioses antes desapercibidos.¬† Adem√°s, ocurr√≠a otra cosa.¬† Verlos as√≠ causaba una sonrisa, la del descubrimiento de una nueva manera de conocer un mundo antes invisible. Los intaglios expresaban una paradoja visual que en la pintura era trampantojo.¬† El rev√©s de una huella es algo que nunca podemos percibir en la realidad.¬† Esta conciencia hizo que este artista jugara con el concepto y escogiera como sujetos figuras en los que cambiaba las proporciones, doblaba una esquina o hac√≠a huecos ilusorios.¬† El protagonismo de las cosas insignificantes coincidi√≥ con el auge del Arte Pop en Nueva York, adonde lleg√≥ Rayo con carpetas llenas de intaglios.¬†

En esta exposici√≥n que pretende seguir el hilo del humor en el grabado con referencia a la muestra de la pintura del mismo t√≠tulo.¬† Ofrecemos intaglios de todas las √©pocas en los que se puede ver el “ojo que r√≠e” de Omar Rayo.¬† Desde el principio las im√°genes en relieve, inicialmente completamente blancas, se refer√≠an a su soporte, el papel.¬† Rayo dedic√≥ unas frases po√©ticas sobre la emoci√≥n que le produc√≠a extraer la imagen del silencio blanco de la hoja.¬† Los grabados hechos en M√©xico 59 a 60 son una mezcla tem√°tica.¬† Hay paisajes y bodegones similares a las pinturas de Via Sur, pero a estos les agrega, una esquina doblada, un hueco hecho de niveles que imita la huella que se encuentra al dorso de la hoja.¬† Iron√≠as y sutilezas que se refieren a la naturaleza del medio. Los objetos crecen y se vuelven gigantes en la blancura del papel.¬† Esta √©poca, de los primeros a√Īos en Nueva York, fue denominada “Pop,” por la cr√≠tica del momento.

La segunda fase del Pop rayesco es la serie “Papel herido,” donde los objetos sangran.¬† Una gota roja aplicada con pochoir, convierte la obra en un comentario mordaz; la sierra es “Mata-palo,” el l√°piz, Corresponsal de Guerra,” y los ganchos de nodriza, “Traumas de la infancia.”¬†¬† Hay una serie en que juega con la figura femenina a la que agrega, cintas, lazos y detalles pintados como “Waiting for Anthony,” refiri√©ndose a Cleopatra.¬† Estas F√©minas y tambi√©n los er√≥ticos dependen de su l√≠nea limpia casi abstracta y sinuosa nacida en la caricatura y el Bejuquismo para su impacto. Otros grabados representan animales titulados “Sarita’s Zoo.”¬†¬† Ellos, por muy geom√©tricos son juguetes con toda su gracia.¬† Igual que en la pintura que representa papeles doblados, hay grabados Origami y otros papeles doblados japoneses.¬† En los 90, antes de dejar de grabar, Rayo combinaba objetos, animales, f√©minas para producir transformers chistos√≠simos, entre ellos los Cilindromes que se insertan por ejemplo en la imagen de una tijera de triple hoja cil√≠ndrica.¬† Como la met√°fora po√©tica nos produce una revelaci√≥n de c√≥mo est√°n conectadas las cosas m√°s dis√≠miles, el humor rayo nos despierta a lo real milagroso en los objetos y los seres que representa.


 

 

 

 

Nueve Pintores Contempor√°neos Cubanos


El arte y los artistas de Cuba tienen un especial inter√©s tanto para nuestra colecci√≥n como para el programa de exhibiciones. Recientemente realizamos una exposici√≥n de Wifredo Lam. En esta ocasi√≥n tenemos la oportunidad de presentar pinturas en gran formato de nueve artistas de la isla que como sucede com√ļnmente en los √ļltimos tiempos son creadores que viven intermitentemente entre La Habana y ciudad de M√©xico.
La pintura contemporánea en Cuba es particularmente potente y se problematiza sobre las carencias y contradicciones que vive la isla. El arte está atento a situaciones como el aislamiento, las relaciones con Estados Unidos, el poco mantenimiento urbano, la precariedad tecnológica, al tiempo que es consciente de las tradiciones ancestrales, el cruce de culturas, la sensualidad, el ritmo y también un especial sentido del humor.
En las diecinueve piezas que conforman la exhibición se verifica la alta calidad técnica de los trabajos, la mayoría de ellos realizados en óleo, aunque hay también en procedimientos mixtos, acrílico, carbón sobre lienzo. Pero las obras no se detienen en su eficacia técnica, sino que advierten sobre distintos mensajes particularmente encriptados y que van camuflados a comentar sobre la sociedad de consumo, la industria antiecológica, las barreras políticas y las diferencias socio económicas. Como sabemos el arte no da soluciones a los problemas, pero si los tiene en cuenta y muchas veces ellos se convierten en el mayor insumo argumental.
Los nueve artistas cubanos contempor√°neos que conforman esta exhibici√≥n son: Alonso Luis Alayo, nacido en Camag√ľey en 1972, Manuel Antonio √Ālvarez Suazo (Lol√≥), natural de la capital cubana 1976, Aliosha Ara√ļl Boull√≥n, procedente de la misma ciudad 1973, Dionel Delgado Gonz√°lez, tambi√©n habanero 1983, igual que Raciel Ignacio G√≥mez Golpe nacido en 1978, Yaumil Hern√°ndez Gil nacido en 1972, Carlos Quintana nacido en 1966, Joel Corrales M√°rquez, nacido en 1985 y Saskia Verger nacida en 1975. Todos han pasado para su formaci√≥n por la Academia de San Alejandro en La Habana que debemos recordar es uno de los lugares de formaci√≥n art√≠stica m√°s antiguo de Latinoam√©rica.
Todas las pinturas son figurativas y se esfuerzan por generar met√°foras y comentarios de orden existencial. Se pueden observar si actitudes como la del expresionismo, surrealismo y arte pop se hibridizan y se manifiestan en obras que sin renunciar a las referencias producen potentes im√°genes personales. Las propuestas de los distintos artistas se√Īalan contrastes de pensamiento y singularidad en la evocaci√≥n de las distintas im√°genes. Son ejemplos de la diversidad de arte cubano de hoy.


 

 

 

Javier Caraballo

 

El arte sobre el arte se manifiesta en la pintura de Javier Caraballo, nacido en Barranquilla en 1985. Su asombrosa t√©cnica no solo le permite retratar de manera cierta y minuciosa los ni√Īos que son los coprotagonistas de sus trabajos, sino las reconocidas obras de arte de artistas del siglo XX como Paul C√©zanne, Pablo Picasso, Salvador Dal√≠, Takashi Murakami, Andy Warhol, aunque tambi√©n podemos ver a infantes en acci√≥n sobre obras seminales del siglo XIX como la puesta del sol de Claude Monet y el cuarto del artista en Arl√©s de Vincent Van Gogh.

Pero la reconstrucci√≥n hiperrealista de las pinturas al √≥leo es solamente uno de los ingredientes porque Caraballo es capaz de generar sorpresa e intriga en las escenas que plantea. Al enfrentar a los infantes a las distintas obras reconocidas de la historia del arte provoca situaciones inquietantes porque muchas veces los ni√Īos intervienen las reconocidas obras maestras en un acto que algunos llamar√≠an vand√°lico y otros solamente inocentes gestos. A la persistencia de la memoria daliniana una ni√Īa agrupa sus ingenuas flores, nubes b√°sicas a lo que otra est√° disponiendo sobre la tela de Monet, as√≠ mismo al cuarto de Van Gogh se agrega un cami√≥n esquem√°tico, a la Coca Cola de Warhol l√≠neas amarillas y una ni√Īa repinta el Murakami. As√≠ mismo hay dos lienzos de las series de cajas donde ni√Īos aparecen con este dispositivo cubriendo sus rostros y en ellas im√°genes de C√©zanne y Picasso.

Estos juegos infantiles que se producen evidentemente con obras de arte consiguen no solamente crear un conflicto visual, sino que pretenden hacer comentarios humorísticos no exentos de paradoja y nostalgia.

Javier Caraballo estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barranquilla, ha participado por exhibiciones colectivas desde el 2002 y celebrado exposiciones en solitario desde el 2009, la presente es la sexta muestra individual de su carrera.

La pintura de Javier Caraballo esta para actuar no solo con la memoria al reclamar recuerdos y erudici√≥n, sino que desea desacralizar los trabajos art√≠sticos y convertirlos en motivos para intervenir. √Čl deja que sus ni√Īos usen estos cuadros como tableros figurativos a los cuales se les es permitido usar. Pensemos que los infantes ignoran los autores y lo que significan estas obras por sus mayores informados.

El pintor y dibujante vive y trabaja en su ciudad natal.


 

 

Wifredo Lam

 

Wifredo Lam y Roberto Sebastián Matta son los dos artistas latinoamericanos directamente relacionados con el surrealismo histórico. Ambos usaron formas biomorficas, ambiguas y sugerentes para solucionar sus planteamientos visuales. Presentamos en esta ocasión una exhibición de obras tardías de Lam a través de la gráfica, un vehículo que le llamó poderosamente la atención desde la década del sesenta hasta su muerte.

Lam es un apellido chino de un inmigrante canton√©s que viv√≠a casado en Sagua La Grande Cuba en 1902 cuando naci√≥ Wifredo, con un a mestiza afro-espa√Īola. En 1916 su familia se traslad√≥ a La Habana, se inscribe en la Escuela Profesional de Pintura y Escultura donde estudia hasta 1923, en ese a√Īo recibe una beca para estudiar en Europa y se radica en Espa√Īa durante 14 a√Īos. Esta estancia fue fundamental para el artista que pudo conocer de primera mano las obras de Prado y del Museo Arqueol√≥gico. All√≠ por primera vez observa correlaciones entre el arte occidental y el llamado “primitivo”. En 1936 se une a las fuerzas republicanas.

En 1938 se traslada a París conoce a Picasso quien le presenta a otras personalidades como Braque, Matisse, Miró, Léger, Eluard, Tzara. La Galería Pierre de esta capital celebra su primera exhibición individual en 1939.

Antes de la llegada de los alemanes a la capital francesa Lam sale hacia Burdeos y Marsella. En la Quinta Air-Bel agrupados alrededor de André Breton se unen espíritus creadores como René Char, Max Ernst, Victor Brauner, Oscar Dominguez, André Masson y Benjamín Péret. En 1941 ilustra el poema de Breton Fata Morgana. Luego se embarca rumbo a Martinica junto con 300 artistas e intelectuales. Antes de retornar a La Habana donde se interesa por los ritos afrocubanos y pinta mucha de sus más importantes obras encabezada por La Jungla de 1942.

En 1946 visita Hait√≠ y asiste a ceremonias vud√ļ. A prop√≥sito de esta experiencia declarar√°: “La gente cree sin raz√≥n que mi obra tom√≥ su forma definitiva en Hait√≠. Mi estancia all√° la extendi√≥ solamente, como el viaje que hice a Venezuela, Colombia y el Mato Grosso brasile√Īo. Hab√≠a podido ser un buen pintor de la Escuela de Par√≠s, pero me sent√≠a como un caracol fuera de su concha. Lo que verdaderamente extendi√≥ mi pintura, fue la presencia de la poes√≠a africana”.

Lam mantuvo siempre contacto con Cuba a pesar de que fijó su residencia en Europa. Simpatizó con la Revolución y después de su muerte ocurrida en París en 1982 sus cenizas fueron trasladadas a La Habana y enterradas en el Panteón de los Héroes.

Las presentes serigrafías y litografías de Lam ilustran no solo las características de su estilo sino su entusiasmo por el arte seriado.

 

Francisco Toledo


El arte mexicano y sus artistas tiene una representación en nuestra colección con obras que incluyen a Rufino Tamayo, José Luis Cuevas, Luis López Loza, Manuel Felguérez, Pedro Coronel, Juan Soriano, Gunther Gerzso, Mathías Goeritz y otros, entre ellos Francisco Toledo, del cual tenemos ocho obras en nuestro acervo. Esta es la primera muestra en solitario de este artista en nuestro museo.

Toledo nació en Juchitán, Oaxaca en 1940. Estudió en el Taller libre de grabado en ciudad de México y en taller de William Hayter en París. Exhibe individualmente desde 1959. Su personalidad es multifacética y además de ser un artista plástico destacado como pintor, grabador y ceramista es un activista de izquierda, luchador social, ambientalista, promotor cultural y filántropo. Su misión ha estado orientada a la educación artística, a generar oportunidades y al cuidado del medio ambiente.

Un listado elocuente de su entrega a lo educacional en distintas direcciones es el impresionante listado de sus iniciativas: Centro de las artes San Agustín, Centro ecológico, Biblioteca para invidentes, Centro fotográfico, Museo de Arte Contemporáneo, Cine Club, Jardín etnobotánico, Fototeca, Biblioteca Casa de matemáticas y dos revistas: Guchachi Reza (Iguana Rajada) y Alcaraván, entre muchas otras, todas en Oaxaca.

Pese a su reticenia de los homenajes p√ļblicos Toledo se ha hecho acreedor a distintos reconocimientos como el Premio Pr√≠ncipe Claus, el Right Livelihood, el doctorado de la Universidad Aut√≥noma Benito Juarez, el Premio Princesa de Asturias.

Sus intereses diversos al usar el collage, la pintura, el dibujo y la gr√°fica est√°n concentrados en delatar diversos aspectos del arte popular mexicano, del dise√Īo prehisp√°nico y las ideas surreales. Las creencias de lo ritual y lo m√°gico han ido colaborando a su iconograf√≠a donde los elementos fant√°sticos parecen ocupar el principal protagonismo. La reiterada persistencia en una argumentaci√≥n imaginativa y la permanente investigaci√≥n de insinuantes gamas de color, han convertido sus im√°genes en una de las m√°s sugestivas del arte latinoamericano.

En la presente exhibición pretendemos ilustrar tres prácticas de la producción gráfica de Toledo, por un lado, los estarridos o esténciles que muestran animales fantaseados mediante una técnica que consiste en estampar algo mediante la utilización de una plantilla la cual recibe la tinta para que forje la silueta. Igualmente presentamos gráficas resultado de planchas de metal, disciplina en la cual Toledo es un reconocido maestro. El tercer aspecto son los papalotes, nombre que se les da a las cometas en México, una castellanización de la palabra Náhuatl que significa mariposa y que tradicionalmente relaciona el mundo de los vivos con los espíritus de los animales y las personas que se fueron.

Francisco Toledo es uno de los artistas mexicanos m√°s importantes al cual los historiadores sit√ļan en la generaci√≥n de ruptura a mediados del siglo XX. Aunque √©l siempre ha difundido su singularidad. Vive y trabaja en Oaxaca.

 

Pedro √Āngel


La escultura ha continuado practicándose pese a la desmaterialización de la imagen y también a su concepto expandido que la llevó a exasperar sus bordes. Las obras con volumen, tridimensionalidad y realizadas en materiales duros y en la contemporaneidad también blandos generalmente se clasifican como proyectos escultóricos. Aunque la escultura expandida ha transitado por el paisaje, el perfomance y la instalación.

Presentamos en esta ocasi√≥n un grupo de esculturas formalistas realizadas en metal. Para ser m√°s exactos en l√°mina de hierro HDR de 3 mil√≠metros, dise√Īadas previamente en computador de donde se env√≠an para ser cortadas en CMD l√°ser, ensambladas con soldadura el√©ctrica y finalmente pintadas con poliuretano. El autor de estas obras es Pedro √Āngel, nacido en Cali en 1961, con estudios en Par√≠s en varios talleres incluida la Academia de a Grande Chaumi√®re. Ha sido pintor, artista gr√°fico y escultor.

Las presentes esculturas deben sus formas iniciales a las pinturas que las precedieron. Para eso se han vectorizado con dise√Īo en 3D. Los m√≥dulos resultantes se generan en medias circunferencias, los cuales son esenciales para armar las composiciones pol√≠cromas. La repetici√≥n de esos patrones y sus diferentes estrategias composicionales hacen relacionar estos trabajos con la fractalidad.

Las esculturas est√°n sostenidas y se unen a una base. La superficie del metal esta pintada de vivos colores que resaltan e individualizan cada m√≥dulo. Las piezas est√°n dise√Īadas para ser recorridas a su alrededor y esto hace que no tengan lados preferentes, as√≠ mismo ese recorrido puede ilustrar el juego de llenos y vac√≠os que las obras poseen.

Pedro √Āngel paralelamente a su trabajo creativo se dedica a la docencia. Vive y trabaja en Roldanillo.

 

Adriana Marmorek

 

Presentamos por primera vez el trabajo de Adriana Marmorek en esta exhibici√≥n individual para revelar los intereses de su obra que giran alrededor de la mujer, sus sentimientos, p√©rdidas y sufrimiento. Su obra es un proceso cambiante que incluye la convocatoria p√ļblica, la recolecci√≥n de objetos, la quema de los mismos. Ritualiza situaciones evocando alegor√≠as dram√°ticas que se refieren al exorcismo y el duelo.
Adriana Marmorek naci√≥ en Bogot√° en 1969, ciudad donde actualmente vive y trabaja. Estudi√≥ comunicaci√≥n social en la Universidad Javeriana y artes pl√°sticas en la Universidad Nacional de Colombia, ambas en Bogot√°. Ha realizado hasta el momento veinte exposiciones individuales en Quito, Bogot√°, Nueva York, Medell√≠n, Viena, Cartagena y Washington. As√≠ mismo ha participado en muestras grupales desde el a√Īo 2000 en ciudades como Nueva York, Cali, Bogot√°, Cartagena, Buenos Aires, Bruselas, Medellin, Lecce, La Habana, Viena, Bregenz, Ruse, Wichita, Miami, Wisconsin, Boston y Madrid.
Las obras de Adriana Marmorek que conforman la exhibici√≥n incluyen objetos y videos, as√≠ como tambi√©n tarjetas que el p√ļblico puede escribir, invitando as√≠ a una actividad participativa. Su arte est√° compuesto, inspirado y materializado a partir del recuerdo de los dem√°s. Y para eso el amor y el desamor son los detonantes que sesgan el deseo. Esta actividad est√° consignada en obras como Reliquia, Osario de amores y los videos de quemas, siendo el m√°s emblem√°tico el que ense√Īa un vestido de novia inciner√°ndose.
Las an√©cdotas de vida de los otros parece ser el insumo principal para la obra de Adriana Marmorek, quien desde una perspectiva femenina empodera a otras mujeres para que compartan sentimientos y pasiones privadas. Este es un proyecto en permanente transformaci√≥n que lleva seis a√Īos gest√°ndose, transform√°ndose y enriqueci√©ndose.¬†
La propuesta de Adriana Marmorek es inseparable de la participación de los demás para existir, Si bien logra un aliento poético y determina alegorías en torno a la pérdida, también persuade sobre la fragilidad de la condición humana y sus sentimientos. El vestido de novia que se convierte en cenizas es inseparable de la idea crítica en torno al matrimonio y a la condición de la mujer dentro de él.

 

 

Karen Lamassonne


Presentamos en esta ocasión la exhibición individual compuesta por obra gráfica y acuarelas de Karen Lamassonne, una artista multifacética que ha trabajado no solamente la pintura, sino el cine, la fotografía y el video. De padre argentino y madre colombiana, ha vivido en su ciudad natal Nueva York y también en Bogotá, París, Cali, Roma y Atlanta donde actualmente ha fijado su residencia y taller.

Karen Lamassonne naci√≥ en Nueva York en 1954. Hizo su primera exhibici√≥n individual en 1974 y esta es la treceava muestra en solitario. Desde 1976 participa en exposiciones colectivas, en 2017 hizo parte de la exhibici√≥n Mujeres Radicales de Am√©rica Latina que estuvo en Los √Āngeles, Nueva York y Sao Paulo.

Esta es la primera vez que exhibimos el trabajo interiorista y autobiogr√°fico de Lamassonne en este museo. Para la ocasi√≥n se ha reunido trabajos elaborados entre los a√Īos 1976 y 1981, √©poca de nutrida producci√≥n. Revindicamos aqu√≠ las obras hechas sobre papel tan cercanas a la colecci√≥n de este museo con un acervo esencialmente de dibujo y grabado.

La obra de Karen Lamassonne registra ante todo objetos y ambientes de su entorno. Representa no solo lo que ve sino lo que la rodea. Esto da como resultado unas representaciones de su entorno privado, tratadas con gran simplicidad y sin artilugios. Su figuración realista en este sentido no solo hace un levantamiento de su entorno, sino que se erige como un diario íntimo.

Las im√°genes son un recorrido por los lugares habitados y vividos: la cocina y la biblioteca del apartamento en Par√≠s, rincones y espejos capturados en Bogot√°, ba√Īos producidos en Cali. Seguramente ese inter√©s por el interiorismo la llev√≥ a participar como directora art√≠stica de pel√≠culas materializando sus ideas a trav√©s de las im√°genes en movimiento.

La propuesta de Karen Lamassonne es reposada y sincera. Reconstruye los argumentos con fluidez y tacto en el color consiguiendo composiciones que hablan de calma y tranquilidad.

 

 

DAR√ćO ORTIZ

 

Presentamos por primera vez una exhibición de pinturas del artista Darío Ortiz nacido en Ibagué en 1968 y quien comenzó a exhibir desde inicios de la década de los ochenta del siglo pasado. Autodidacta, ha podido desarrollar asombrosas habilidades y destrezas para construir una pintura que recree el mundo contemporáneo pero que parece estar referida a la historia del arte, especialmente al período Barroco del siglo XVII.

Dar√≠o Ortiz, aparte de pintor ha sido un entusiasta coleccionista de arte colombiano y en su ciudad natal fund√≥ el Museo de Arte del Tolima. Ha realizado exhibiciones individuales desde 1988 en distintas capitales como Bogot√°, Par√≠s, Weitra, Alano, Viena, Caracas, Miami, Medell√≠n, Guayaquil, Quito, Cuenca, Shengzhou, Buenos Aires, Santo Domingo, Guanajuato, Toluca, Ciudad de M√©xico y M√©rida. As√≠ mismo desde 1986 comenz√≥ a participar en muestras colectivas en m√°s de doscientos lugares de distintos continentes. Este a√Īo participar√° en la Bienal de Venecia en el pabell√≥n de San Marino.

La presente exhibici√≥n ense√Īa obras realizadas entre los a√Īos 2005 al 2018, ejemplificando muchos de los intereses argumentales, composicionales y de virtuosismo que caracterizan su producci√≥n. Se podr√°n ver lienzos como: F√°bula de los hermanos, Espalda, Clave italiana y Ultramar franc√©s, La joven del bluy√≠n roto, Los pretendientes, Academia de Dibujo, El moralista y sus hijas y Suite Florenter√≠a. En ellas se explora composiciones estudiadas donde los modelos adoptan posturas que, si bien recuerdan la pintura hist√≥rica, por sus atuendos y fisonom√≠as nos trasladan a la actualidad.

El realismo es indudablemente el tono dominante en su estilo, pero en las diferentes escenas logradas se presenta una cierta intriga por saber el verdadero destino de los retratados quienes acuden al llamado del pintor para posar y hacer parte de argumentos que no est√°n exentos de teatralidad.

Los argumentos tratados en su t√©cnica impecable desean tambi√©n motivar al espectador y producir inquietantes reflexiones en cuanto las verdaderas intenciones de los que realmente sucede en el cubo esc√©nico. La intriga que suscitan los personajes y sus actitudes se convierten en uno de los aspectos atractivos de estas obras donde el despliegue de imitaci√≥n en las telas, el manejo de la luz y los vol√ļmenes producen asombro en el observador.

Darío Ortiz desafía con sus obras muchas de las teorías del arte contemporáneo y propone a su manera seguir manejando los valores de la tradición de la pintura y defendiendo el parecido y la reconstrucción como un ejercicio de empoderamiento.

 

MARIO V√ČLEZ

Presentamos por primera vez en este museo el trabajo del artista antioque√Īo Mario V√©lez, uno de los pintores colombianos m√°s importantes surgido en la √ļltima d√©cada del siglo pasado. Ofrecemos en esta ocasi√≥n ejemplos de varias de sus series pict√≥ricas donde los grandes formatos, el color, la composici√≥n, ejemplifican obras aparentemente abstractas pero que dejan ver sin embargo formas que gravitan en el espacio y que se plantean como alegor√≠as con acentos metaf√≠sicos.
Su escolaridad comprende no solo la Universidad Nacional de Colombia en Medell√≠n sino su estancia en Viena donde estudi√≥ en la Universidad de Artes Pl√°sticas e igualmente en Berl√≠n donde curs√≥ una maestr√≠a en pintura en la Universidad de esa capital. Su obra comenz√≥ a mostrarse en exhibiciones colectivas desde 1989 y su primera exposici√≥n individual se llev√≥ a cabo al a√Īo siguiente. Sus propuestas se han podido ver en Mil√°n, Medell√≠n, Viena, Berl√≠n, Oreg√≥n, Munich, M√©xico, Miami, Tokio, Los √Āngeles, Washington, Perugia, Panam√°, Bogot√°, Zurich y Nueva York.
Varios intereses han motivado al artista en el planteamiento de sus argumentos y en la realización de su obra. Entre ellos debemos considerar su curiosidad por el arte prehispánico, igualmente su fascinación por los expresionismos históricos alemanes de la modernidad, igualmente su acercamiento e identificación con la pintura norteamericana de expresionismo abstracto, en particular la escuela de Nueva York. Pero estos referentes no han hecho más que enriquecer su propuesta llevándola a producir una obra imaginativa y propositiva.
Su pintura ense√Īa un mundo astral anhelante, sugiere constelaciones en perpetuo movimiento, pero sin embargo no conoce limitaciones interpretativas. En la presente exhibici√≥n nos concentramos b√°sicamente en dos series: Eterna Primavera de la cual ofrecemos media docena de lienzos en gran formato donde formas ovoides parecen gravitar en atm√≥sferas multicrom√°ticas. La variaci√≥n sobre un tema alude tambi√©n a partituras en este caso generando contrapuntos coloridos y formales. Estas pinturas al √≥leo y acr√≠lico fueron realizadas durante el 2011 y 2012.
El otro conjunto presenta pinturas que tienen nombres individuales como: Contrastes, Gravedad, Visión binocular, Rotación o Conciencia dimensional. No es casual que este grupo de cuadros formen parte de su serie Atlas, donde se alude al ser mitológico que sostiene el mundo refiriendo así a lo que su pintura quiere recrear y donde está contenido el movimiento de las masas, la gravitación de las formas al tiempo que el espacio infinito y el agujero negro. La serie es del 2016.
Están presentes en la exhibición dos objetos escultóricos del 2015 elaborados en cuarzo y resina que se plantean como formas en tensión. Las formas ovoides se titulan Fuera de los límites y Muestral. Mario Vélez nació en Medellín en 1968. Vive y trabaja en su ciudad natal.

 

DIEGO MONTOYA

 

La programación de este museo desea ser incluyente y diversa, pero siempre amparada en presentar obras que produzcan pensamiento y que ilustren distintos momentos de la propuesta artística. Uno de los objetivos es poder mostrar no solamente el arte colombiano de distintos períodos de la historia, sino presentar el arte regional. Dentro de ese rublo artistas de Roldanillo quienes en diferentes momentos estuvieron vinculados al museo y así mismo lo han visto crecer. Hoy presentamos la exhibición individual de pinturas de Diego Montoya quien ha fijado su residencia en Zacatecas y ha producido allí esta serie de pinturas que ilustran sobre su propuesta más reciente.

Diego Montoya es autodidacta y desde el comienzo de su incursión en la pintura le interesó la geometría y la abstracción como una práctica a seguir. Su obra ha evolucionado y ahora se ha tornado más dinámica en sus composiciones de variado colorido y diversos tonos planos. Las líneas curvas se van entrelazando generando las composiciones que en esta ocasión se proyectan sobre lienzos que se ensamblan en distintos formatos y hacen que las composiciones parezcan desbordarse.
Su pintura se realiza en acrílico sobre lienzo. Sus composiciones de formas ondulantes se resuelven con colores preponderantemente luminosos, aunque en algunas obras aparezca también el negro y café. Los lienzos irregulares se proyectan en el espacio y algunos situados sobre la diagonal sugieren un particular dinamismo.

√Čl ha titulado esta serie Curvismo para acentuar de alguna manera las peculiares formas dominantes de sus lienzos. √Čl ha dominado la t√©cnica para proponer contornos duros o precisos, ausente de sombras, y en cambio en intrincadas composiciones. Su obra es anti anecd√≥tica y est√° referenciada a la pintura misma. La celebraci√≥n del color y las l√≠neas curvas y festivas parecen ser su principal motivaci√≥n.

Diego Montoya naci√≥ en Roldanillo en 1972. Realiz√≥ su primera exhibici√≥n en el 2001 y ese mismo a√Īo comenz√≥ a participar en muestras grupales. Ha podido mostrar su obra no solo en Colombia y M√©xico sino en Francia, Estados Unidos y Ecuador.

 

CARLOS JACANAMIJOY

 


Carlos Jacanamijoy es uno de los pintores colombianos m√°s destacados aparecidos en la √ļltima d√©cada del siglo XX. Su argumentaci√≥n se ha centrado en la naturaleza haciendo reinterpretaciones simb√≥licas de la selva nacional. A las variaciones crom√°ticas se le suman la captura y variaciones de la luz que se evidencias en sus representaciones.
El artista naci√≥ en Santiago Putumayo en el seno de una importante familia de la comunidad Inga. Realiz√≥ estudios en la Universidad de la Sabana en Bogot√°, en la Universidad de Nari√Īo en Pasto y en la Universidad de la Salle. Obtuvo su t√≠tulo de maestro en artes pl√°sticas en la Universidad de Colombia.


No solo la dedicación y perseverancia en la producción de su obra lo ayudaron a posicionarse. También colaboró la especial condición de pertenecer a una etnia indígena en la década en que se incrementaron las posiciones en torno a la inclusión y a la diversidad. A todo esto, se agregó que el argumento escogido hace continuas referencias al paisaje selvático, pero también a mitos, espejismos, resplandores y distintos elementos que contienen la flora, pero también los juegos interiores relacionados con la magia y la revelación.


La pintura de Jacanamijoy es sugestiva y provoca m√ļltiples lecturas ofreci√©ndole al espectador la posibilidad de la libre interpretaci√≥n. Su figuraci√≥n en ning√ļn momento pretende reconstruir con realismo los elementos del paisaje representado, al contrario, se propuesta desea sugestionar al espectador ofreci√©ndole fantas√≠a, oportunidades de imaginar y posibilidades de adentrarse en formas y cromatismos misteriosos y sugestivos.


En 1994 realiza su primera exhibición individual en el Museo La Tertulia de Cali y desde allí ha podido realizar una carrera ininterrumpida que le ha permitido mostrar sus trabajos en distintas geografías, el Museo Smithsonian de Nueva York y Washington, la Casa de América en Madrid, el Palacio de los Trabajadores en Beijing, el Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra, así como en los museos colombianos.


Esta es la primera vez que se celebra una exposici√≥n de obra en gran formato del artista en este museo. La anterior del 2009 fue de pinturas sobre lienzo y papel de peque√Īo formato realizadas cuando el artista viv√≠a en Nueva York. Las grandes telas presentes generan un espacio envolvente que celebran la inventiva y la imaginaci√≥n como recurso sensible. La pintura de Jacanamijoy es ultra barroca, distribuyendo y esparciendo juegos de luces y reinventando un paisaje emocional.


El artista vive y trabaja en Bogotá, ciudad donde celebró una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en el 2013 y donde tiene su estudio.

 

 

DONNA CONLON - JONATHAN HARKER


Con el ánimo de continuar presentando el arte latinoamericano de distintos momentos de su historia y de diferentes territorios, tenemos en esta ocasión dos artistas provenientes de Panamá. Es la primera vez que mostramos creadores de este país vecino.


Donna Conlon y Jonathan Harker mostraron por primera vez su trabajo colaborativo en video en el 43 Sal√≥n (Inter) Nacional de Artistas presentado en Medell√≠n en el 2013. Estos dos artistas han podido proyectar sus obras en importantes escenarios internacionales como el Instituto de Arte Contempor√°neo de Toronto, el Museo del Barrio en Nueva York, la 8¬į Bienal de Mercosur en Porto Alegre, la XXXI Bienal de Pontevedra, la X Bienal de La Habana y el Palais du Tokyo en Par√≠s, adem√°s de exhibiciones en Centroam√©rica: Guatemala, Costa Rica y Panam√°.


Donna Conlon nació en Atlanta en 1966, estudió biología y escultura y se dio a conocer en la Bienal de Venecia del 2005. Jonathan Harker nació en Quito en 1975, se licenció en literatura, filosofía, cine y video en los Estados Unidos. Participó en la Bienal de Venecia del 2007. Trabajan en forma colaborativa desde el 2006 cada uno aportando experiencias de sus prácticas individuales, pero al final dotando sus resultados de ironía y humor para conseguir una reflexión crítica a conflictos sobre todo de orden ecológico, pero también considerando la poesía.


El video arte ha ocupado la atención de nuestro programa de exhibiciones y estamos muy complacidos de presentar una vez más esta tendencia del arte contemporáneo.


La exhibici√≥n gira en torno a obras que los artistas han concebido pensando en el consumismo y la acumulaci√≥n de residuos. Los videos se concentran en im√°genes puntuales que emanan permanente cr√≠tica pero que tambi√©n se plantean l√ļdicas ante las denuncias que hacen.


En esta ocasi√≥n se han escogido piezas de distintos momentos de su producci√≥n con una preocupaci√≥n evidente por el medio ambiente. Est√°n presentes trabajos fechados desde el 2005 hasta el 2017. El gesto de sacar infinitamente bolsas de pl√°stico de un mismo contenedor en este ejercicio perform√°tico registrando en im√°genes que duran m√°s de cinco minutos titulado M√°s me dan. El mar de botellas verdes, la propuesta titulada Estaci√≥n Seca. Las bolsas de desechos de pl√°sticos que el viento lleva hasta una gran reja que desaparecer√° bajo esta basura en la pieza Brisas de Verano. Las hormigas que transportan billetes de d√≥lares carga de iron√≠a la obra El Basurero. Un gran tapete de pasto sirve de escondite a distintos desechos en la propuesta Bajo la Alfombra. Y, por √ļltimo, una botella de pl√°stico que es utilizada para contener l√≠quidos es arrastrada por la corriente de agua en un trayecto que parece no tener fin en el video Voz a la deriva.

 

 

VICKY NEUMANN

 

Hemos presentado varios ejemplos de pintores colombianos surgidos en esta √ļltima d√©cada del siglo XX. Hoy queremos ampliar ese horizonte exhibiendo de forma individual el trabajo del Vicky Neumann, nacida en Barranquilla en 1963. Ella realiz√≥ estudios en el decenio de los ochenta de pintura, escultura y grabado no solo en la ciudad natal sino en Arlington, Roma y Par√≠s. Comenz√≥ a participar en exhibiciones grupales desde 1987, a√Īo en que igualmente realiz√≥ su primera exhibici√≥n individual.

La expresi√≥n de una pintura libre manifestada en trazos fuertes de colorido espeso es uno de los intereses de la artista, as√≠ como tambi√©n los trasfondos figurativos donde se pueden observar desde escenas cotidianas a reconocidas obras maestras de la historia del arte: dos pintores del barroco italiano como Caravaggio y Cavarozzi y el espa√Īol Goya. Borrar y tachar, subrayar y eclipsar parecen ser los m√≥viles de una pintura vigorosa y emocional que no busca necesariamente prerrogativas en la representaci√≥n.

 

Con esta exhibición son veinticinco las muestras individuales que ha realizado la artista tanto en París, Caracas, Madrid, Lima, Barranquilla, Cartagena, Manizales y Bogotá. Así mismo su participación en muestras grupales es muy nutrida incluyendo salones nacionales y ferias de arte.

Las obras de Vicky Neumann todas regularmente tiene títulos, pero éstos más que ilustrar una situación determinada parecen conducirnos más bien a su enfrentamiento entre el argumento concebido y la solución anárquica con que la pintura y sus amplias zonas de color se dirigen para bloquear lo que la totalidad de la mirada podría abarcar.

La artista ha declarado sobre su producci√≥n: "Ten√≠a que encontrar otra manera de aproximarme a lo concreto, poner los pies en la tierra apropi√°ndome de objetos que me proporcionan placer en s√≠ mismos por sus colores, su materia, su finalidad y el encanto de su banalidad. Este trabajo es seguramente una manera de aferrarme a la vida, a lo que se va quedando atr√°s, pero en el fondo sigue siendo la misma b√ļsqueda de color, de enfrentar miedos, ascos, de correr riesgos, de reivindicar lo desechado, empuercar lo aceptado y, en fin, hacer lo que me da la gana "aqu√≠ dentro de esta lamparita", como dice el genio de Aladino".

La pintura de Vicky Neumann habla de lo que cambia y se destruye, todo a gran velocidad, pero también de la negación de las imágenes muchas veces obsoletas, es su manera de cuestionar su entorno, pero también de advertir sobre la inmediatez y el caos. La artista está radicada en Bogotá.

 

 

EDGAR NEGRET

 


La escultura abstracta en Colombia ha tenido una gran acogida por artistas que la han practicado desde el segundo lustro del siglo XX hasta hoy. El pionero indiscutible fue Edgar Negret, nacido en Popayán en 1920. Al inicio de su carrera que comenzó con sus estudios en la Escuela de Bellas Artes en Cali en 1938, su obra acogió distintos materiales como yeso, luego cerámica, láminas de metal y alambre. En 1944 conoce en su ciudad natal al escultor vasco Jorge Oteiza quien lo informó sobre las tendencias de la escultura moderna.

Al iniciarse la d√©cada de los a√Īos cincuenta Negret vive en Europa durante cinco a√Īos. Su estancia lo llev√≥ a Par√≠s, Barcelona, Madrid y Mallorca, en esta √ļltima ciudad comenz√≥ a hacer obras que semejaban m√°quinas. √Čstas ser√°n el g√©nesis de sus famosos Aparatos M√°gicos realizados en Nueva York de 1955 a 1963. Por primera vez emplea el aluminio como material dominante, pintando su superficie de colores mate: azul, rojo, negro, blanco. Utiliza por primera vez tuercas y tornillos, elementos que no solamente sirven para unir las piezas, sino que van marcando puntos de tensi√≥n. Pero los Aparatos M√°gicos, algunos de pedestal y otros en pared, estaban construidos mediante angulaciones, aunque tambi√©n presentaban curvas y c√≠rculos. Luego de quince a√Īos de ausencia regresa a Colombia en 1963 y su obra se transforma al poder curvar las l√°minas de metal y darles un aspecto m√°s a√©reo. Dise√Īa piezas modulares que se ensamblan y genera una escultura proyectada elegantemente en espacio. En ese a√Īo particip√≥ en el XV Sal√≥n Nacional y gan√≥ el premio por su obra Vigilante Celeste. En 1967 volvi√≥ a obtener en un certamen similar el gran premio por su escultura Cabo Kennedy.

Negret en la sexta d√©cada del siglo XX no solo logr√≥ consolidar un leguaje propio que lo hac√≠a ser un artista √ļnico y el m√°s destacado escultor de formas ensambladas, sino que pudo estar en los grandes escenarios internacionales de arte como la Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel, La Bienal de Sao Paulo, adem√°s de exhibiciones en Am√©rica, Europa y Asia.

Si bien la escultura de Negret tiene una apariencia arquitect√≥nica e ingenieril, como lo confirman t√≠tulos como puente, edificio, estructura. As√≠ mismo a finales del siglo XX su inter√©s se dirigi√≥ a las culturas precolombinas tanto del Per√ļ como de Centroam√©rica. De esta serie tenemos varios ejemplos en la presente exhibici√≥n.

Negret ganó el gran premio de escultura en la XXX Bienal de Venecia de 1968. Recibió la Cruz de Boyacá, máxima distinción del Gobierno de Colombia, igualmente fue objeto de varias exhibiciones retrospectivas que consagraron su nombre y carrera.

Es la primera vez que presentamos el trabajo de Negret en forma individual, aunque ha estado formando parte en varias exposiciones colectivas y poseemos una escultura de gran tama√Īo que se exhibe permanentemente en los jardines. El artista muri√≥ en Bogot√° en 2012.

 


2018


LEONORA CARRINGTON

 


Leonora Carrington estuvo ligada al surrealismo hist√≥rico desde que a los veinte a√Īos se relacion√≥ con el artista del dad√° y surrealista Max Ernst con quien entabl√≥ una relaci√≥n sentimental que culmin√≥ en la convivencia de un a√Īo en Saint-Martin-d'Ard√®che, casa de campo que adquirieron en 1938. Luego Ernst fue declarado enemigo por el r√©gimen de Vichy y trasladado al campo de concentraci√≥n de Les Milles, a causa de esto Leonora sufri√≥ un gran desequilibrio emocional. Huy√≥ a Espa√Īa y fue internada en el hospital psiqui√°trico de Santander. Este per√≠odo de reclusi√≥n marc√≥ la vida y obra de la artista quien finalmente huy√≥ del manicomio y se traslad√≥ a Portugal donde encontr√≥ refugio en la Embajada de M√©xico donde la ayudaron a emigrar. Tiempo despu√©s ella se har√≠a ciudadana mexicana e hizo parte de la n√≥mina de pintoras fasc

 

 


2017


Nadín Ospina (Esculturas)
Se inaugur√≥ el pasado 11 de Noviembre de 2017, Uno de nuestros objetivos es mostrar el arte hecho en Colombia de distintos momentos de la historia. Es as√≠ como hemos presentado obras precolombinas, del per√≠odo colonial, del siglo XX, la modernidad y la contemporaneidad. En esa l√≠nea de intenci√≥n presentamos por primera vez en este museo la obra del artista Nad√≠n Ospina. Quien irrumpi√≥ en el arte nacional en la d√©cada de los ochentas, un decenio de gran efervescencia marcado por los post-conceptualistas, las instalaciones, la fotograf√≠a art√≠stica, la pr√°ctica del video y los performances. Tambi√©n por el regreso a una pintura de nuevo expresionista que se relacion√≥ con la transvanguardia. En esa d√©cada se habl√≥ de hibridaci√≥n, de cita, de recreaci√≥n y de apropiaci√≥n como ejercicios que ayudaron a la propuesta creativa. Se reform√≥ la idea de nacional, de identidad, de memoria hist√≥rica y de tradici√≥n. Esa revisi√≥n facilit√≥ la desmitifaci√≥n del pasado al tiempo que gener√≥ un presente cr√≠tico. Muchas de estas actitudes marcaron la producci√≥n del Nad√≠n Ospina. Su trabajo encontr√≥ en los recursos tridimensionales un gran rengl√≥n para producir esculturas, objetos e instalaciones. Se inspir√≥ en la fauna vern√°cula pero tambi√©n en la m√≠tica. Acudi√≥ a muchos de los √≠conos m√°s populares del comunismo como el repertorio de los Simpson y las im√°genes de Walt Disney. Cit√≥ con humor e iron√≠a al repertorio precolombino de joyas de oro, cer√°mica y escultura en piedra para dise√Īar objetos tanto provocadores como transgresores.

 

Marco Mojica (Dibujos y Pinturas)
Se inaugur√≥ el pasado 11 de Noviembre de 2017, La pintura y el dibujo son el veh√≠culo predilecto de Marco Mojica. Quien a trav√©s de una t√©cnica impecable reconstruye realidades que se subvierten al ser repensadas con humor e iron√≠a. El artista que estudi√≥ Artes Pl√°sticas en la Universidad del Atl√°ntico comenz√≥ a ser incluido en muestras colectivas a partir de 1996 y desde el 2004 celebra exhibiciones individuales. √Čl pertenece a la generaci√≥n del fin del siglo pasado que han propuesto diversos interrogantes en torno a la circulaci√≥n, exhibici√≥n, difusi√≥n y comercializaci√≥n del objeto art√≠stico. Acu√Īando argumentos puntuales que se refieren primordialmente a la historia del Arte.

Esta es la primera vez que se muestra su trabajo en este museo. Se han escogido para la exposici√≥n un conjunto de dibujos y pinturas elaboradas desde el 2003 hasta el 2015. En ellas pueden ver representaciones de trabajos de otros artistas hegem√≥nicos citados para formular alguna clase de pregunta. Mojica act√ļa sobre un particular archivo de im√°genes cultas que se redireccionan al ser ejecutadas nuevamente y ser sometidas al ejercicio dibuj√≠stico y pict√≥rico. √Čl superpone categor√≠as de pensamiento y provoca un di√°logo a varias bandas a partir de elementos de factura ilusionista.

 

Carlos Zerpa (Obra Huésped)
Se inaugur√≥ el pasado 11 de Noviembre de 2017, Continuando con nuestro inter√©s de presentar el arte latinoamericano, esta vez traemos la pintura La Mujer Ilustrada de Am√©rica del artista venezolano Carlos Zerpa. Un activo protagonista de las artes visuales en su pa√≠s que no solo hace pinturas sino objetos, instalaciones, dibujos y performances. Usando esos m√ļltiples medios como un ejercicio ultra barroco donde se dan cita los fetiches de la cultura popular, los instrumentos de la magia y las representaciones religiosas tanto oficiales como las no aceptadas por el santoral. En los trabajos coloridos se pueden ver im√°genes del Sagrado Coraz√≥n, la Mano Poderosa, pero tambi√©n a protagonistas de la devoci√≥n popular como Mar√≠a Lionza o San Gregorio Hern√°ndez.

Esta pintura en gran formato y de impactante colorido produce una peculiar impresi√≥n en el espectador. Una mujer tatuada, con escudo, manilla con taches, togada y con un pu√Īal en la mano cabalga sobre un gran cerdo morado. Esta peculiar amazona se encuentra pr√≥xima a varias de las insignias de la pasi√≥n de Cristo como la columna, el l√°tigo, el divino rostro y el gallo de la negaci√≥n. Se puede ver parcialmente en un extremo una calavera. El fondo es una noche estrellada con constelaciones incluidas y una cenefa de hojas amarillas enmarca a la manera de arco la parte superior de la composici√≥n.

 

√Ālvaro Barrios (Pinturas)
Se inaugur√≥ el pasado 11 de Noviembre de 2017, En la d√©cada de los a√Īos sesenta del siglo pasado la cultura colombiana se vio enriquecida por distintos protagonistas que cuestionaron las definiciones y el propio desempe√Īo de la artisticidad. Este decenio es el del Nada√≠smo en la literatura y las artes esc√©nicas y visuales al tiempo que distintas personalidades redefinieron la forma de hacer arte. Recordemos las personalidades contrastadas y radicales de Bernardo Salcedo, Feliza Bursztyn, Pedro Alc√°ntara o Beatriz Gonz√°lez. A este grupo radical de transgresores pertenece √Ālvaro Barrios quien naci√≥ en la costa atl√°ntica en la ciudad de Barranquilla en 1945.

Los estudios los realiz√≥ en Barranquilla, Perugia y Venecia. Muy temprano en los a√Īos sesenta irrumpi√≥ como dibujante y fue ponderado por la cr√≠tica Marta Traba. Sus dibujos se tornaron en objetos tridimensionales y el conceptualismo lo sedujo alimentando sus ideas. Ide√≥ instalaciones y se vali√≥ de textos para evocar la historia del arte con suspicacia y humor. Se interes√≥ en la multiplicaci√≥n masiva de sus im√°genes en series que se conocen como los Grabados Populares. Ha evocado distintas iconograf√≠as convirti√©ndolas en ficciones po√©ticas defendiendo su poder no solo de ser mago sino m√©dium. Ha criticado a trav√©s de sus distintos discursos el devenir de la pr√°ctica art√≠stica y del mercado del arte, poniendo en cuesti√≥n lo consagrado y tratando de traspasar las l√≠neas rojas de lo establecido.

 

Tom√°s Ochoa (Pinturas)
Se inaugur√≥ el pasado 9 de Septiembre de 2017, El arte del ecuatoriano Tom√°s Ochoa entrelaza la historia con la contemporaneidad. Presentamos sus fotograf√≠as, intervenidas por procesos innovadores que lo ubican en el arte contempor√°neo, en tr√≠pticos de gran formato que dan la vuelta de los m√≥dulos donde expone. Su obra logra hacernos conscientes de una visi√≥n ancestral que es amenazada por la cultura del siglo XXI. La ‚ÄúL√≠nea negra‚ÄĚ, a la que se refiere esta exposici√≥n la trazaron los ind√≠genas arhuacos para indicar los l√≠mites entre sus tierras ancestrales en la Sierra Nevada de Santa Marta y el mundo moderno del ‚ÄúHermano menor‚ÄĚ. Las fotos en blanco y negro de lugares silvestres y puros recuerdan las primeras tomadas por antrop√≥logos en sus exploraciones del siglo XIX. √Čstas son a la vez misteriosas y dicientes. Nos hablan de un antes y establecen una especie de barrera transparente a nuestros ojos invasores. Al intervenirlas, quem√°ndolas con p√≥lvora (la que tambi√©n traza una l√≠nea negra antes de estallar), Ochoa lleva a cabo una ceremonia sagrada y simb√≥lica equivalente a la de los Mamos y que tambi√©n nos hace pensar en la destrucci√≥n que amenaza toda una historia y una manera de vivir. Es poes√≠a del tiempo y la memoria escrita sobre un espejo invisible e invertido en que nos miramos a los ojos de nuestro pasado.

 

Eduardo Carvajal (Fotografías)
Se inaugur√≥ el pasado 9 de Septiembre de 2017, En la exposici√≥n de fotograf√≠as de Eduardo Carvajal tambi√©n se trata de retratos. Aqu√≠ vemos a un personaje ic√≥nico de los 70s, el escritor y cineasta, Andr√©s Caicedo. A diferencia de los retratos pintados, lo vemos en acci√≥n desafiante y burletero, siempre iconoclasta. Adem√°s, estas fotos son tomas relacionadas con una pel√≠cula de Mayolo en que Andr√©s participaba. Caicedo era quiz√°s tan vanguardista, tan audaz y tan fuera de serie como Bu√Īuel al principio de su carrera. A diferencia de Bu√Īuel, Andr√©s muri√≥ joven, suicid√°ndose en el a√Īo 1977 antes de cumplir los 30 a√Īos. Las fotos son momentos vitales de un ser cuya muerte significa el dolor y la disonancia de su generaci√≥n, incapaz de adaptarse a lo tradicional. Caicedo ha vuelto a ser √≠dolo para nuevas generaciones y estas fotos entonces parecen ser un retorno al futuro.

 

Ricardo Acevedo Berna (Obra Huésped)
Se inaugur√≥ el pasado 9 de Septiembre de 2017, La obra hu√©sped representa un retrato masculino de un rival y contempor√°neo de Garay, Ricardo Acevedo Bernal. Se trata de Alberto Urdaneta que no nos mira como lo hacen las mujeres. Sus ojos no revelan sus anhelos ni sus debilidades. Los colores son sombr√≠os, su rostro se delinea con √°ngulos fuertes y dominantes y la textura recia del pelo y la barba proclaman la fortaleza, el hero√≠smo estoico, la rectitud y la decisi√≥n‚ÄĒen fin, la hombr√≠a de un var√≥n de la √©poca. As√≠ lo vemos como √©l quer√≠a ser visto en el futuro lejano que es nuestro siglo.

 

Ana María Rueda (Pinturas)
Se inaugur√≥ el pasado 15 de julio de 2017,La artista ibaguere√Īa, activa en la pl√°stica colombiana desde los 70 y que ha incursionado en diferentes medios como la escultura, la instalaci√≥n y la fotograf√≠a nos presenta una serie de pinturas al √≥leo sobre tela de los 90 que la identifican con el simbolismo de la Transvanguardia colombiana. Su tema es la naturaleza cuyo misterio expresa con trazos y √°reas densas de colores ocres, azules y rojizos sugerentes y significativos pero apagados y humildes como en la pintura zen. Son √°rboles como setas, flores, semillas en una especie de bruma o tiniebla. Est√° el estuche de semillas de una amapola. Estos trazos y signos sugieren un m√°s all√° misterioso y una cercan√≠a a nuestra alma y las esencias naturales. Hay tambi√©n una sensaci√≥n de p√©rdida de tristeza que nos recuerda tambi√©n lo japon√©s.

 

Elsa Zambrano (Ensamblajes)
Se inaugur√≥ el pasado 15 de julio de 2017,Esta artista bogotana nos ofrece sus ‚ÄúEnsamblajes‚ÄĚ, los que, como las casas de mu√Īecas nos permiten observar toda una vida. Esta vida es la de la historia del arte, de las obras ic√≥nicas de los grandes museos en ciudades lejanas, pero tambi√©n es mirar por el ojo de la artista que, como la ni√Īa que juega con su casa, interpreta, manipula, disfruta de hacer yuxtaposiciones diferentes con los elementos, de, por ejemplo ‚ÄúLas Meninas‚ÄĚ, de Vel√°zquez. Unas mu√Īequitas salen de la postal que representa el cuadro present√°ndonoslo como en un proscenio. Tanto las postales como las figuritas de porcelana dan fe de un trayecto recorrido por la artista. Son sus testigos oculares y sus c√≥mplices. Parece ser un punto de vista femenino y tambi√©n completamente personal. Nos divierte y nos hace pensar en los viajes, en el arte y su historia en nuestra historia propia. Son a la vez c√°psulas del tiempo-el tiempo de la artista y de los artistas que evoca.

 

María Angélica Medina (Textiles)
Se inaugur√≥ el pasado 15 de julio de 2017,Nos tiende el hilo que nos lleva hacia adentro del tejido de la vida y nos hace entrar hasta en los laberintos de Rayo. Tejer, arte de mujer, Aracn√©. La Madre de Whistler, Anantse. Mar√≠a Ang√©lica Medina ha convertido sus tejidos usados en obras de arte, mostradas en cajas de vidrio. Los dobla, los re-ovilla, los concentra, los renace. Mostramos el gran tejido que produjo como performance en una exposici√≥n. Es un camino de pasos recogidos, es el hilo esperando ser liberado y vuelto ovillo o madeja otra vez. La diosa del tejido nos sonr√≠e desde su tela de ara√Īa.

 

Liliana Porter (Obra Huésped)
Se inaugur√≥ el pasado 15 de julio de 2017,Entre las cajas de Elsa Zambrano se encuentra una de la argentina LILIANA PORTER, artista conceptual que expuso en el Museo con videoarte, instalaciones, dibujos, ‚Äúun juego perpetuo con la iron√≠a y el humor‚ÄĚ, seg√ļn Miguel Gonz√°lez. Su caja alude no al arte sino a la literatura, a esa misteriosa l√©xico-il√≥gica obra Alicia en el pa√≠s de las Maravillas de Lewis Carroll. En la caja, hay un atado de fragmentos de im√°genes, de palabras, de objetos. Contenido y continente son, como las obras de Zambrano una c√°psula de un tiempo que nunca existi√≥ sino en la imaginaci√≥n de Alicia- Liliana.

Omar Rayo (Pinturas)
Se inaugur√≥ el pasado 15 de julio de 2017,‚ÄúGeometr√≠a del tejido‚ÄĚ, pinturas al acr√≠lico. Como suele ocurrir en los Museos, las exposiciones se espejean. Presentamos pinturas de Rayo de diferentes √©pocas en que la geometr√≠a es producida por un entramado de cintas que √©l en alg√ļn momento expuso con el t√≠tulo ‚ÄúUrdimbre germinal‚ÄĚ. Vemos que sus cintas se entrelazan produciendo dise√Īos como textiles. Los vemos evolucionar desde los 60s cuando las rayas blancas y negras creaban efectos √≥pticos hasta las √ļltimas obras del siglo XXI, los ‚ÄúMateo‚Äôs Toy‚ÄĚ y ‚ÄúCorteza del Arco Iris‚ÄĚ en los que el tejido es l√ļdico. Para hacer juego con el tejido re-ovillado de Mar√≠a Ang√©lica Medina, exploramos en esta muestra de Rayo el s√≠mbolo del ovillo en pinturas donde podemos pensar que es una matriz que envuelve la sombra o el aire, un s√≠mbolo potente de lo femenino. Del ovillo nace el tejido, de la ‚ÄúCris√°lida del arrebol‚ÄĚ nacen los colores. Rayo tejedor, Rayo Aracn√©. Rayo Kumo (ara√Īa en japon√©s).

 

Omar Rayo (Intaglios)
Se inaugur√≥ el pasado 15 de julio de 2017,‚ÄúNudobilia‚ÄĚ intaglios. En el Museo presentamos esta gran muestra de la serie hecha en 1972 en su taller en Nueva York. Aparentemente abstractos, estos ‚Äúnudos ciegos‚ÄĚ, nacieron de los primeros experimentos del artista con objetos pasados por el t√≥rculo. Entre ellos estaban ‚ÄúLazos para atar las alas de un √°ngel‚ÄĚ, y otras cuerdas e hilos reales vueltos intaglios. El nudo es hijo del hilo que sale del ovillo. Los Nudobilia son nudos imposibles de desatar y la progresi√≥n de la serie parece ser un Arte de Atar. Angulosos, sencillos o complejos, nos obligan a ‚Äúseguir el hilo‚ÄĚ de su atadura. Una serie, soberbia, sobria de Rayo en su mejor momento como grabador.

 

Christo Javacheff (Documentos fotogr√°ficos)
Se inaugur√≥ el pasado 13 de mayo de 2017,El Museo Rayo exhibe con gran orgullo 15 obras gr√°ficas, que se√Īalan como documentos la realizaci√≥n de proyectos tanto en el espacio urbano como en el paisaje de este gran artista clasificado por la cr√≠tica en el grupo de los nuevos realistas. Christo ha acostumbrado a su p√ļblico a esperar de √©l megaobras, proyectando sus trabajos en territorios abiertos teniendo como caracter√≠stica principal la utilizaci√≥n de amplios espacios paisaj√≠sticos. Ha sobrevivido por d√©cadas y se ha especializado en proyectos superlativos, es la figura m√°s popular de esta tendencia sobrepas√°ndola y logrando penetrar en la memoria colectiva m√°s all√° de los circuitos del arte especializado.

 

Norman Mejía (Pinturas)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,El Museo Rayo presenta 22 obras de su trabajo más contestario y feroz que marcan el ímpetu de su estilo peculiar, prestados directamente a su viuda quien tiene a su cuidado el acervo de este gran artista colombiano.

 

Pedro Alcántara (Obra Huésped)
Se inauguró el pasado 13 de mayo de 2017,Nada más oportuno que la obra de Pedro Alcántara para dialogar con las pinturas de Norman Mejía, los dibujos de Alcántara son un referente obligado en la producción del arte colombiano en el siglo XX y su obra neofigurativa es un cometario oportuno que desde el arte emanó entorno a una sociedad en conflicto.


2016


Hernando del Villar (Pinturas)
El pasado 05 de noviembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas; Hernando del Villar naci√≥ en Santa Marta en 1944. Desde 1966 comenz√≥ a participar en exhibiciones colectivas y tem√°ticas y desde 1969 celebr√≥ muestras individuales de sus trabajos. Logr√≥ consolidar un estilo peculiar interes√°ndose sobre todo en el paisaje. Sus trabajos priorizaron las formas rotundas e identificables y solucionaron sus argumentos a trav√©s de l√≠neas blancas demarcantes que encerraban colores contrapunt√≠sticos resultado de singulares osad√≠as crom√°ticas. Las obras as√≠ resueltas no dejaban indiferente al espectador, al contrario invitaron a participar en compa√Ī√≠a de argumentos de f√°cil comprensi√≥n siempre propuestos por el artista.

 

Manolo Vellojín (Pinturas)
El pasado 05 de noviembre de 2016, se inaugur√≥ en el Museo Rayo Pinturas;Velloj√≠n siempre trabajaba la geometr√≠a como un recurso evocador y c√°lido, repensando el color y las composiciones exactas y controladas. Su propuesta art√≠stica se relaciona con la tradici√≥n geom√©trica que ha representado una vertiente en al arte nacional. Pensemos en Edgar Negret, Eduardo Ram√≠rez Villamizar, Omar Rayo, Carlos Rojas, Fanny San√≠n, John Castles o Ronny Vayda, para recordar ejemplos pertinentes que han abordado el rigor de las formas. Solo que la pintura de Manolo Velloj√≠n escogi√≥ el mundo religioso y f√ļnebre para construir sus argumentos silenciosos y de econom√≠a de formas y elementos, logrando una obra reposada y sugerente capaz de conmover por su simplicidad y elegancia.

 

Tomás Ochoa (Obra Huésped)
En esta ocasi√≥n tenemos la oportunidad de estudiar una peculiar pintura que usa la fotograf√≠a como referente y que adem√°s utiliza la p√≥lvora quemada como elemento materializador y significante. Su autor el ecuatoriano Tom√°s Ochoa nacido en Cuenca en 1969. De la generaci√≥n que emergi√≥ en su pa√≠s desde la √ļltima d√©cada del siglo XX. Eso ha hecho que su obra est√© permeada e impactada por los estudios culturales, los desplazamientos, el concepto de post colonial, las teor√≠as literarias y filos√≥ficas que han enriquecido su trabajo dot√°ndolo de un soporte conceptual ejemplar para el arte latinoamericano.

 

Fernando Maza (Obra Huésped)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Escultura (Obra Hu√©sped);El arte producido por creadores de Argentina es uno de los m√°s apreciados e influyentes en Latinoam√©rica. Buenos Aires es el epicentro de esas actividades y hoy sus museos, galer√≠as y la Feria de Arte se han convertido en escenarios privilegiados no solamente para promocionar y difundir el arte nacional sino el de otras latitudes. Fernando Maza naci√≥ en Buenos Aires en 1936. Desde 1957 comenz√≥ a exhibir en muestras colectivas en distintas ciudades argentinas. Desde 1960 a 1973 vive en Nueva York. Luego viaja a Londres y desde 1977 vive y trabaja en Par√≠s. Un destino tambi√©n muy apetecido por cr√≠ticos y artistas no solo de Argentina sino de Am√©rica Latina.

 

Norberto León Rios (Grabados)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo obra gr√°fica;Presentamos la serie grabados ‚Äď esculturas de Norberto Le√≥n R√≠os, un conjunto por √©l titulado Teatro Humano. Efectivamente los cuerpos desnudos en distintas posiciones parecen debatirse ansiosamente y tratan de escapar de los espacios asignados donde est√°n atrapados. Los cuerpos convulsos desean ser tambi√©n alegor√≠as sobre la existencia y la condici√≥n humana. Norberto Le√≥n R√≠os naci√≥ en la Tulia, Valle, no lejos de Roldanillo, realiz√≥ sus estudios de arte en el Instituto Popular de Cultura de Cali, ciudad donde comienza a participar en exposiciones desde 1984. Desde 1999 vive en Espa√Īa, primero en Santiago de Compostela y luego en Sevilla desde el 2001 donde tiene su taller de obra gr√°fica ‚ÄúNorler Grabados‚ÄĚ.

 

Fernando de Szyszlo (Pinturas)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo pinturas; Fernando De Szyszlo es uno de los artistas latinoamericanos m√°s destacados del siglo XX y el m√°s importante creador peruano en la historia reciente. Su propuesta de abstracci√≥n simb√≥lica hizo parte del conjunto de propuestas que se activaron en el arte continental con √°nimo renovador a partir de la Segunda Guerra Mundial. En las ciudades suramericanas surgieron reflexiones en distintas direcciones destinadas a renovar el lenguaje visual y a transformar las percepciones que se ten√≠an hasta el momento de la pintura y escultura. De Szyszlo hizo parte de este contingente y sobresali√≥ en la adhesi√≥n al abstraccionismo que desde finales de los a√Īos cuarenta ha practicado hasta el presente.

 

Claes Oldenburg (M√ļltiples)
El pasado 17 de septiembre de 2016, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, esculturas, objetos, dibujos y gr√°ficas; El Pop Art se convirti√≥ con raz√≥n en una de las actividades m√°s fascinantes en la d√©cada del sesenta del siglo pasado. Aunque naci√≥ en Londres fue en Estados Unidos, tanto en la costa oeste como en Nueva York donde su difusi√≥n y popularizaci√≥n alcanz√≥ su definitiva consagraci√≥n. Claes Oldenburg naci√≥ en Estocolmo en 1929, hijo de un diplom√°tico sueco, siendo ni√Īo se traslad√≥ a Nueva York y despu√©s vivi√≥ en Chicago donde estudi√≥ y se gradu√≥ en Arte. Luego se matricul√≥ en la Universidad de Yale donde estuvo de 1946 a 1950. Retorn√≥ a Chicago y se incorpor√≥ al Art Institute hasta 1954. En 1953 se nacionaliz√≥ como estadounidense. 1956 retorn√≥ a Nueva York y all√≠ entr√≥ en contacto con nuevos artistas como Jim Dine, Red Grooms y Allan Kaprow, este √ļltimo autor de los Happenings que incorporaban acciones de corte teatral y que ofrec√≠an una alternativa al dominante estilo del expresionismo abstracto.

 

Eugène Carrière (Obra Huésped)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una pintura en el programa de Obra Hu√©sped; Presentamos en esta ocasi√≥n una pintura francesa del siglo XIX perteneciente al acervo del Museo Nacional de Colombia en Bogot√°. La obra fue adquirida en 1928 con motivo de la “Primera exposici√≥n oficial de pintura francesa en Colombia” que se llev√≥ a cabo en el C√≠rculo de Bellas Artes de Bogot√°. Para ese entonces Eug√®ne Carri√®re ya hab√≠a fallecido. Su deceso se produjo en Par√≠s a causa de un c√°ncer de garganta en 1906.

 

Fanny Sanín (Pinturas)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una sala dedicada a la pintura; La obra de Fanny San√≠n es indispensable en la pintura abstracta colombiana y latinoamericana. Despu√©s de practicar formas emocionales y relacionarlas con el expresionismo contenido su propuesta se concentr√≥ en la obra abstracta geom√©trica dando al color un protagonismo expresivo y a las composiciones una tensi√≥n evocadora singular.

 

Erika Diettes (Fotografía)
El pasado 16 julio de 2016, se inauguró en el Museo Rayo tres salas dedicadas a la fotograf√≠a; Su obra en consecuencia habla de memoria y dolor, dos elementos que ella trata con sutileza y una po√©tica retadora. Su trabajo no tiene sangre ni im√°genes expresionistas. Un gran silencio parece apoderarse de los rostros de las v√≠ctimas o de los objetos que una vez les pertenecieron.

 

Julian Schanabel (Obra Huésped)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo una pintura como obra h√ļesped; Schnabel naci√≥ en Nueva York en 1951, adem√°s de pintor es director de cine y sus tres pel√≠culas¬† han sido muy ponderadas en festivales como los de Cannes, Venecia as√≠ como tambi√©n en los C√©sar y los Globos de Oro. Esas cintas son: Basquiat, Antes de que anochezca y La Escafandra y la Mariposa. Como pintor se dio a conocer por sus obras de platos rotos que causaron gran controversia. Su obra suele clasificarse como “mala pintura” perteneciente al neo-expresionismo transvanguardista a partir de los a√Īos setenta y ochenta del siglo pasado.

 

Luis Fernando Zapata (Esculturas)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Luis Fernando Zapata, un artista colombiano nacido en Girardota, Antioquia, en 1951. Estudi√≥ arquitectura en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medell√≠n y Bellas Artes y Dise√Īo en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogot√°. Su carera se inici√≥ en 1976 a√Īo de su primera participaci√≥n en una muestra colectiva. Desde 1985 realiz√≥ exhibiciones individuales.

 

Cultura Malagana (Esculturas)
El pasado 7 de Mayo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; La Cultura Malagana se concentra sobre todo en la alfarer√≠a, una modalidad que aquel cacicazgo practic√≥ con gran destreza convirti√©ndola junto con la orfebrer√≠a en sus mayores producciones art√≠sticas. Sus cer√°micas son pulidas y finas. Los argumentos que abordan no solo recrean el mundo animal sino que ense√Īan representaciones antropomorfas incluidas el inter√©s por la sexualidad. Muchas piezas todav√≠a ense√Īan su cromatismo donde aparece el terracota y el crema como colores predilectos.

 

Carlos Rojas (Esculturas)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Carlos Rojas, nacido en Facatativ√°, Cundinamarca, Colombia, en 1933. √Čl tuvo una gran escolaridad en las universidades Javeriana y Nacional de Bogot√° y luego en la Escuela de Bellas Artes y Dise√Īo de Roma. Vivi√≥ en Europa y Estados Unidos y a su regreso fue profesor en las universidades de los Andes, Jorge Tadeo Lozano y Nacional. Exhibi√≥ individualmente desde 1957.

 

Cuatro Fotógrafos Contemporáneos (Fotografías)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Fotograf√≠as; Las obras de estos cuatro fot√≥grafos (Anank√© Asseff, Germ√°n G√≥mez, Marcos L√≥pez, Vik Muniz) apuntan a distintas direcciones para materializar est√©ticas que preocupan y cuestionan la imagen que nos es m√°s contempor√°nea.

 

Natalia Arias (Obra Huésped)
El pasado 5 de Marzo de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Fotograf√≠as; La artista naci√≥ en Brighton, Inglaterra, en 1977. Reside en Bogot√° y vive y trabaja en Miami. Exhibe individualmente desde el 2005, hasta el momento ha celebrado siete exhibiciones en solitario y participado en m√°s de medio centenar de muestras grupales desde el 2001.

 

Helias Heim (Esculturas)
El pasado 23 de Enero de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Heim naci√≥ en Cali en 1966. Realiz√≥ su primera exhibici√≥n individual en Colombia en 1991, obtuvo luego reconocimiento tanto en el Sal√≥n Regional como en el Nacional y logr√≥ representar a Colombia en las bienales de Venecia y Sao Paulo.¬† Siempre haciendo ¬†alusi√≥n directa a los lugares expositivos, interfiriendo ¬†el espacio para problematizar en torno a √©l.¬† Sus aparatos mec√°nicos lograron imponerse y marcar la diferencia con la escultura nacional que se practicaba buscando un concepto expandido de la misma.

 

Doris Salcedo (Obra Huésped)
El pasado 23 de Enero de 2016, se inauguró en el Museo Rayo Obra Gr√°fica; Presentamos las cuatro obras gr√°ficas que se editaron con motivo de la exhibici√≥n de la obra Shibboleth en la Tate Moderm de Londres. Una alegor√≠a monumental y conmovedora que hablaba de la divisi√≥n de los mundos irreconciliables, de la discriminaci√≥n, del territorio de los elegidos y del universo de los marginados. Esta propuesta de Doris Salcedo, nacida en Bogot√° en 1968, entraba as√≠ a formar parte de sus trabajos a gran escala interviniendo la arquitectura como han sido la acci√≥n en el Palacio de Justicia en Bogot√°, las sillas acumuladas en el vacio entre edificios de la Bienal de Estambul y la intervenci√≥n en el interior del Castillo di Rivoli cerca de Tur√≠n.


2015


Ever Astudillo ( Obra Huésped)
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; La escultura abstracta tan practicada en el arte colombiano tradicionalmente en metal como en los casos de Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Feliza Bursztyn o John Castles quienes se enfrentaron a distintos materiales como aluminios, hierro y chatarra como agentes para abordar problemas espaciales, composicionales que hablaban no solamente de rigor y equilibrio sino de formas anárquicas y contestatarias. Ahora la podemos ver ejercida desde la piedra tallada.

 

Miguel Castillo ( Escultura )
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas;La escultura abstracta tan practicada en el arte colombiano tradicionalmente en metal como en los casos de Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Carlos Rojas, Feliza Bursztyn o John Castles quienes se enfrentaron a distintos materiales como aluminios, hierro y chatarra como agentes para abordar problemas espaciales, composicionales que hablaban no solamente de rigor y equilibrio sino de formas anárquicas y contestatarias. Ahora la podemos ver ejercida desde la piedra tallada.

 

Alberto De Michele( Video-Exposición )
El pasado 19 de Septiembre de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Video-Exposición; Alberto De Michele nación en Venecia en 1980 pero se trasladó a vivir a Amsterdam donde se nacionalizó holandés. Su trabajo se concentra en indagar argumentos que podríamos considerarse políticamente incorrectos y que se ocupan de los protagonistas del ampa. Sujetos que pagan grandes condenas o que andan sueltos o en fuga. Muestra así mismo una cara muy activa y militante de una sociedad que se mueve en los bajos fondos pero que es inevitable en la conformación de una sociedad sometida a múltiples actividades. La delincuencia ocupa un renglón privilegiado en las tabulaciones de las actividades públicas, mal haríamos en disimular dicha presencia y no es ajeno o extraño este fenómeno para argumentar a través del arte.

 

Paisajes ( Exposición del Museo Nacional de Colombia )
El pasado 11 de Julio de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Pinturas; La conciencia de la existencia de la naturaleza y su entorno es un anhelo que se ha materializado a través de distintas civilizaciones. Podemos observar algunos elementos en las descripciones esencialistas de los egipcios. Pero en la pintura romana el paisaje se convirtió en un argumento central y para representarlo había incluso diversos estilos, como lo podemos verificar en los murales pompeyanos. Cuando el Giotto se concentra en sus dos proyectos mayores, en Asís y en Padua, el paisaje ya aparece como un elemento indispensable y enmarca las escenas al aire libre con profusión de detalles.

 

Feliza Bursztyn ( Escultura )
El pasado 11 de Julio de 2015, se inauguró en el Museo Rayo Esculturas; Nuestro curador, Miguel González, ha seleccionado una variedad de obras escultóricas que incluyen instalaciones motorizadas, de esta artista a quien él considera "una de las artistas más influyentes en el arte colombiano de las últimas décadas".

 

Olga De Amaral ( Telas )
El pasado 14 de Marzo de 2015, se inauguró en el Museo Rayo; Una artista que Miguel González, quien hizo la selección de esta exposición espléndida de tapices, considera "visionaria", quien eleva la "experiencia del tapiz" a "niveles místicos y poéticos nunca conseguidos por un artista contemporáneo".

 

Leonel Góngora ( Pinturas, Dibujos, Grabados )
El pasado 14 de Marzo de 2015, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, dibujos y grabados; La exhibición se concentra en su producción pictórica, dibujística y gráfica, incluido el libro Los siete pecados capitales que el artista grabó y que apareció en 1982. La muestra es una de las más grandes que se ha celebrado sobre su trabajo y está conformada por setenta piezas de distintos períodos.

 

Fernando de Szyszlo (Obra Huésped )
La pintura está realizada en gran formato y tipifica la producción de De Szyszlo desde el punto de vista cromático y formal. Es una abstracción que transmite una vitalidad adquirida de sus indagaciones en los elementos preincaicos así como en la poesía quechua, dando como resultado un lienzo no solo emblemático sino hermético.

 

Ana Mercedes Hoyos ( Pinturas, Esculturas, Grabados )
El pasado 17 de Enero de 2015, se inauguró en el Museo Rayo pinturas, dibujos y gráficas inspiradas en las procesiones de San Basilio, un acercamiento a los lazos posteriores de los vestidos de niñas con Ana Mercedes Hoyos.

 

Arte y el Mundial (Carteles)
En la exhibición de Arte y el Mundial se pueden ver carteles del surafricano Kentridge y de la pareja Allora Calzadilla, además del japonés Kawashima, el norteamericano residente en Brasil, Wiley con el retrato de un afro descendiente: Randerson Romualdo Cordeiro. Así mismo podremos observar obras de artistas del país anfitrión como Costi, Oiwa, Recife, Senise y el grafitero Nunca.

 

Fernando Botero (Obra Huésped)
En la obra de Fernando Botero encontramos retratos, temas religiosos, paisajes, bodegones, series dedicadas a la tauromaquia, a la violencia, a la Pasión de Cristo y al erotismo. El tema clerical le ha llamado especialmente la atención representado santos y prelados, además de distintos íconos del cristianismo y sus rituales.


2014


Leo Matiz, Fotografías - Bodegones, colección del Museo Nacional de Colombia
El 17 de mayo se inauguró en el Museo Rayo dos exposiciones itinerantes que provenian del Museo Nacional de Colombia: "Bodegones", pinturas de maestros colombianos e internacionales, y "Leo Matiz", fotografías realizadas en Colombia.

 

Colección de arte "Avianca" en el Museo Rayo
El sábado 15 de marzo el Museo Rayo abrió sus puertas a una exposición deslumbrante de pintura, dibujo, textiles, escultura y grabado, la "Colección de Arte Avianca" de la que es depositario el Museo de Arte Moderno de Bogotá.

 

XXXIII Aniversario de la fundación del Museo Rayo - Artes de Asia
Estampas Japonesas - Takashi Murakami - Omar Rayo y Japón - Carteles Maoístas - Omar Rayo y China - Estamapas populares de la India - Omikuji, Omar Rayo museo del Intaglio.


2013


Miro y Dalí, Gráficas y esculturas - Victor Vasarely, Gráficas
Exposiciones inauguradas el 23 de noviembre del 2013, cerrando el ciclo de exposiciones de ese año. La serie de gráficas de Miró y las esculturas, películas y obras seriadas de Dalí vuelven a través de sus opuestos planteamientos a introducirnos en las entrañas del Surrealismo. Por otro lado, Vasarely y Bach unidos por una idea donde el rigor y la geometría son el motivo para la evocación, la invitación a la espiritualidad y la consecución de un equilibrio mediante el ejercicio de la sensibilidad.

 

Liliana Porter - Graficas y videos
La propuesta siempre inquietante y poética de Liliana Porter, con razón se la ha relacionado con la construcción literaria de su compatriota Jorge Luis Borges, maestro de los enigmas y de la imaginación como ejercicio que reivindica el poder de los juegos mentales.

 

Artístas argentinos - Colección del Museo Rayo
Las distintas direcciones estéticas y conceptuales que animaron a estos diversos creadores de diferentes generaciones a materializar sus obras, con el papel como soporte, evidencian la capacidad inventiva y la multiplicidad referencial que animaron la producción central en este lapso de tiempo, capítulo indispensable no solo al interior del arte argentino sino del latinoamericano.

 

Niki de Saint Phalle - Esculturas y grafica
El universo de Niki de Saint Phalle esta en la obra del imaginario infantil, lo que hace que no solo este pensando en homenajes voluntarios a Matisse si no en la lluvia, los pequeños monstruos o el tarot para volcarlos a su inconfundible estilo tan suspicaz como optimista y desmitificador.